O luxo entrou em auditoria

Entre 17 e 19 de maio, o Financial Times reuniu alguns dos principais líderes globais do setor no FT Business of Luxury Summit 2026, realizado em Puglia, na Itália. Sob o tema Building Resilience into Luxury Brands (Construindo resiliência nas marcas de luxo), o encontro reuniu nomes como Delphine Arnault (Dior), Jonathan Anderson (Dior), Victoria Beckham, Cédric Charbit (Saint Laurent), Joanne Crevoiserat (Tapestry), Ermenegildo Zegna, Stéphane de La Faverie (Estée Lauder), Omer Acar (Raffles e Fairmont), Nerio Alessandri (Technogym) e India Mahdavi. O evento aconteceu em um momento particularmente sensível para a indústria. Depois de anos de crescimento acelerado, aumentos sucessivos de preços e expansão global, o setor enfrenta desaceleração do consumo, mudanças de comportamento e uma revisão cada vez mais rigorosa da relação entre valor percebido e valor entregue. Talvez por isso a principal discussão do encontro não tenha sido crescimento. Entre as diversas conversas, alguns temas apareceram de forma recorrente.

O preço deixou de resolver tudo

Uma das falas mais reveladoras veio de Delphine Arnault, CEO da Dior. Em vez de defender novos aumentos de preços, Arnault sinalizou cautela: “Estamos trabalhando muito na nossa oferta de artigos de couro e somos muito cautelosos com os preços.” A declaração chamou atenção porque surge em um momento em que grande parte do setor tenta equilibrar rentabilidade, percepção de valor e resistência crescente dos consumidores aos reajustes.

A retenção tornou-se mais importante do que a aquisição

Durante anos, o luxo operou sob a lógica da expansão contínua de clientes. Agora, a atenção parece voltar para quem já está dentro da base. Cédric Charbit, CEO da Saint Laurent, foi direto: “Não temos sido suficientemente bons em reter clientes, devemos melhorar.” A observação desloca a discussão da aquisição para relacionamento, recorrência e fidelização.

O próprio setor questiona seu modelo de crescimento

No mesmo debate, Charbit fez outra observação que repercutiu amplamente: “O crescimento do setor tem sido extraordinário, mas não sustentável.” Poucas frases resumem tão bem o momento atual. Não se trata de uma crise de demanda, mas de uma reflexão sobre os limites de um modelo baseado em expansão contínua, aumento de preços e escala global.

O valor voltou ao centro da discussão

Jonathan Anderson, recém-nomeado diretor criativo da Dior, trouxe uma reflexão sobre um dos temas mais sensíveis da indústria: a relação entre preço e trabalho. “O que realmente nos desafia no mercado de luxo hoje em dia é o valor do trabalho de pessoas talentosas que criam algo. Não paramos para pensar no valor por hora da pessoa que borda o vestido, um trabalho que pode levar até três meses.” A observação desloca a discussão do preço final do produto para o valor do conhecimento, da técnica e do tempo envolvidos em sua produção.

A cadeia produtiva virou tema estratégico

Outro assunto recorrente foi a crescente atenção à origem dos materiais, rastreabilidade e padrões produtivos. O tema apareceu em discussões dedicadas às cadeias de suprimentos, refletindo a importância crescente dos processos produtivos na construção de reputação, confiança e credibilidade para as marcas de luxo.

O esporte tornou-se um novo território de luxo

Outro movimento visível na programação foi a aproximação crescente entre luxo, esporte, performance e lifestyle. A presença de organizações como Lacoste, Technogym, Maserati, Premier Jumping League e Como 1907 sinalizou o avanço das marcas sobre territórios tradicionalmente associados ao esporte e ao bem-estar. Em um ano marcado pela aproximação da Copa do Mundo de 2026 e dos Jogos Olímpicos de Inverno, o esporte apareceu menos como patrocínio e mais como plataforma cultural capaz de gerar pertencimento, comunidade e desejo.

A hotelaria tornou-se laboratório de experiência

A participação de líderes da Raffles, Fairmont, Hyatt e Borgo Egnazia reforçou outra transformação importante: a migração do valor do produto para a experiência. Hospitalidade, serviço, atmosfera e senso de lugar apareceram como referências cada vez mais relevantes para toda a indústria do luxo, inclusive fora do setor hoteleiro.

Expansão global sem perder identidade

Outro tema presente na programação oficial foi Engineering Culturally Fluent Expansion (Expansão global com fluência cultural), dedicado aos desafios de crescimento internacional das marcas. A discussão refletiu uma preocupação crescente do setor: como expandir para diferentes mercados preservando coerência de identidade e relevância local em um contexto de consumidores cada vez mais diversos e mercados culturalmente mais fragmentados.

Minha leitura

O luxo deixou de discutir apenas como crescer e passou a discutir como merecer continuar caro. Ao ouvir líderes de algumas das maiores marcas do mundo falando sobre retenção, cautela com preços, valor do trabalho, experiência, cadeia produtiva e percepção de valor, uma impressão permanece. O luxo entrou em uma fase de auditoria simbólica. Consumidores, investidores e o próprio mercado passaram a questionar simultaneamente preço, qualidade, criatividade, serviço, origem dos materiais, experiência e legitimidade cultural. A questão deixou de ser apenas quanto uma marca consegue cobrar. A pergunta agora é por que ela merece cobrar.

João Armentano: Como o Brasil deseja morar

Conheço João Armentano há cerca de três décadas. Ao longo desse tempo, além de acompanhar sua trajetória profissional, testemunhei algo menos visível: sua capacidade rara de observar transformações antes que elas se tornem evidentes para o mercado. Anos atrás, ao responder uma pesquisa sobre o mercado, João observou que empresas deveriam me contratar para interpretar o que acontece no mundo e traduzir essas mudanças para seus negócios. Guardei a observação não pelo elogio, mas porque ela dizia muito sobre ele. João sempre teve interesse por aquilo que antecede as tendências: comportamento, cultura e transformação. Talvez por isso sua trajetória seja tão relevante para entender a evolução do morar no Brasil. Quando a abertura das importações trouxe o mobiliário italiano para o país nos anos 1990, ele foi um dos primeiros arquitetos a compreender o impacto daquela mudança. Mais do que incorporar peças internacionais aos projetos, soube interpretar uma nova linguagem doméstica. Em um período em que o minimalismo se consolidava como sinônimo de elegância, tornou-se uma das principais referências dessa estética no mercado brasileiro, influenciando uma geração inteira de profissionais e clientes. Não por acaso, foi também um dos primeiros arquitetos a transformar seu nome em atributo de valor para o mercado imobiliário. Sua assinatura passou a integrar fachadas de empreendimentos como diferencial competitivo, ajudando a construir um novo imaginário sobre qualidade de vida, requinte e valorização patrimonial. Existe ainda um contraste interessante em João. A aparente timidez e o jeito discreto podem sugerir alguém distante do ruído do mercado. É uma leitura equivocada. Poucos profissionais acompanharam com tanta atenção as mudanças de comportamento, desejo e consumo que atravessaram o luxo brasileiro nas últimas décadas. Mais do que desenhar espaços, João construiu sua trajetória interpretando pessoas. Talvez por isso continue sendo uma referência relevante para entender não apenas como o Brasil mora, mas como deseja morar. É desse lugar que nasce esta conversa.

1. Depois de tantos anos projetando para clientes de luxo, você acredita que o rico de hoje mudou de verdade ou apenas aprendeu formas mais elegantes de se apresentar?

Não acredito que seja possível generalizar. Os clientes de alta renda são bastante heterogêneos e, por isso, não vejo um movimento único ou linear de mudanças que possa ser aplicado de forma ampla. O que podemos observar no dia a dia do escritório é que os clientes têm demandado cada vez mais a personalização dos projetos que nos encomendam. Há um desejo muito evidente de estabelecer uma identidade entre a pessoa e o espaço que ela ocupa. Para a forma como nós trabalhamos na Armentano Arquitetura, isso é excelente, porque nossa maneira de projetar é muito determinada pelos momentos nos quais escutamos as necessidades de cada cliente e tentamos traduzi-las espacialmente. Portanto, não há uma fórmula pronta. O que fazemos é uma conversa. E cada projeto acaba atendendo aos anseios e às particularidades daqueles que o encomendaram.

2. Durante muito tempo, o luxo foi associado à ideia de abundância. Hoje, algumas das casas mais elegantes parecem construídas justamente sobre contenção, vazio e silêncio. O que mudou na maneira como as pessoas querem habitar o luxo?

Um dos princípios mais importantes da minha trajetória como arquiteto, e algo que procuro constantemente transmitir para a minha equipe, é a criação de experiências profundas e acolhedoras. Na Armentano Arquitetura, dificilmente a forma de um edifício é o grande trunfo do projeto. Não partimos de um gesto arquitetônico grandioso nem buscamos um virtuosismo formal. Nosso foco está nas sensações que as pessoas experimentam ao ocupar os espaços que desenhamos. Acho que isso dialoga com uma mudança na maneira como o luxo vem sendo percebido hoje. Vivemos um momento de excesso de estímulos, imagens e informações. Talvez por isso exista uma necessidade cada vez maior de encontrar, dentro da arquitetura, espaços de desaceleração e silêncio. Quando chegamos em casa, o que mais desejamos, muitas vezes, é descansar os olhos. Nesse sentido, por vezes, o luxo deixa de estar associado apenas à abundância ou à ostentação e passa a se relacionar com tempo, conforto e bem-estar.

3. Em algum momento, arquitetos deixaram de ser apenas profissionais e passaram a operar quase como figuras de lifestyle e desejo. O que essa transformação trouxe de positivo para a arquitetura — e o que trouxe de perigoso?

Essa movimentação acompanhou uma mudança importante de paradigma que não se restringe ao campo da arquitetura, mas que o afetou de forma muito profunda. Acho que esse momento pode ser relacionado ao final do século passado, quando arquitetos passaram a questionar a ideia de que existiria uma forma correta e universal de projetar. Isso abriu espaço para que as especificidades de cada lugar, de cada cliente e de cada contexto se tornassem parte do processo criativo. De certa forma, isso rompeu com uma visão estritamente funcionalista da arquitetura e permitiu uma aproximação mais sensível às formas de viver. Talvez esse tenha sido um dos aspectos mais positivos dessa transformação: a arquitetura deixou de responder apenas a programas técnicos e passou também a incorporar dimensões culturais e subjetivas. Ao mesmo tempo, nos dias atuais, existe um risco evidente nessa transformação do arquiteto em uma figura de lifestyle e desejo. Muitas vezes, o que passa a ser consumido é mais a imagem do projeto do que sua profundidade. A circulação rápida de referências acaba privilegiando uma arquitetura imediata e fotogênica, enquanto questões como a relação com o contexto, a materialidade e até a construção perdem espaço.

4. No universo do luxo, o briefing raramente é apenas funcional. Muitas vezes ele vem carregado de vaidade, medo, desejo de pertencimento, necessidade de controle e fantasia de vida. O bom arquiteto precisa obedecer ao cliente ou precisa, muitas vezes, protegê-lo de si mesmo?

Um bom briefing em arquitetura raramente é apenas funcional. O bom arquiteto precisa compreender que mesmo uma mera lista de ambientes carrega um conjunto de afetos e atravessa uma porção de relações. Frequentemente, no entanto, o desejo não está explicitado no briefing. O cliente vai dar indícios na forma como fala, em como se comporta nas reuniões, nas referências que traz e na maneira como reage às referências que a equipe apresenta. Aos arquitetos cabe, antes de projetar, fazer uma interpretação desse sonho que o cliente tenta expressar. Não é, portanto, que a equipe obedece ou protege o cliente. A equipe faz uma espécie de tradução do desejo em espaço. Por isso, na Armentano Arquitetura, escutamos o cliente com muita atenção, mas não nos furtamos a fazer essa interpretação de seus sonhos. Afinal de contas, a realização do desejo do cliente não pode ficar apenas no campo do simbólico. Ela precisa virar espaço vivido.

Quando a matéria volta a justificar valor

O novo relatório de Materiais e Acabamentos P/V 27 da WGSN aponta para uma combinação aparentemente contraditória: materiais naturais, regenerativos e reciclados convivem com acabamentos cósmicos e figitais; superfícies histórico-modernas dividem espaço com experiências multissensoriais e novas formas de artesanato. Tomada apenas como previsão de tendências, a lista pode parecer fragmentada. Há, porém, uma leitura mais reveladora. A próxima fronteira do valor não está apenas no desenho do produto, mas na inteligência da matéria. Durante décadas, materiais e acabamentos foram tratados principalmente como recursos estéticos. Hoje, concentram uma densidade crescente de atributos: origem, rastreabilidade, desempenho, tecnologia, memória, tato e narrativa. A superfície deixa de ser apenas aquilo que se vê. Torna-se um sistema de informação capaz de comunicar o que o produto é, como foi feito e por que existe. Essa transformação ocorre em um momento particularmente sensível. Após anos de expansão acelerada e sucessivos aumentos de preços, diferentes setores voltam a enfrentar uma questão incômoda: o que sustenta o valor quando a disposição para pagar deixa de ser presumida? Nesse cenário, materiais assumem uma função mais estratégica. Já não basta sinalizar valor; é preciso torná-lo verificável. Talvez por isso o relatório combine regeneração, artesanato, matéria viva e tecnologia. Não como linguagens concorrentes, mas como mecanismos distintos de tornar visíveis conhecimento, processo, origem e competência produtiva. O acabamento deixa de operar como ornamento. Passa a funcionar como evidência. Em um mercado onde o preço volta a ser questionado, a matéria volta a ser obrigada a provar valor.

A conversa com João Armentano inspirou esta seleção. Poltronas que permanecem relevantes não por nostalgia, mas pela força do desenho, da construção e da matéria. Peças que atravessam o tempo porque continuam revelando algo sobre a forma como escolhemos viver.

Nena
Richard Sapper para B&B Italia, reedição de 2026 (original de 1984)

Uma das peças mais inteligentes do repertório de Richard Sapper. Estrutura tubular em alumínio, articulações precisas e sistema dobrável condensam leveza, mobilidade e rigor construtivo em um objeto que permanece surpreendentemente contemporâneo.

Archibald Delicate Balance
Jean-Marie Massaud para Poltrona Frau x Frank Shepard Fairey, 2026

A colaboração transforma a poltrona em suporte para a linguagem gráfica do artista americano. Cor, sobreposição de padrões e imagens simbólicas ampliam o projeto original, conectando design, arte e impacto social por meio de uma edição limitada.

R 513
Vico Magistretti para Gervasoni, reedição de 2026 (original dos anos 1980)

Reeditada em colaboração com a Fundação Vico Magistretti, explora o potencial estrutural do rattan Manau. A sucessão de elementos verticais define forma, volume e construção em um único gesto, revelando uma rara coincidência entre técnica e desenho.

Bachi
Vittorio Varo para Visionnaire, reedição de 2026 (original de 1960)

Inspirada nos casulos do bicho-da-seda, retorna ao catálogo da Visionnaire em versão metalizada. Entre escultura e assento, traduz uma visão dos anos 1960 que continua atual: formas orgânicas transformadas em presença arquitetônica.

A arquitetura à mesa

Durante décadas, a alta gastronomia foi construída principalmente em torno da comida. Hoje, volta a ganhar força uma ideia antiga: o jantar como experiência total. O prato continua importante, mas já não é suficiente. Arquitetura, design, som, iluminação, direção criativa e narrativa passam a ocupar o mesmo nível de protagonismo da cozinha. O movimento aparece em diferentes cidades e formatos, mas um dos exemplos recentes mais reveladores vem de Montreal, onde a arquitetura deixa de ser suporte para se tornar um dos principais elementos da narrativa. Durante o festival Montréal en Lumière, o estúdio gastronômico Menu Extra transformou a Chapelle des Franciscains em uma experiência imersiva chamada Efflorescence. O projeto partiu de uma referência pouco comum para a gastronomia: a arquitetura brutalista. A experiência reuniu chefs, sommeliers, designers, artistas e produtores criativos em torno de uma instalação concebida como uma espécie de ritual contemporâneo. Sob tetos monumentais e superfícies de concreto, uma mesa comunitária de 12 metros revestida por tecido verde foi desenhada para dialogar diretamente com a geometria da arquitetura. O ambiente incorporava caixas de luz com plantas vivas, paisagem sonora original, mobiliário desenvolvido para o projeto e uma identidade gráfica inspirada nas formas do espaço. Samuel de La Courtemanche, diretor criativo do Menu Extra, explicou que a materialidade bruta e o caráter monumental desses edifícios criam um cenário propício para explorar a gastronomia como ritual e contemplação. Mais interessante do que o jantar em si talvez seja o que ele revela. A comida ocupa a mesa; o significado ocupa a memória.

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- Começa hoje, no Instituto Bardi - Casa de Vidro, a exposição Poetic Living, primeira mostra institucional de Jean-Michel Othoniel em São Paulo. O artista francês apresenta esculturas e aquarelas inéditas criadas em diálogo com a arquitetura e o jardim de Lina Bo Bardi. Conhecido pelo uso do vidro de Murano em obras que transitam entre joia, escultura e arquitetura, Othoniel transforma a própria casa em parte da narrativa. A exposição fica em cartaz até 11 de julho.

- Falando em olhar, uma imagem da série Water Lilies, de Claude Monet, foi recentemente publicada nas redes sociais como se tivesse sido gerada por inteligência artificial. Milhões de pessoas passaram a apontar supostos “erros” de composição, profundidade e técnica. O detalhe é que a obra era autêntica. O episódio talvez revele menos sobre IA do que sobre nosso tempo. Em um ambiente condicionado por rótulos e respostas instantâneas, a capacidade de observar parece, cada vez mais, ceder espaço à necessidade de reagir.

- Essa mesma tensão entre percepção e imaginação aparece em outro território: o luxo. Humor, narrativa e um certo grau de excentricidade voltam a ocupar espaço nas marcas de alto padrão. A nova instalação de vitrines da Hermès na Madison Avenue, criada pelo artista Jeremy Olson, transforma interiores domésticos em cenas surreais, onde sofás engolem corpos e a lógica parece ligeiramente deslocada. Talvez seja um lembrete de que o desejo também nasce do inesperado.

- A Dior segue uma direção semelhante. A maison convidou o artista britânico Alex Chinneck para criar novas vitrines em Londres e Seul. Conhecido por intervenções que distorcem arquitetura, mobiliário e objetos cotidianos, Chinneck transformou as fachadas em uma sequência de ilusões visuais e deslocamentos inesperados. O gesto reforça um movimento interessante: no luxo atual, a vitrine funciona cada vez menos como exposição de produto e cada vez mais como construção de imaginário.

- Enquanto algumas marcas investem em fantasia, outras voltam sua atenção para questões estruturais. A LVMH anunciou sua primeira Carta Global de Direitos Humanos, estabelecendo diretrizes para salários justos, não discriminação, condições seguras de trabalho, liberdade de associação e responsabilidade de fornecedores em suas mais de 75 marcas. A medida surge em meio ao aumento da pressão sobre as cadeias produtivas do luxo, especialmente após investigações envolvendo condições de trabalho em fornecedores na Itália. O que antes era tratado como bastidor passa, gradualmente, a integrar a própria construção de valor das marcas.

- Também no campo das estruturas, mas em escala literal, a Zaha Hadid Architects concluiu a Ponte Danjiang, em Taiwan, agora a ponte estaiada assimétrica de mastro único mais longa do mundo. Com 920 metros de extensão e um mastro de concreto de 200 metros sustentando um vão principal de 450 metros, a estrutura foi projetada para resistir a tufões e terremotos, além de preservar a vista do famoso pôr do sol sobre o Rio Tamsui. O projeto foi um dos últimos supervisionados pessoalmente por Zaha Hadid antes de sua morte.

- Por fim, uma reflexão sobre o espaço doméstico e suas próximas transformações. A Futurewave apresentou o Furny, um robô doméstico que não foi criado para executar tarefas, mas para explorar novas formas de convivência entre pessoas e tecnologia. Em vez de telas ou comandos de voz, ele se comunica por movimentos e gestos. Mais do que automação, o projeto investiga uma pergunta cada vez mais relevante: como a tecnologia ocupará espaço dentro da casa - e, talvez, dentro das nossas relações cotidianas.

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A casa depois da imagem

Faz exatamente um mês que a Semana de Design de Milão terminou. Desde então, entre palestras, talks, conversas e a quantidade quase infinita de análises publicadas sobre o evento, uma pergunta parece ganhar força - não apenas para mim, mas para uma parte importante do próprio mercado: afinal, como as pessoas realmente querem viver daqui para frente? Porque, no fundo, é isso que continua sendo buscado em Milão. Produtos, móveis, objetos e ambientes capazes de responder - ou ao menos interpretar - novos modos de habitar, conviver, desacelerar e construir identidade. O design voltado ao habitar parece atravessar hoje uma contradição curiosa. Nunca se falou tanto sobre interiores, bem-estar, conforto e experiência doméstica. Ao mesmo tempo, raramente se discutiu com tanta profundidade quais espaços, objetos e materialidades ainda fazem sentido para uma vida contemporânea cada vez mais fragmentada, acelerada e saturada de estímulos. Parte importante do que vimos em Milão ainda parecia organizada em torno de atmosferas impecáveis, ativações de marca e cenografias altamente calculadas. Mas, paralelamente, outra demanda começa a emergir: ambientes menos performáticos, objetos mais duradouros, materiais mais honestos e casas capazes de absorver permanência, rotina, emoção e vida real. É justamente esse movimento que atravessa esta edição. Começo pela entrevista dos irmãos Adriano, Davide e Gabriele, que expõem com rara precisão uma questão hoje cada vez mais central: o que ainda sustenta valor real em um produto. Em um momento em que parte do design parece absorvida por branding, storytelling e experiência, eles defendem uma visão em que produto continua sendo cultura industrial, permanência e construção de identidade. Na sequência, a reflexão da editora britânica Michelle Ogundehin, publicada recentemente no Financial Times, amplia essa discussão para dentro das casas. Não mais interiores organizados apenas como imagem, mas ambientes pensados a partir do impacto silencioso que exercem sobre o corpo, o bem-estar e as relações. E talvez uma das pesquisas mais reveladoras venha justamente do mercado imobiliário. Dados recentes da Zillow mostram que os imóveis mais desejados hoje já não são necessariamente os mais neutros ou espetaculares, mas aqueles capazes de transmitir sensação de refúgio, desaceleração e vida possível. Porque, no fim, talvez o problema contemporâneo do habitar não seja excesso de imagem. Mas ausência de direção.

Irmãos Adriano - o produto ainda importa

Davide e Gabriele Adriano pertencem a uma geração de designers italianos que nunca separou produto, indústria, comunicação e cultura. Fundadores do Adriano Design, estúdio criado em Turim em 1997, os irmãos construíram uma trajetória reconhecida internacionalmente pela capacidade de unir inovação tecnológica, precisão industrial e linguagem doméstica - sem transformar o design em espetáculo vazio. Ao longo das últimas décadas, trabalharam com marcas italianas e internacionais em setores que vão do mobiliário à mobilidade, da cozinha ao café, acumulando premiações como Compasso d’Oro, IF Design Award e Good Design Award. No Brasil, a parceria com a Cinex ajudou a ampliar essa visão de um design capaz de integrar desempenho técnico, requinte construtivo e elegância espacial. Conheci Davide e Gabriele em Turim, há alguns anos. Nos reencontramos em abril, durante a última Semana de Design de Milão. A mesma combinação continua rara: simpatia, elegância intelectual e uma visão estratégica e holística do design que ultrapassa o objeto. Os irmãos Adriano defendem uma posição cada vez menos comum hoje: a de que o produto ainda deve ocupar o centro real da construção de valor de uma marca. Não a narrativa em torno dele. Não a atmosfera. Nem o excesso de comunicação. Para eles, produto continua sendo cultura industrial, permanência e identidade. Mais do que uma entrevista sobre produto, esta conversa ajuda a entender o que ainda sustenta valor no design contemporâneo.

1 - Durante a Milano Design Week, o design parece estar cada vez mais cercado por ativações de marca, narrativas imersivas e performances ligadas ao luxo. Alguns críticos chegaram a sugerir que o evento tenha se transformado em uma verdadeira “Brand Week”. Vocês trabalham justamente na interseção entre produto, comunicação, marketing e estratégia de marca. O design ainda constrói as marcas - ou as marcas passaram a determinar a forma como o design é concebido?

Gabriele: Questionar hoje a centralidade do produto em relação à marca é fundamental. O que vimos durante a Design Week demonstra claramente como muitas empresas se transformaram em grandes estruturas internacionais, nas quais o produto foi progressivamente absorvido pelo storytelling da marca, pela identidade corporativa e pela experiência construída ao redor dela. Isso levou a um achatamento da oferta e a uma perda de força identitária do próprio produto. Em muitos casos, as empresas já não são reconhecidas pelos seus objetos, mas pelas atmosferas que constroem, pelos códigos estéticos, pelos materiais ou pela linguagem visual. É um sinal importante, porque o risco é que o design deixe de ser pesquisa e visão para se tornar apenas ferramenta de comunicação. Vimos muitas marcas narrando o próprio passado e pouquíssimas realmente se perguntando sobre o futuro. Nós continuamos acreditando que são os produtos que devem construir as marcas. O produto precisa voltar a ser o fundamento cultural e industrial da empresa, seu elemento mais autêntico e reconhecível. Storytelling, imaginário e estratégia devem nascer do produto - e não substituí-lo. Quando o design é utilizado apenas para alimentar uma narrativa, sem uma verdadeira substância projetual, corre-se o risco de criar um sistema frágil e homogêneo. Seguimos acreditando que o verdadeiro patrimônio de uma empresa são os seus produtos: aquilo que a torna crível, distinta e duradoura no tempo.

2 - Nos últimos anos, a inovação por si só parecia suficiente para justificar um produto. Hoje, porém, quase tudo já é intuitivo, integrado e funcional. O que faz com que uma pessoa continue desejando um objeto mesmo depois que a novidade desaparece?

Gabriele: Quando a novidade tecnológica desaparece, o que permanece é o valor cultural e emocional do objeto. Hoje, as pessoas não buscam apenas produtos eficientes, mas objetos com os quais possam criar vínculo, se reconhecer e conviver ao longo do tempo. Para nós, o desejo nasce da capacidade de um produto de transmitir algo autêntico: o saber artesanal que ele carrega, a qualidade da execução, o pensamento projetual que lhe deu origem e a forma como consegue melhorar a vida cotidiana sem se tornar invasivo. Um produto continua desejável quando envelhece bem, quando mantém dignidade e presença mesmo depois de anos. Por isso acreditamos tanto na escolha dos materiais, na qualidade construtiva e na possibilidade de criar objetos que não sigam simplesmente uma moda, mas que construam uma relação duradoura com quem os utiliza. O storytelling também se torna importante - mas apenas quando é verdadeira. Contar quem projetou um objeto, quantos saberes artesanais existem por trás dele e quais valores orientaram sua criação significa prolongar a vida do produto e transformá-lo em algo que pode ser transmitido, e não simplesmente substituído.

3 - “Tudo pode sempre ser reprojetado de forma diferente e melhor, em uma evolução sem fim” é uma ideia poderosa - mas também perigosa em um sistema já saturado de objetos e estímulos em excesso. O design continua realmente evoluindo os produtos ou apenas cria novas razões para substituí-los?

Davide: Acreditamos que hoje o design tenha uma responsabilidade muito maior do que no passado. Em um mundo já saturado de produtos e imagens, projetar não deveria significar adicionar continuamente novos objetos, mas compreender quais deles são realmente necessários e como podem durar no tempo. Somos favoráveis à inovação e à tecnologia, mas não acreditamos na ideia de mudança como exercício contínuo de substituição. A verdadeira evolução, para nós, acontece quando um produto consegue se adaptar às transformações do viver contemporâneo sem perder identidade. Por isso não acreditamos em restylings feitos apenas por renovação estética. Preferimos trabalhar na reinvenção do produto: reinterpretar funções, materiais e tecnologias mantendo, porém, uma continuidade cultural e projetual. Inovar não significa apagar o que já existe, mas fazê-lo evoluir de maneira coerente e responsável. O risco hoje é que o design seja utilizado para acelerar o consumo por meio de uma sensação constante de superação do presente. Nós acreditamos justamente no contrário: o projeto deve desacelerar essa dinâmica, criando produtos pensados para serem atualizáveis, reparáveis e capazes de manter valor ao longo do tempo.

4 - Uma parte importante do trabalho de vocês consiste em transformar objetos técnicos e orientados à performance em elementos capazes de dialogar com interiores domésticos elegantes. O que essa necessidade de tornar tudo mais habitável, refinado e emocionalmente próximo revela sobre a forma como consumimos hoje?

Davide: Acho que isso revela uma mudança muito profunda na forma como vivemos os objetos. Hoje, a tecnologia está em toda parte, mas as pessoas sentem cada vez mais necessidade de se cercar de produtos capazes de se integrar emocional e visualmente aos espaços cotidianos. Durante muitos anos, os objetos tecnológicos foram projetados para expressar performance, potência e inovação de maneira quase agressiva. Hoje, o que se busca é equilíbrio: produtos tecnicamente evoluídos, mas também discretos, elegantes e humanos. No nosso trabalho, buscamos justamente esse equilíbrio entre performance e sensibilidade doméstica. Tornar um objeto mais habitável não significa apenas torná-lo mais bonito, mas fazer com que ele consiga conviver harmoniosamente com as pessoas, com seus ritmos, com os espaços e com as emoções do cotidiano. Essa mudança também revela uma transformação cultural do consumo. As pessoas já não querem apenas possuir objetos funcionais, mas construir ambientes coerentes com o próprio modo de viver e com a própria identidade. Por isso, hoje o design precisa unir inovação técnica, qualidade estética e dimensão emocional de maneira cada vez mais natural.

A nova emoção dos interiores

Após anos de interiores organizados como superfícies impecáveis, uma mudança silenciosa começa a se manifestar nas casas contemporâneas. Em um artigo recente do Financial Times, a editora britânica Michelle Ogundehin observa o avanço de espaços menos cenográficos e mais conectados à experiência real de habitar. Não se trata apenas de uma migração do minimalismo para o maximalismo - essa leitura é simplista demais para explicar o momento atual. O que começa a surgir, segundo ela, é uma nova relação com a simplicidade: menos focada na aparência e mais em como um ambiente afeta a experiência de estar nele. Ogundehin identifica uma espécie de “novo purismo”, que questiona não apenas a estética dos interiores, mas também a forma como eles respiram, envelhecem, absorvem o tempo e impactam o bem-estar cotidiano. Essa abordagem se distancia do excesso de wellness transformado em performance doméstica - como saunas caseiras ou academias no rooftop - e se aproxima daquilo que um espaço efetivamente nos faz sentir. A lógica do design passa a ser a da seleção criteriosa, e não mais da subtração automática. Embora ainda se utilize menos materiais, a escolha agora se apoia na permanência física, na resposta tátil e na menor toxicidade. Gesso mineral substitui superfícies excessivamente polidas, enquanto madeira maciça ganha espaço em relação a folheados descartáveis. Argila, pedra e pigmentos naturais aparecem não como fetiches estéticos, mas como matérias que envelhecem bem sem carregar a complexidade química dos equivalentes sintéticos. Os dados começam a indicar que essa mudança vai além da linguagem visual. Segundo a Precedence Research, o mercado global de materiais sustentáveis para construção deve saltar de US$ 533,7 bilhões em 2025 para mais de US$ 1,6 trilhão até 2035. Já a Coherent Market Insights projeta que o mercado de tintas com baixo ou nenhum VOC crescerá de US$ 11,1 bilhões em 2025 para US$ 17,8 bilhões até 2032. Torna-se cada vez mais evidente o reconhecimento do poder silencioso, porém concreto, que os interiores exercem sobre o bem-estar. “As pessoas estão percebendo que suas casas não são neutras”, afirma a designer Zoe Chan no artigo. Durante décadas, tintas tóxicas, acabamentos sintéticos e materiais associados à baixa qualidade do ar foram incorporados aos interiores sem grande questionamento. Agora, a mesma consciência aplicada à alimentação começa a se estender aos espaços em que vivemos. O argumento ganha ainda mais consistência quando observado fora do universo do design. Pesquisas da Universidade Johns Hopkins demonstram que arquitetura, interiores e planejamento urbano, quando aplicados de forma intencional, podem promover cura em ambientes clínicos, reduzir o burnout profissional, melhorar o bem-estar corporativo e estimular a atividade física em escala comunitária. “Quando realmente entendemos o quão profundamente o ambiente ao nosso redor afeta nosso sistema nervoso, nossa saúde e nossos relacionamentos, o design deixa de ser apenas sobre a aparência de um espaço e passa a ser sobre como ele apoia a vida”, resume Zoe Chan. Talvez seja nesse ponto que parte do design de interiores atual esteja mudando de direção: não mais na criação de cenários impecáveis, mas na construção de ambientes mais alinhados à vida real - e também de “objetos coerentes com o próprio modo de viver e com a própria identidade”, como observou Davide Adriano - refletindo a maneira como as pessoas realmente desejam viver: física, emocional e sensorialmente.

Se a moda ensinou a casa a consumir lifestyle, a hotelaria parece agora ocupar esse próximo território de desejo. A Marriott acaba de lançar uma plataforma dedicada à venda de móveis, roupas de cama, luminárias, fragrâncias e objetos inspirados em seus hotéis W Hotels e Westin Hotels & Resorts. Mais do que merchandising, o movimento revela uma mudança importante na forma como o consumo doméstico está sendo construído. Com a nova Design Shop, hóspedes podem comprar peças desenvolvidas para recriar em casa parte da atmosfera desses hotéis. A coleção W Hotels Living, criada em parceria com o Rockwell Group, parte do recém-renovado W New York - Union Square e traduz o imaginário mais urbano, gráfico e noturno da marca em mobiliário, iluminação e objetos com forte presença visual. Já a linha Westin Hotels & Resorts Living segue outra direção. Baseada na filosofia “Sleep Well” (“Durma Bem”) da marca, a coleção aposta em tons neutros, madeira natural, tecidos texturizados e móveis minimalistas para construir ambientes silenciosos e voltados ao bem-estar. Cabeceiras estofadas, mesas laterais, almofadas e acessórios aparecem menos como produtos de hotel e mais como extensões de uma ideia contemporânea de refúgio doméstico.

Casas que parecem refúgio

Uma mudança curiosa começa a aparecer no mercado imobiliário americano. E ela parece dizer menos sobre decoração do que sobre comportamento. Uma pesquisa publicada pela Zillow em março mostra que compradores estão pagando mais por imóveis associados à ideia de refúgio, personalização e menor desgaste operacional. O levantamento analisou mais de 2 milhões de propriedades anunciadas em 2025 e cruzou mais de 600 termos presentes nas descrições com os preços efetivos de venda. O resultado aponta para algo maior do que uma preferência estética. Casas com deck privado foram vendidas por 5,4% acima do esperado. Cozinhas externas agregaram 4,4%. Duchas ao ar livre, 4,3%. A palavra “cottage” apareceu associada a um prêmio de 3,2%, enquanto lareiras externas adicionaram 2,8%. À primeira vista, os dados poderiam sugerir apenas a valorização da estética cottagecore - ligada à ideia de refúgio, natureza e uma vida menos acelerada. Mas talvez o movimento seja mais profundo. O que cresce não é exatamente o desejo por uma casa de campo, e sim por ambientes capazes de produzir desaceleração dentro da própria rotina. A própria Zillow observa que compradores estão dispostos a pagar mais por atributos ligados à permanência física: jantar ao ar livre, fogo aceso no jardim, contato com a água, banho externo, espaços que façam o cotidiano parecer menos exaustivo. Talvez essa seja a parte mais reveladora da pesquisa. O valor já não está apenas no imóvel em si, mas na vida que ele parece permitir. O mesmo movimento aparece na valorização da personalização. Recursos customizados, antes tratados como risco de revenda, passaram a agregar valor. Soluções sob medida adicionam 3%. Cozinhas gourmet para quem realmente cozinha agregam outros 3%. O mercado parece começar a premiar imóveis menos genéricos, desde que essas escolhas estejam bem resolvidas. A neutralidade absoluta - durante anos tratada como garantia de liquidez - começa a dividir espaço com outra lógica: a de ambientes capazes de refletir hábitos, ritmos e identidade. Mas existe um limite claro. Os compradores querem espaços mais pessoais, mais emocionais e mais prontos para a vida. Não querem herdar um problema. Imóveis prontos para morar são vendidos por 2,9% acima do esperado. Casas reformadas alcançam valores 2,2% superiores aos de propriedades semelhantes que não destacam reformas. Já imóveis que exigem reparos sofrem desvalorização média de 14%. Em um contexto de juros altos e custos elevados de obra, reforma deixou de ser promessa romântica para se tornar risco financeiro. Uma casa atualizada permite incorporar o custo ao financiamento. Uma casa inacabada transfere tempo, gasto e desgaste para depois da compra. Talvez por isso essa pesquisa dialogue com uma transformação mais ampla do habitar atual. A casa desejada hoje não precisa apenas parecer bonita. Precisa sustentar uma vida hiperestimulada. O cottagecore, nesse sentido, funciona menos como estilo e mais como sintoma. Uma reação ao imóvel genérico, ao interior excessivamente performático e à ideia da casa como vitrine permanente. O novo habitar talvez esteja menos interessado em casas perfeitas e mais em casas que já saibam receber a vida. Sem reforma. Sem ruído. Sem a promessa cansativa de um dia ficar pronta.

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- Richard Avedon voltou ao centro do debate cultural em Cannes. O diretor Ron Howard apresentou Avedon, documentário construído a partir de arquivos inéditos, entrevistas e imagens de bastidores do fotógrafo que ajudou a redefinir a linguagem visual do século 20. Avedon defendia uma posição rara: “Você pode ser comercial e não se vender.” Mais do que moda ou retrato, o filme recoloca uma questão bastante contemporânea: quem realmente constrói as imagens que organizam uma época?

- Essa ideia de experiência como construção cultural também aparece em Marseille. O Tuba Club decidiu que jantar olhando para o mar já não era suficiente e convidou a artista Alix Lacloche para criar um “banquete no mar” - literalmente. Entre performance, comida e paisagem, a proposta parece menos um evento e mais um lembrete de que hospitalidade também pode funcionar como linguagem.

- Em Turim, o Lève Office Bar revisita outro imaginário coletivo: o universo corporativo dos anos 1960. Assinado por Fabio Fantolino, o espaço substitui a rigidez do escritório do pós-guerra por uma atmosfera mais cinematográfica, sensual e fluida. Cromados, lâminas de madeira e lacas intensas constroem um bar que parece saído de um filme - não de um moodboard retrô.

- E, no norte da Europa, Helsinque inaugura uma visão mais urbana e coletiva de futuro. A cidade apresentou a Kruunuvuori Bridge, ponte de 1,2 km dedicada exclusivamente a pedestres, ciclistas e transporte público. Considerada a mais longa da Finlândia para mobilidade leve, a estrutura conecta o centro ao distrito de Laajasalo e integra a estratégia europeia de redução do uso de carros particulares. Em vez de priorizar velocidade para automóveis, projetos como esse passam a enfatizar acessibilidade, resposta climática e qualidade do espaço público.

- A discussão sobre imagem e materialidade segue em Veneza. A Bienal de Arquitetura de 2027 anunciou Wang Shu e Lu Wenyu, do Amateur Architecture Studio, como curadores da próxima edição. O tema, “Do Architecture”, propõe um deslocamento relevante: menos arquitetura como imagem e mais arquitetura como prática, matéria, memória e construção cultural. Em meio à saturação visual contemporânea, Veneza parece tentar recolocar o fazer no centro do debate.

- Enquanto isso, até os elementos mais cotidianos das interfaces digitais passam por uma reformulação estética. O Google redesenhou os mais de 4 mil emojis do Android para que pareçam “mais vivos”. Mais volumétricos, expressivos e iluminados, eles revelam como até os menores símbolos da comunicação digital passaram a carregar intenção, emoção e identidade visual.

- Entre engenharia e design, a Fórmula 1 também encontra novos territórios culturais. O designer Keon-Jo lançou a Rear Wing Chair, cadeira construída a partir da geometria real das asas traseiras da F1. Feita integralmente em fibra de carbono, a peça estreia durante o GP de Mônaco e transforma precisão aerodinâmica em objeto doméstico. Entre escultura e engenharia, talvez seja o automobilismo entrando oficialmente no território do colecionável contemporâneo.

- No Brasil, a arquitetura de Renato Marques de Oliveira finalmente ganha um registro à altura de sua relevância. Conhecido por uma obra que ajudou a consolidar uma ideia de “arquitetura rural” elegante, silenciosa e profundamente conectada à paisagem, Renato será homenageado em um livro organizado por Renata Mellão, da editora Superbacana+. A publicação reúne pesquisas, entrevistas e fotografias de Tuca Reinés, além de revisitar projetos como o hotel Vila Naia, na Bahia - muito antes de o “quiet luxury” virar tendência. O lançamento acontece em 30 de maio, na Galeria Teo, em São Paulo.

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Tudo aparece. Quase nada permanece.

Durante anos, a visibilidade foi tratada como consequência do valor. Hoje, em muitos casos, ela passou a operar como substituição dele. A Semana de Design de Milão talvez seja o território onde essa transformação aparece de maneira mais evidente. Nunca houve tanta produção visual, circulação, lançamentos, ativações, instalações, experiências imersivas, collabs, vídeos, fotografias e conteúdo em tempo real. Tudo precisa ser visto imediatamente. Tudo precisa parecer relevante imediatamente. O problema é que a velocidade da aparição começa a eliminar o tempo da leitura. Projetos começam a ser consumidos antes mesmo de serem compreendidos. Espaços são reduzidos a enquadramentos. Objetos passam a existir mais como circulação visual do que como construção material, industrial ou cultural. A experiência começa a existir como imagem antes de produzir leitura. E talvez seja justamente aqui que parte do design brasileiro esteja entrando em uma armadilha silenciosa. Nos últimos anos, muitas marcas passaram a buscar em Milão uma espécie de validação automática. Estar em Milão. Ser fotografado em Milão. Ser publicado em Milão. Circular nas páginas, nos feeds e nas listas de “melhores da semana”. Como se a presença visual internacional, por si só, fosse suficiente para consolidar relevância estrutural. Mas visibilidade não constrói necessariamente valor. Às vezes, apenas acelera consumo de imagem. Existe uma diferença importante entre reconhecimento e circulação. Reconhecimento exige permanência, consistência, repertório, construção de linguagem, capacidade industrial, clareza de posicionamento e produção de significado ao longo do tempo. Circulação exige apenas presença momentânea. Milão continua relevante justamente porque concentra o sistema: indústria, imprensa, mercado, pesquisa, distribuição, arquitetura, luxo, tecnologia e cultura material. O problema não está na cidade nem no evento. Está na maneira como parte do mercado passou a interpretar essa exposição. Porque, quando tudo depende de aparecer, o risco é que o design comece a operar sob uma lógica cada vez mais próxima da publicidade: impacto rápido, legibilidade imediata e obsolescência acelerada. Isso ajuda a explicar por que tantos projetos atuais parecem já nascer exaustos. São concebidos para performar visualmente no instante da circulação. Não necessariamente para permanecer, amadurecer ou sustentar leitura depois do impacto inicial. Ao mesmo tempo, talvez estejamos entrando em um momento em que o excesso de imagem começa a produzir o efeito oposto: fadiga visual, saturação narrativa e perda de diferenciação. Quando tudo parece experiência, quase nada permanece experiência. E quando toda marca busca legitimação pela mesma imagem internacional, o risco não é apenas a repetição estética. É a erosão da própria singularidade que tenta afirmar. Talvez a questão atual já não seja mais como aparecer. Mas o que ainda consegue permanecer depois que a imagem desaparece.

Ethel Leon - o que o design brasileiro não vê

O design brasileiro sempre foi bem narrado. Nem sempre bem compreendido. Durante décadas, o país foi apresentado internacionalmente por meio de uma construção recorrente: materialidade, identidade, artesania, informalidade, tropicalidade. Uma leitura eficiente para circulação global, mas insuficiente para explicar a complexidade estrutural do campo. Poucas pessoas contribuíram tanto para ampliar essa leitura quanto Ethel Leon. Doutora, historiadora, crítica, curadora e pesquisadora, Ethel construiu uma das trajetórias intelectuais mais consistentes do design brasileiro nas últimas décadas. Seu trabalho ajudou a deslocar a leitura do design brasileiro do objeto para as estruturas que sustentam sua produção: indústria, circulação, tecnologia, ensino e cultura material. Entre seus livros mais relevantes estão Design Brasileiro: Quem Fez, Quem Faz, um dos registros mais abrangentes sobre a formação do design no país, e IAC - Instituto de Arte Contemporânea: Escola de Desenho Industrial do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, investigação sobre a primeira escola de design do Brasil e seu papel na construção do pensamento moderno nacional. Mais recentemente, em Design em Paralaxe, propõe uma leitura menos linear do design brasileiro, observando tensões entre indústria, artesanato, política e modernização. Sua atuação atravessa também curadoria, pesquisa institucional e formação, em projetos ligados ao Museu da Casa Brasileira, ao MASP e ao Sesc São Paulo. O eixo de sua pesquisa raramente esteve na estilização do design brasileiro como linguagem exportável. Seu trabalho observa aquilo que sustenta o campo - e também aquilo que ele historicamente preferiu simplificar. Nesta entrevista, Ethel Leon fala sobre repetição, autoria, indústria, artesania e os limites das narrativas que o Brasil construiu sobre si mesmo. A principal questão talvez já não seja como o design brasileiro é visto internacionalmente. Mas o que ele ainda evita enxergar sobre si mesmo.

1. Se o design opera hoje em escala global, por que as soluções continuam tão previsíveis? Estamos diante de um campo conservador que se repete ou de um sistema que já não consegue produzir ruptura?

Vou começar perguntando qual é o sinônimo de design aqui. São as soluções encontradas para produtos tridimensionais, para a gráfica, para a interface dos sites? São os projetos anteriores à produção? Design é uma dessas palavras cujo sentido é tão ampliado que pode significar muita coisa. Vou tentar falar de alguns aspectos da prática profissional. Existem escritórios globais, existem designers trabalhando em escala diminuta, existe quem use IA para agilizar projetos. Existe quem recorra a diversas tradições. No campo dos tridimensionais, vemos, no Brasil, designers que se tornaram marceneiros respaldados na tradição do ofício, ao lado daqueles que investem em pesquisa de novos materiais. Ou seja, não sei a que se referem as “soluções previsíveis”. A internacionalização da economia facilita as transferências culturais, sem dúvida. Mas existem resistências locais. E existe uma inventividade imensa, me parece. Toda vez que vejo um site chinês de vendas a varejo, me espanto com a quantidade de novos produtos. Além disso, vejo soluções locais antigas que se perpetuaram e que não foram internacionalizadas (veja-se, por exemplo, um fixador de objetos em paredes, fabricado na Suíça e que não encontro em qualquer outro mercado). Por fim, a ideia de ruptura, adotada pelas vanguardas modernistas, cada vez mais cede lugar à compreensão de que nada se cria a partir do grau zero. É a pergunta dos arquitetos: existiria Le Corbusier sem Perret ou Behrens? Existiria Perret sem Viollet-le-Duc?

2. Em um cenário de excesso de oferta e saturação de imagem, o que ainda estrutura valor no design? E o que já não sustenta esse valor, mas continua sendo tratado como central?

Acredito que facilidades de uso, ergonomia - não aquela que enxerga a possibilidade de arranjo ideal entre corpo e próteses, mas a que reivindica essa aproximação com críticas -, a legibilidade na escrita, as questões de conforto acústico, térmico e tátil ainda sejam fundamentais. Afinal, o corpo humano não mudou tanto assim nos últimos séculos para que esses valores caiam em desuso.

3. A história do design foi construída a partir de figuras centrais - os “grandes designers” - que organizaram o campo por meio de autoria e linguagem. Em um sistema hoje mais fragmentado, distribuído e orientado por imagem, ainda faz sentido falar em ícones? Ou a ideia de “designer-celebridade” é um modelo do século XX que o presente já não sustenta?

Creio que temos um mundo híbrido. O star system ainda existe, e poderosas instituições e empresas o valorizam. Entre designers menos vinculados a um grande mercado, ou mesmo a qualquer mercado, vejo iniciativas de diluir a questão da autoria entre quem concebe, executa, divulga etc. Veja que curioso: no Brasil dos anos 1950 e 1960, muitos designers se tornaram empresários e almejavam a produção seriada e mesmo as linhas de produção fordistas. Batizaram suas lojas com nomes como Forma, Mobilinea, Mobília Contemporânea, Oca, l’Atelier, Branco e Preto, Móveis Z, Unilabor, Hobjeto etc. Hoje, o mercado de colecionadores de móveis renomeou esses produtores como Ernesto Hauner, Michel Arnoult, Sérgio Rodrigues, Zanine Caldas, Geraldo de Barros, Jorge Zalszupin. Ou seja, inverteu-se a lógica que presidia a iniciativa desses designers. Ao mesmo tempo, pequenos grupos tendem a se denominar com nomes que não são os seus, diluindo a autoria. Ao falar de design, cuja definição é sempre tortuosa, difícil, inexata, sempre me parece mais produtivo pensarmos em especificidades.

4. O design brasileiro é frequentemente apresentado internacionalmente por meio de narrativas já conhecidas - materialidade, identidade, artesania. Isso ainda explica o Brasil ou limita sua leitura?

Creio que limita, e muito! Foi muito pouco divulgado aqui e no exterior o projeto de um respirador, capitaneado pelo escritório QuesttoNó durante a pandemia, quando o acesso a certos chips se tornou impossível e a demanda por respiradores hospitalares cresceu enormemente. Creio que esse foi um dos projetos mais relevantes e que não caberia na rubrica “identidade” - geralmente simplificadora. Além disso, artesania, entre nós, confunde-se sempre com manualidades. Como se não houvesse artesanato tecnológico. Aviões, observatórios, submarinos e naves espaciais são produtos artesanais de alta tecnologia. Ao reivindicarmos apenas o artesanato popular como nossa fachada, estamos nos condenando a ser um país desindustrializado e colonizado.

iF Design Award 2027 - inscrições abertas

As inscrições para o iF Design Award 2027 já estão abertas. Criado em 1954, na Alemanha, o prêmio segue como uma das principais referências globais de reconhecimento em design, reunindo projetos de produto, arquitetura, interiores, comunicação, UX, UI e inovação. O anúncio acontece após um ano histórico para o Brasil. Em 2026, o país alcançou um recorde de 112 projetos premiados no iF Design Award, consolidando a crescente presença brasileira no cenário internacional. Dois projetos nacionais receberam o iF Gold Award, distinção máxima da premiação: a luminária Tempo, assinada por Claudia Moreira Salles para a Lumini, e a Casa Alvorada, da D76 Incorporadora. Entre mais de 10 mil inscrições globais, apenas 75 projetos receberam o selo Gold. Mais do que volume, o resultado revela outra mudança: o design brasileiro começa a ampliar sua leitura internacional para além da linguagem autoral, ganhando relevância em inovação, indústria, arquitetura e experiência. Para mais informações, regulamento completo e inscrições, consulte o site oficial do prêmio ou entre em contato com Juliana Buso, representante do iF Design Award no Brasil: juliana.buso@ifdesign.com.

Durante muito tempo, o mobiliário corporativo foi pensado para desaparecer. Cadeiras eficientes, mesas neutras, objetos silenciosos. Mas o trabalho mudou - e os desejos dentro dos espaços também. A Maxdesign pertence a uma geração de marcas que entende o design corporativo para além da função. Suas peças não organizam apenas escritórios. Organizam encontros, pausas, permanências e novas formas de convivência. Entre estruturas leves, sistemas flexíveis e desenhos mais próximos do universo residencial, a marca ítalo-brasileira constrói coleções que respondem menos à rigidez do ambiente de trabalho e mais à maneira como queremos viver dentro dele.

Linha Cruise - Jin Kuramoto
Cruise transforma uma única almofada contínua em estrutura, gesto e linguagem. A lounge chair nasce da dobra natural dos materiais e constrói uma presença quase arquitetônica no espaço. Pensada como ponto de pausa, propõe um ambiente de desaceleração dentro da lógica contemporânea dos espaços coletivos.

Ice Table - Daniel Germani
Produzidas artesanalmente na Itália, as mesas Ice combinam bases em vidro soprado e tampos em vidro fundido em peças únicas. Mais do que mesas laterais, funcionam como pontos de presença visual dentro do espaço, equilibrando técnica artesanal, materialidade e impacto escultórico.

Linha Tango - Brogliato Traverso
A coleção Tango parte de um princípio de subtração radical: dois únicos elementos estruturais criam toda a identidade da peça. O gesto dos tubos curvados em aço remete aos movimentos da dança e organiza bancos e mesas com precisão gráfica, estrutural e funcional. Um sistema transversal, capaz de operar entre o residencial, o corporativo e o comercial sem perder unidade.

Dale - Sebastian Herkner
Com linhas orgânicas e configuração variável, Dale transforma o sofá em plataforma de convivência e trabalho. O encosto permite diferentes posições de interação, enquanto a mesa lateral integrada amplia os usos possíveis do sistema, entre reunião, pausa e permanência.

Rombo Chair - Geckeler Michels
A Rombo explora a robustez estrutural do alumínio com uma linguagem gráfica precisa. Os tubos metálicos de seção quadrada envolvem assento e encosto como um contorno arquitetônico, criando uma cadeira de forte presença visual, pensada para durabilidade, conforto e uso contínuo.

Carson - Sebastian Herkner
Carson responde à dissolução do posto fixo de trabalho. A mesa lateral integra carregamento USB e tampo ajustável em uma estrutura compacta e funcional, desenhada para acompanhar rotinas mais móveis, informais e flexíveis, tanto em ambientes corporativos quanto residenciais.

Joel Meyerowitz revisita Giorgio Morandi

AAos 88 anos, Joel Meyerowitz revisita novamente Giorgio Morandi. Desta vez, por meio da nova edição de Morandi’s Objects: The Complete Archive of Casa Morandi, lançada no mês passado pela editora italiana Damiani. Um dos nomes centrais da fotografia de rua americana e pioneiro no uso da cor como linguagem artística, Meyerowitz entrou no ateliê preservado de Morandi, na Via Fondazza 36, em Bolonha, e fotografou os objetos que acompanharam décadas de trabalho do pintor italiano: vasos, garrafas, conchas, latas e recipientes simples, muitos deles alterados pelo próprio artista. A nova edição amplia o trabalho publicado originalmente em 2015 e reúne mais de 260 objetos fotografados sob a mesma luz e sobre as mesmas superfícies onde Morandi construiu parte essencial de sua obra. Morandi, que viveu quase toda a vida em Bolonha, fez da repetição uma forma de precisão. Não buscava variedade temática. Reordenava um repertório restrito de garrafas, vasos, tigelas e caixas até que pequenas mudanças de distância, escala, luz e intervalo produzissem outra percepção. O pintor italiano Giorgio de Chirico - fundador da chamada pintura metafísica e precursor do surrealismo - descreveu essa operação como uma “metafísica dos objetos mais comuns”. É por isso que sua influência segue atravessando o design. Não como referência literal, mas como gramática: a paleta baixa, a simplificação das formas, a importância do vazio entre os objetos e a tensão entre presença e silêncio. Giorgio Armani, ao citar Morandi entre suas referências, destacou justamente sua capacidade de trabalhar com poucos elementos, modulações sutis e uma estética alheia às distrações do momento. O livro de Meyerowitz torna visível essa lição. Antes da imagem final, havia uma inteligência de posição, luz, escala e permanência. Morandi interessa ao design porque entendeu algo que o presente frequentemente esquece: objetos não ganham valor pelo excesso de forma, mas pela precisão da relação que constroem com o espaço, o tempo e o olhar.

Dados não são leitura

Durante anos, as redes sociais foram tratadas como território de marketing. Um espaço para campanhas, linguagem, alcance e métricas de performance. Mas talvez a mudança mais relevante hoje esteja acontecendo em outra camada. Um relatório recente da Sprout Social revelou uma contradição significativa: embora 93% dos profissionais considerem a coleta de dados de mídias sociais importante para o crescimento dos negócios, apenas 36% utilizam essas informações para orientar decisões fora do departamento de marketing. Na prática, isso significa que uma quantidade imensa de sinais sobre comportamento, percepção, desejo, rejeição e mudança cultural continua restrita às equipes de social media. Mas talvez o problema não seja apenas esse. A consultoria global de gestão McKinsey & Company já descreveu as redes sociais como uma espécie de maior grupo focal contínuo do mundo - um ambiente capaz de revelar necessidades emergentes, mudanças de percepção e comportamentos em tempo real. Ainda assim, existe uma diferença importante entre acesso a sinais e capacidade de interpretação. Redes sociais não entregam estratégia pronta. Entregam fragmentos de comportamento. E talvez seja justamente aí que muitas empresas ainda travam. Durante anos, boa parte das organizações enxergou social media apenas como distribuição. Agora, algumas começam a cometer o erro oposto: acreditar que volume de dados, sozinho, produz inteligência. Não produz. A pesquisa da Sprout mostra que 86% das empresas já perderam oportunidades por atraso ou isolamento dessas informações dentro das estruturas internas. Mas o excesso de informação também cria outro problema: a falsa sensação de compreensão. Porque comportamento não se lê apenas por métricas. Muitas vezes, o que emerge das redes são sinais difusos: fadiga estética, desgaste de linguagem, mudança de desejo, rejeição silenciosa, saturação visual, alteração de percepção coletiva. Elementos que dificilmente aparecem de forma organizada em dashboards. Isso exige interpretação. Repertório. Contexto. Talvez estejamos entrando em um momento em que a vantagem competitiva não estará mais apenas em acessar dados em tempo real. Mas em conseguir distinguir ruído de transformação cultural. A questão talvez já não seja quem coleta informação. Mas quem realmente consegue compreendê-la.

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- Para ficar de olho: a Galeries Lafayette fecha em 27 de maio sua flagship em Pequim, aberta em 2013 como símbolo da expansão do luxo europeu na China. O movimento não é isolado. Em meio à desaceleração do consumo de luxo, queda de fluxo nas lojas físicas e mudança nos hábitos de compra, grupos internacionais começam a rever tamanho, formato e até a função do varejo físico no mercado chinês. Talvez estejamos vendo o encerramento de um ciclo que parecia inevitável há pouco mais de uma década.

- Um movimento começa a ganhar escala: o luxo deixa de apenas patrocinar a arte e passa a operar cada vez mais como infraestrutura cultural. A Frick Collection anunciou um acordo de três anos com a Louis Vuitton, envolvendo exposições, programação cultural, um cargo de curadoria e entrada gratuita em noites selecionadas do museu. O gesto amplia uma estratégia que a marca francesa já vem consolidando globalmente por meio da Fondation Louis Vuitton e de sua presença crescente em instituições culturais internacionais. Mais do que visibilidade, o que está em jogo é linguagem, legitimidade e permanência simbólica.

- Atenção ao novo circuito do valor: a Christie’s acaba de transformar um leilão em narrativa cinematográfica. Para promover Danaïde (1913), escultura de Constantin Brancusi estimada em até US$ 100 milhões e pertencente à coleção do magnata da mídia S.I. Newhouse, a casa lançou um filme estrelado por Nicole Kidman. No vídeo, a atriz atravessa a sede da Christie’s no Rockefeller Center até encontrar a obra, em uma sala privada, posicionada em um pedestal atrás de uma parede de cortinas brancas. Mais do que vender uma escultura, o gesto mostra como o mercado de arte se aproxima cada vez mais da lógica do entretenimento, da moda e da construção de imaginário cultural.

- O design entra definitivamente na lógica do colecionismo: Jeff Koons acaba de ampliar sua parceria com a Lexon a partir de uma nova edição cromática do icônico Balloon Dog. A coleção transforma a escultura em luminária e speaker em cores translúcidas limitadas, acompanhadas por certificado de autenticidade e lógica típica do mercado de arte. Mais do que um produto, o movimento mostra como design, arte e colecionismo passam a operar no mesmo território de desejo, raridade e validação cultural.

- O som também começa a ganhar corpo: em A Billion Solitary Universes, Qiuwen Lyu transforma memória sonora em objeto material. A obra reinterpreta o legado do Golden Record da NASA em um disco metálico reflexivo, reunindo registros pessoais e históricos como vestígio permanente. O interesse está menos na nostalgia do arquivo e mais na pergunta que ele abre: como preservar presença, comunicação e memória em um tempo de ruído contínuo?

- A perfeição talvez tenha se tornado uma nova forma de ansiedade atual: em Nápoles, a exposição A Nice Derangement of Epitaphs reúne pinturas, esculturas, trabalhos digitais e gravuras para refletir sobre a obsessão atual por perfeição, desempenho e controle. O título, emprestado de Alice no País das Maravilhas, parte de um paradoxo: como um colapso pode ser “benéfico”? A mostra observa justamente uma geração suspensa entre infinitas possibilidades aparentes e a crescente impossibilidade de alcançar estabilidade real.

- Quando engenharia vira patrimônio cultural: a Audi recriou o Auto Union Lucca, carro de recorde de 1935 que atingiu 326,975 km/h em uma estrada próxima à cidade italiana de Lucca. Reconstruído ao longo de mais de três anos a partir de fotos e documentos históricos, o modelo mostra como design, velocidade e memória industrial também entram na disputa atual por raridade, desejo e valor simbólico.

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Casaornella - onde o espaço deixa de ser cenário

Entre os projetos que visitei em Milão este ano, Casaornella foi um dos poucos momentos em que a experiência ultrapassou o projeto. Casaornella parte de um briefing pouco usual. Uma mulher rica, após um momento de ruptura, entende que precisa reorganizar a própria vida e decide fazer isso através do design. É desse ponto que Maria Vittoria Paggini, incluída na Forbes Top 100 Women Italia, constrói a edição de 2026, Animale Sociale: Nessuno mi può giudicare (Animal social: ninguém pode me julgar). A Casaornella se apresenta como um projeto expositivo que redefine a forma de utilizar o espaço doméstico. Mais do que um apartamento, funciona como um ambiente onde marcas, arquitetos e designers se articulam, e onde os produtos deixam de ser exibidos para operar como parte de uma narrativa contínua. Quando cheguei, o espaço já havia encerrado, o que em Milão raramente se reverte. Ainda assim, um pequeno grupo foi recebido. A entrada acontece com calma, como se o percurso precisasse ser preparado. Antes de entrar, a porta do apartamento permanece fechada. Um representante apresenta a história e o conceito. A experiência começa ali. Ao entrar, um cantor com violão e uma cantora interpretam músicas italianas ao vivo. O efeito é imediato. O espaço ganha ritmo, memória, densidade. As pessoas não circulam com pressa. Param.

O apartamento se organiza como um espaço contínuo, sem portas. Ambientes se conectam por grandes aberturas. Cortinas e mudanças sutis de material definem limites. A circulação é livre, mas não irrestrita. A casa funciona como um organismo transitável. A cozinha, desenvolvida sob medida pela Turati Cucine, ocupa um papel central. Uma grande despensa-armário espelhada, superfícies retroiluminadas e azulejos coloridos constroem um jogo constante entre reflexo e profundidade. O que se vê nunca é direto. Superfícies refletem, filtram, devolvem.

O mobiliário entra nessa construção. Na colaboração com Fratelli Boffi, a mesa Alberto, desenhada por Paggini, organiza o espaço a partir da superfície. O tampo octogonal alongado trabalha com marchetaria em padrão quadriculado, combinando madeira e vidro espelhado laranja, que fragmenta a luz e altera a leitura conforme o movimento. As outras peças seguem a mesma lógica. Não aparecem como elementos isolados, mas como partes de um sistema onde matéria, técnica e imagem operam juntas.

Casaornella não se apresenta como showroom. É um apartamento que constrói uma narrativa a partir de um estado inicial e conduz o visitante por ela. Você não percorre o espaço para ver. Permanece para entender. E, por alguns minutos, ninguém parece com pressa de sair.

Gwenael Nicolas - nada é aleatório

Gwenael Nicolas não é um nome amplamente reconhecido, mas o seu trabalho é. Arquiteto e designer francês, à frente do estúdio Curiosity, com base em Tóquio, construiu uma prática que atravessa hospitalidade e varejo. No Mandarin Oriental (Mayfair, Londres), essa lógica aparece na construção da experiência. No varejo, se desdobra em marcas como Coach, Fendi e Tod’s. Projetos recentes, como a Rolex Ginza, deixam isso ainda mais claro: espaços onde nada é aleatório, do fluxo ao comportamento, da percepção ao tempo. Ainda assim, sua autoria raramente ocupa o centro da narrativa. O que circula são as imagens. E é exatamente aí que seu pensamento ganha relevância. Ele não desenha apenas espaços. Estrutura sistemas onde produto, ambiente e comportamento operam com coerência. Seu trabalho desloca o foco para aquilo que sustenta valor. E isso importa agora. O varejo oscila entre excesso de imagem e perda de direção, muitas vezes apoiado mais em styling do que em estrutura. O trabalho de Nicolas aponta para outra lógica: menos expressão, menos cenário, para aumentar a leitura.

1. Se o varejo há muito opera além da transação, o que mudou fundamentalmente na forma como o valor é construído nos últimos anos? Hoje, qual é a hierarquia entre produto, espaço e experiência?

No fim do dia, se a transação não acontece, então, independentemente do espaço ou da experiência, tudo se torna irrelevante. Frequentemente apresentamos a “conversa” como se pudesse substituir essa realidade, mas isso ignora uma verdade fundamental: o verdadeiro protagonista é o produto. A mudança, portanto, não deveria ser sair de um foco no cliente, mas passar a focar de fato no produto. Quantas lojas existem em que você mal consegue ver o produto, ou em que a oferta é confusa? Pegue a Aesop como exemplo. Podemos falar indefinidamente sobre a beleza dos projetos das lojas, mas o que realmente importa é a disciplina por trás disso - a precisão e a consistência na apresentação. Cada detalhe é controlado globalmente, do caneta preta ao caderno preto, e até às duas embalagens posicionadas do lado de fora para teste. Em um mundo internacionalizado, as diferenças na primeira impressão podem ser pequenas, mas, após poucos segundos, você sente que está em um território familiar. Essa consistência reforça a clareza - e, no fim, sustenta a transação.

2. O declínio dos formatos tradicionais de varejo está mais ligado a fatores operacionais - ou também revela um limite do design como agente de relevância, ou até um uso equivocado do próprio design?

Design - que é criação - deveria responder a perguntas que ainda nem foram feitas. O que vemos hoje não é o limite do design, mas o limite de como ele é compreendido. O design foi reduzido a uma função de serviço - uma ferramenta para resolver problemas - quando deveria definir oportunidades e criar possibilidades inteiramente novas. O design entra tarde demais, com frequência demais, e pelos motivos errados. Na estratégia de varejo, raramente é o ponto de partida - quase nunca o motor. Quando você começa pelo “problema a resolver”, já está perdendo. Você sai de -10 para 0 e celebra isso como progresso. Mas zero não é visão. Zero é apenas contenção de dano. O design real não corrige - ele reformula. Ele abre. Ele questiona o próprio briefing. Por meio de diálogo aberto e confronto de ideias, revela potenciais que nunca haviam sido considerados.

3. Em um contexto marcado pela aceleração da imagem e por uma cultura do efêmero, como projetar espaços que mantenham relevância ao longo do tempo - sem depender apenas do impacto imediato?

A relevância do mundo físico é maior do que nunca. Ainda somos humanos - com seis sentidos - e a maioria deles ficou adormecida por tempo demais. É hora de despertá-los. O mundo digital pode aprender com o físico: o poder da imagem, da velocidade, da atenção, da cor, do gráfico, da música, do ritmo, da hierarquia.
Mas o espaço adiciona algo a mais - tempo e controle. O ritmo de um espaço estreito que de repente se expande cria curiosidade e expectativa - algo que nenhuma tela consegue realmente reproduzir. Um espaço pode até se tornar viciante. Falamos frequentemente de controle mental nos ambientes digitais. Mas um espaço bem projetado faz exatamente o mesmo. Não se trata de liberdade - trata-se da precisão no controle emocional. Um bailarino no palco não é livre. Cada movimento é coreografado. O design de varejo é coreografia.

4. Qual é hoje a função principal do espaço físico no varejo? O que ele precisa oferecer para se manter relevante em um sistema cada vez mais mediado por plataformas digitais?

Estamos entrando em um mundo dual: de um lado, o commodity; do outro, o varejo emocional. Cada um exige sua própria estratégia. No Japão, há uma loja chamada Kaldi que vende alimentos - mas, mais do que isso, cria uma experiência. Parece um labirinto. Você entra para comprar mostarda e sai com a geladeira cheia. Isso não é acidental. É o resultado de uma dinâmica de varejo profundamente compreendida - um domínio intuitivo de atenção, fluxo e comportamento. Esse tipo de experiência não pode ser substituído pelo digital. Por outro lado, podemos imaginar um modelo de varejo completamente diferente - baseado em interfaces digitais e impacto visual. Para a HI PANDA, uma marca de streetwear, projetamos em Tóquio uma loja “ghost house”, onde personagens e produtos aparecem por meio de IA e realidade aumentada. Outra lógica. Outra energia. Tão envolvente quanto - mas de uma forma completamente nova.

Como mostrar o produto - três posições em Milão

Nesta edição do Salone del Mobile e do Fuorisalone 2026, me vi menos interessada no que estava sendo apresentado - e mais em como. O que emerge não é exatamente uma nova linguagem, mas uma revisão na forma de expor. B&B Italia, Moooi e Kartell operam de maneiras distintas sobre a mesma questão: como dar visibilidade ao produto.

B&B Italia - retirar a mediação

O retorno da B&B Italia ao Salone del Mobile, após 25 anos, coincide com seus 60 anos. Mas o gesto mais relevante aqui não é comemorativo - é estrutural. A operação não se concentra apenas no pavilhão. Na cidade, o showroom da Via Durini apresenta Before & Beyond, uma leitura da marca a partir de seus próprios arquivos. No Salone, o estande, assinado por Formafantasma, parte de uma decisão clara: não construir ambientes. Não há salas montadas. Não há cenas de uso. Não há objetos decorativos para mediar a leitura. O espaço é arquitetônico. Um teto em caixotões filtra a luz zenital, criando uma iluminação difusa. Divisórias em mármore organizam o percurso - definem ritmo sem enclausurar. Madeira, pedra e fibra aparecem de forma direta, sem acabamento cenográfico. As peças são distribuídas com distância suficiente para serem lidas individualmente. A coleção reúne novos projetos de Ronan Bouroullec, Jasper Morrison, Vincent Van Duysen, Antonio Citterio e Michael Anastassiades, ao lado de reedições como a poltrona Nena, de Richard Sapper, e a cadeira Catilina, de Luigi Caccia Dominioni. Aqui, não há narrativa que conduza o olhar. Ou melhor: há uma - mas ela está na ausência. Sem ambiente, sem encenação, sem mediação. O produto é apresentado como projeto.

Moooi - editar para reapresentar

A Moooi retoma o conceito Moooi Weer, expressão em holandês que significa “bonito novamente”, associada à ideia de renovação e reinterpretação. É a partir desse princípio que se constrói o projeto Moooi Editions, desenvolvido em parceria com a curadora de tendências Lidewij Edelkoort. A marca aplica a cor Tin Age sobre peças icônicas e sobre o próprio espaço expositivo. Aplicada como pintura, recobre objetos existentes, de peças vintage a designs já conhecidos da Moooi, alterando sua leitura sem modificar sua estrutura. Trata-se de um tom metálico acinzentado, próximo ao estanho, com baixa saturação e pouca variação cromática. Ao unificar superfícies distintas sob a mesma cor, reduz contraste e suspende a identificação imediata de materiais e acabamentos. A operação não cria novos produtos. Reapresenta os existentes. Em paralelo, na zona de Tortona, a marca celebrou seus 25 anos com uma instalação que reunia 25 gigantografias de designers que marcaram sua trajetória. Imagens em grande escala ocupavam o espaço como um arquivo expandido. Os colaboradores aparecem como parte de uma construção coletiva ao longo do tempo. Aqui, o produto não é mostrado isoladamente nem em uso. É recontextualizado por edição e por memória.

Kartell - construir o uso

Na Kartell, a lógica se inverte mais uma vez. Não isolar. Não editar. Integrar. Le Stanze di Kartell, dirigido por Ferruccio Laviani, organiza o espaço como uma sequência de ambientes domésticos - entrada, sala, jantar, escritório, quarto. Mas não se trata apenas de ambientação. O espaço incorpora imagens tridimensionais e tapeçarias que representam cenas do cotidiano. Superfícies verticais funcionam como planos narrativos, ampliando a profundidade e enquadrando os produtos. Essas imagens não decoram. Constroem. O visitante percorre ambientes onde os objetos aparecem em situação: sofás em áreas de convivência, mesas organizando refeições, luz definindo atmosfera. A leitura acontece em dois níveis: a cena - e o uso. Os produtos não são destacados individualmente nessas cenas. Ganham leitura na relação com o ambiente e com as imagens. Ainda assim, cada peça sustenta a cena de forma única. Aqui, o produto não se afirma sozinho. Ele depende do sistema.

Sem exagero, sem acúmulo. Peças que, entre tantas apresentadas em Milão, se sustentam por aquilo que são - matéria, construção e ideia. Entram aqui não como tendência, mas como permanência.

Beosound Haven - Bang & Olufsen x Antolini®
Sistema de som outdoor que integra acústica e pedra natural. A estrutura em material mineral não envolve o som - o distribui no espaço. Um objeto que trata o áudio como parte da arquitetura, não como acessório.

Corolle - Noé Duchaufour-Lawrance x Dior
Luminárias em vidro soprado que reinterpretam a silhueta do New Look de 1947. Estrutura em bambu trançado e luz filtrada em tons da maison. A peça não ilumina apenas - projeta a própria luz como matéria.

Nena - Richard Sapper x B&B Italia
Reedição da poltrona dobrável de 1984. Estrutura tubular em alumínio, leve e precisa, com articulações visíveis. Um exercício de engenharia aplicada ao uso cotidiano, onde mobilidade e construção se equilibram.

Gavetas Refrigeradas - Abimis
Sistema de conservação que traz a lógica profissional para a cozinha doméstica. Em aço inox AISI 304, organiza alimentos por módulos Gastronorm, com controle de temperatura e higiene. Não é eletrodoméstico. É infraestrutura.

O som como infraestrutura - quando o invisível organiza o espaço

Nesta edição do Fuorisalone 2026, o modo de trabalhar o som indicou uma mudança na forma de construir o espaço. Não apenas pelo que foi apresentado, mas por como foi incorporado. O som deixa de operar como suporte. Passa a organizar experiência, percurso e permanência. Esse movimento aparece em diferentes escalas. Em propostas de mobiliário, o som surge integrado à própria estrutura. Sistemas modulares passam a incorporar alto-falantes diretamente nas peças, como nas composições em alumínio da Stack Furniture, onde armazenamento e emissão sonora deixam de ser elementos separados. O áudio não é adicionado ao espaço. Parte dele.

Em outra direção, a Visionnaire constrói uma operação mais imersiva. Na instalação Déjà-Vu, apresentada durante a semana, o som organiza o ambiente e define a experiência de permanência. O projeto marca também a reedição de peças da marca, inseridas em um espaço concebido como sala de escuta. As poltronas são apresentadas não como objetos isolados, mas como parte de um ambiente contínuo, onde o áudio atua como elemento central de construção. Não há trilha sonora no sentido convencional. O som estrutura a atmosfera, ativa memória e orienta a percepção. O visitante não apenas vê o espaço. É conduzido por ele. A instalação articula objeto, ambiente e som em um mesmo sistema. O que antes funcionava como camada complementar passa a operar como base. O que se estabelece em Milão não é o som como efeito. É o som como infraestrutura.

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Mais de 1.300 eventos espalhados por Milão. Nem todos relevantes. Entre excesso e repetição, alguns projetos deixam ver com mais clareza o que está em jogo: design como construção de ambiente, tecnologia como linguagem e matéria como posicionamento. Abaixo, recortes que ajudam a ler o momento.

- Maxdesign x Stefan Diez - conforto como lógica
A marca ítalo-brasileira Maxdesign, do FK Grupo, esteve entre os lançamentos de mobiliário para escritório apresentados em Milão. Assinada pelo designer alemão Stefan Diez, a linha Triangolo parte de uma operação simples: reduzir o assento estofado à sua lógica estrutural. A coleção de poltronas combina geometrias precisas, possibilidades de personalização em tecidos, cores e acabamentos, propondo uma leitura de conforto menos associada ao excesso. “Triangolo propõe o conforto como consequência da lógica”, disse Diez para a coluna.

- Issey Miyake x Ensamble Studio - The Paper Log House
A proposta parte de um material simples - papel - para construir estrutura. Desenvolvido com Ensamble Studio, o sistema utiliza “logs” de papel comprimido como elementos arquitetônicos. Não é exercício formal. É uma resposta direta a circularidade, desmontagem e reuso, onde material define lógica construtiva.

- Nilufar Grand Hotel - curadoria como cenário
Sob direção de Nina Yashar, o Nilufar Depot se transforma em um hotel imaginário. Ambientes como lobby, quartos e fumoir organizam peças vintage e contemporâneas como narrativa. O collectible design deixa de ser objeto isolado e passa a estruturar hospitalidade como experiência.

- Rubelli x Ai Weiwei - seda como linguagem política
Na colaboração com Ai Weiwei, a seda deixa de ser apenas material têxtil. Passa a carregar discurso. A tradição veneziana é atravessada por questões contemporâneas - produção, memória e controle - transformando superfície em meio de expressão.

- Gucci - memória como construção de marca
Na instalação Memoria, a Gucci trabalha arquivo como linguagem. Sob direção de Demna, o passado não aparece como referência estética, mas como estrutura narrativa. O espaço organiza identidade a partir de camadas, reforçando memória como ativo estratégico.

- Dilmos - Mimesis como princípio
A exposição Mimesis, com Onno Adriaanse e Valeria Vaccaro, parte da natureza como sistema. Objetos não representam - operam como organismos. Madeira, vidro e mármore são trabalhados como matéria viva, criando peças que evoluem a partir de lógica orgânica.

- Louis Vuitton - arquivo como construção espacial
A Louis Vuitton retoma os Objets Nomades a partir do próprio arquivo, reeditando mobiliário Art Déco dos anos 1920 de Pierre Legrain, incluindo a penteadeira “Celeste”. Instalada no Palazzo Serbelloni, a exposição ocupa o pátio central com uma estrutura modular inspirada em padrões de encadernação da maison, transformada em instalação caminhável. Painéis verticais e planos contínuos definem o percurso e organizam a apresentação das peças. Baús de acervo aparecem ao lado de criações de Raw Edges e do Estudio Campana, articulando coleção e produção atual sem separação cronológica.

- Nike - performance como espaço
No Air Lab, em Dropcity, a Nike cria um ambiente de teste voltado à cultura Air. O espaço reúne protótipos, arquivos e processos ligados ao desenvolvimento de amortecimento. Estruturas infláveis, superfícies técnicas e áreas de experimentação permitem testar materiais, impacto e movimento. Não há cenário. O visitante percorre um espaço de validação, onde produto, corpo e engenharia são expostos em uso.

- Kettal - o legado como sistema
A Kettal apresenta o Eames House Pavilion, uma estrutura inspirada na Case Study House #8, de Charles e Ray Eames. Não se trata da casa, mas de um pavilhão que traduz seus princípios: leveza estrutural, modularidade e relação direta com o exterior. Mobiliário e arquitetura operam juntos. O projeto não replica. Atualiza um modelo moderno como sistema aberto.

- Delvis (Un)Limited - fragilidade como potência
Na exposição The Romance of Fragility, com curadoria de Valentina Ciuffi, o vidro deixa de ser tratado como material delicado para ser lido como condição. Peças de designers como Serim Kwack e Johan Pertl exploram tensão, peso e equilíbrio, submetendo o vidro a compressão, fissura e combinação com metal. A fragilidade não aparece como limite, mas como estado ativo - algo que reage, expõe e transforma o objeto em narrativa.

- Karpeta x Gianpaolo Venier - superfície como campo
Na colaboração com Gianpaolo Venier, do OTTO Studio, a Karpeta apresenta as coleções Texturae e Tessura como um sistema contínuo entre têxtil, superfície e espaço. Tapetes deixam de operar como peças isoladas e passam a organizar o ambiente por cor, densidade e repetição. A instalação constrói um campo sensorial onde matéria e desenho definem a experiência.

- A.I.R. - movimento como direito
A instalação A.I.R. cria uma jornada imersiva sobre a miastenia, doença autoimune rara que causa fraqueza muscular e fadiga extrema. No centro, Air Table, de Daniel Wurtzel, usa ar, luz e movimento para transformar limite físico em imagem. A experiência traduz uma mensagem direta: mover-se é viver sem barreiras.

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Milão 2026 - uma leitura direta

Minha leitura não começa este ano.

Frequento Milão há 15 anos. Há quase uma década, após cada Milan Design Week, leio a cidade e os releases com atenção às entrelinhas. O sinal que se repete é claro: uma dificuldade crescente das grandes marcas, sobretudo as italianas clássicas, em responder a uma pergunta central - qual é o futuro das residências? Essa dificuldade não é recente. Agora, ficou evidente. O design não está sem produção. Está sem direção. Falta estratégia clara. Falta leitura de mercado. Falta entendimento das mudanças em curso.

Tudo isso sob pressão. Existe pressão comercial. Existe urgência por visibilidade. E, principalmente, resistência em encarar mudanças mais profundas. No fundo, há medo de ruptura. O que se vê é um esforço contínuo para manter o status quo e preservar o domínio da narrativa. Um modelo que se sustenta mais por controle do discurso do que por clareza de direção. Quase uma lógica feudal.

Enquanto isso, o mundo muda. Mudam as dinâmicas geopolíticas. Mudam os fluxos econômicos. Mudam os comportamentos de consumo. Muda a forma como se vive o espaço doméstico. E o design para o habitar ainda não respondeu a isso de forma consistente, no Salone e no Fuorisalone. Diante desse cenário, uma estratégia se consolidou: elevar a qualidade dos produtos a um nível extremo, com excelência material e construtiva, direcionando para um público ultra-rico, com multimilionários e milionários sustentando o sistema. É uma resposta objetiva. Mas também uma saída fácil, e talvez certeira para as grifes de luxo.

O problema é que não resolve a questão central do design para todos. Apenas desloca o problema. As marcas produzem para um público extremamente restrito, mas mantêm, durante a Semana de Design de Milão, uma comunicação voltada para a massa. O problema não é democratização. É falta de foco. Essa incoerência se repete ano após ano. E aparece no público. O que vi foi um público amplo, pouco preparado, mais interessado em circulação, brindes e registro do que em leitura de projeto. Há exceções. Em contextos mais controlados, existe outra dinâmica: networking, negócio, projeto. Mas são recortes. Não definem o todo.

No geral, há um deslocamento claro: menos produto, mais contexto. Muitas reedições, alguns lançamentos relevantes, ainda capazes de emocionar, e pouco produto realmente consistente. Para o nível de investimento necessário para estar em Milão, era razoável esperar mais. Não é uma questão de volume. É uma questão de critério. O que leva a uma dúvida inevitável:

precisamos de mais produtos?
Ou precisamos de decisões mais claras?

Essa pergunta ganha peso no contexto atual. As exportações italianas de mobiliário caíram 13,1% em janeiro de 2026. Estados Unidos, menos 28,5%. China, menos 46,6%. Alemanha, menos 18,4%. O mercado interno resiste. O externo recua. Esse cenário exige foco.

Aqui está o ponto crítico: não há mais espaço para tentar atender todos ao mesmo tempo. Definição de target deixa de ser estratégia e passa a ser condição de sobrevivência. Não é mais possível agradar gregos e troianos. As decisões precisam ser mais duras. E, para alguns, inevitavelmente excludentes. Esse risco já vinha sendo sinalizado. Em julho do ano passado, em conversa com o designer italiano Ferruccio Laviani, um alerta já aparecia: “O Fuorisalone corre o risco de se tornar um circo, quando antes era o espaço da inovação verdadeira. A feira, por outro lado, permanece como o lugar onde ainda se pode falar seriamente sobre design, produção e oportunidade real. O Fuorisalone só existe porque existe a feira. Se essa base enfraquece, toda a estrutura perde sustentação.”

Tenho clareza do diagnóstico. Ainda não tenho uma resposta definitiva. Não por ausência de leitura. Mas por falta de tempo para estruturar esse pensamento com a profundidade que ele exige. Para quem trabalha com marca e comportamento, isso não é trivial. Exige análise. Observação. Dados mais consistentes. A pressão por imagem reduz esse tempo. E, sem tempo, a qualidade das decisões se perde.

Por isso, um ponto precisa ser dito com clareza: quando o objeto não encontra mercado, ele se desloca para a narrativa. Milão continua sendo central. Mas centralidade não resolve direção. O sistema ainda funciona. Mas funciona tentando preservar o que já foi construído. O problema não é falta de competência. É falta de posicionamento diante do que está mudando. Convém lembrar: não existem mapas antigos para territórios novos.

Se o sistema mostra sinais de esgotamento, a questão passa a ser outra: onde ainda se constrói sentido. É nesse ponto que algumas práticas escapam da lógica do produto e operam em outra escala.

Matteo Cibic - quando o objeto constrói um universo

Em Milão, este ano, Matteo Cibic me recebeu com um gesto simples: serviu o café da manhã durante o lançamento de sua nova coleção no Hotel Senato Milano. Mais do que um designer reconhecido, encontrei alguém que opera com outra lógica, onde atenção ao outro e ao detalhe não são periféricos, mas parte do pensamento criativo. Nascido em Parma, em 1983, Cibic construiu uma trajetória entre arte, design e direção criativa, entre indústria e artesanato, memória e imaginação. Seus objetos, muitas vezes antropomórficos, híbridos e irreverentes, não buscam apenas função: constroem linguagem. É aí que seu trabalho ganha força - quando o objeto deixa de ser produto e passa a estruturar um universo. Há aqui uma conversa que ainda pede mais alcance, quase um alto-falante

1. Quando um objeto deixa de operar como produto e passa a estruturar um universo?
O objeto continua sendo um objeto. É sua posição no espaço e as relações que gera que o tornam produto ou universo. Um “objeto-universo” existe em um tempo suspenso, como se sempre estivesse ali, sem passado ou futuro definidos. Não busca eficiência; cria significado. O que muda é a consciência do tempo. Se o tempo é a moeda mais valiosa, a atenção se torna medida de cuidado. Um objeto que estrutura um universo sustenta, convida, desacelera e acumula tempo. Jeremy Rifkin, em Time Wars (1984), torna isso visível: o valor de uma pessoa pode ser medido pelo tempo que lhe dedicamos, mesmo na ausência. Nos anos 1930, empresas nos EUA concediam duas semanas de licença por luto; hoje, muitas vezes, apenas um dia. Essa compressão revela o que valorizamos. Passei a olhar de forma diferente culturas onde o tempo é expandido, como na Índia, onde casamentos duram dias. Ali, o tempo não é otimizado; é habitado. Nossos ambientes, ao contrário, estão cada vez mais vazios dessa profundidade: casas sem bibliotecas, vestígios ou objetos com memória. Menos elementos que atuem como sinapses - conectando momentos, emoções, relações. Um objeto se torna universo quando sustenta essas conexões, quando deixa de ser apenas usado e passa a ser vivido.

2. Como você constrói valor quando o objeto deixa de depender da lógica tradicional de produto?

O valor começa com o tempo e com as memórias: o tempo de criação e as experiências incorporadas. Objetos são como sinapses de uma trajetória. Posso rastrear suas origens: um detalhe de arquitetura no Brasil, uma cor na Índia, um almoço com um artesão, dias em uma biblioteca com um amigo. Cada objeto é uma galáxia dessas conexões. Esse é o valor real. São como sinapses sólidas: pontos onde memórias, referências e processos se encontram. Essa rede - pessoal e cultural - é onde reside o valor. Há também a energia do fazer: tempo de produção, uma poética que surge da repetição. A combinação entre pesquisa intelectual, técnica e alto nível de artesania torna um objeto especial. Alguns são apreciados por comunidades pequenas; outros alcançam públicos amplos. Uma poética refinada pode se tornar popular, permitindo leituras em diferentes escalas.

3. A gentileza pode se tornar uma força estrutural no design?

Ela já foi, em parte. Esteve no centro de manifestos que moldaram décadas: inclusão, cuidado, curiosidade diante da diferença. Não eram escolhas estéticas, mas formas de estruturar relações. Hoje, essa sensibilidade parece fora de moda, substituída por eficiência, segurança e extração - um futuro de otimização e lucro apresentado como inevitável. Mas gentileza não é estilo ou suavidade superficial. É uma forma de estar e de organizar o mundo, próxima ao wabi-sabi: atenção ao tempo, à imperfeição, à transformação. Objetos não são congelados, mas evoluem - marcados pelo uso, cuidado e envelhecimento. O valor não se perde; se revela. Isso contrasta com culturas dominantes do design, como a tradição italiana, onde perfeição e controle são objetivos finais. O mito do objeto impecável gera coisas que não envelhecem bem: o primeiro risco vira falha, não história. Adotar a gentileza de forma estrutural exigiria mudar essa perspectiva: projetar para continuidade, relação e cuidado, não perfeição, performance ou controle. Isso mudaria percepção, comportamento e experiência. Mas é difícil promovê-la hoje justamente por se basear em valores simples - que resistem ao espetáculo e não escalam facilmente em sistemas orientados por visibilidade, velocidade e crescimento. Talvez por isso ela importe.

4. O que ainda não pode ser dito diretamente no design hoje?

“Tudo o que um homem pode sonhar, outro homem pode tornar real.” — Jules Verne. Projetar o futuro é imaginá-lo e torná-lo contagioso. Uma direção se torna real quando outros passam a segui-la: engenheiros, políticos, investidores, instituições. Designers já estiveram mais próximos de filósofos - sonhadores que moldavam não apenas objetos, mas horizontes. Agora, algo muda. O que permanece não dito é que o design já não é o principal motor dessas visões. Os grandes “manifestos do futuro” estão sendo escritos por líderes de inteligência artificial - como Sam Altman, Elon Musk ou Alex Karp - promovendo direções distintas, muitas vezes distópicas. Há uma transição: de design como prática cultural e crítica para instrumento de agendas tecnológicas. O desafio agora não é apenas criar, mas recuperar a capacidade de imaginar e articular futuros alternativos antes que sejam definidos por outros. As maiores visões já não nascem no design, mas onde se constroem as infraestruturas das quais dependemos. Seus manifestos escalam rápido, viajam longe e se consolidam antes de serem questionados. Prometem progresso, mas carregam um subtexto: aceleração sem reflexão, possibilidade sem consentimento. Talvez o que ainda não possa ser dito seja isto: o design está perdendo sua voz na construção do futuro - e, com ela, a capacidade de questionar seus termos. A próxima fase não será definida pelo que podemos fazer, mas pelo que estamos dispostos a nomear.

Essa mudança não se manifesta apenas no discurso. Aparece na forma como certos objetos são construídos - não para impacto imediato, mas para sustentar uma ideia ao longo do tempo.

Desejos em Milão - quando o objeto sustenta uma ideia

Em Milão, o desejo já não nasce da forma isolada, mas da capacidade do objeto sustentar um pensamento. Entre excesso de estímulo e repetição de linguagem, algumas peças se destacam por outro caminho. Não pelo impacto imediato, mas pela forma como organizam matéria, processo e narrativa em um mesmo gesto. São objetos que não buscam apenas presença.
Sustentam uma ideia.

Chandelier - Bethan Laura Wood - Baccarat - Cristal reinterpretado em composição exuberante e gráfica. A peça tensiona tradição e linguagem contemporânea, transformando o chandelier clássico em um sistema visual vibrante, onde cor, luz e repetição constroem presença.

La Volupté - Fadi Yachoui - Atelier L’Inconnu - Escultura em rattan e resina que parte do corpo como estrutura. A cadeira, trançada à mão, explora tensão entre contenção e fluidez, entre gesto e memória. Enraizada em Beirute e desenvolvida em Milão, afirma o fazer artesanal como linguagem ativa, não como referência.

Merge - Inderjeet Sandhu - Delvis (Un)Limited - Castiçais formados por fragmentos incompatíveis de vidro soprado à mão, unidos sem disfarce. Um incorpora parte de uma luva de vidro, sugerindo montagem em trânsito. O desequilíbrio não é falha, é estrutura.

Bent Cane Piece - Maria Tyakina - Shakti Residency / Heirloom Naga Centre - Explora a técnica tradicional de curvar o bambu, mantendo o material em seu estado bruto. A peça valoriza cada etapa do processo: da casca preservada às marcas de queima. Mais do que forma, evidencia o gesto e o tempo do fazer.

Quando esses sinais se repetem, deixam de ser casos isolados. Passam a indicar um movimento mais amplo - percebido por diferentes vozes dentro do próprio sistema.

O que Milão disse sem dizer

A Milan Design Week 2026 não se explica pelo que foi apresentado, mas pelo que ficou implícito. A pergunta foi direta: o que Milão disse sem dizer? As respostas, vindas de arquitetos, designers, jornalistas e empresários que operam no centro do sistema, não apontam para uma direção única. Mas, quando colocadas em relação, deixam claro que algo se deslocou.

Ferruccio Laviani, designer, retoma um ponto já evidente: o Fuorisalone se aproxima de uma “festa de tudo e de nada”, onde multidões circulam sem necessariamente saber o que estão vendo. Ao mesmo tempo, reforça o papel da feira. É no Salone que ainda se pode falar seriamente sobre design, produção e oportunidade real. Sem essa base, o sistema perde sustentação. Márcio Kogan, arquiteto, desloca a leitura para o tempo. “O que dura levou tempo para ser feito.” A permanência passa a ser valor.

É nessa chave que uma leitura se consolida.

Fernanda Marques, arquiteta, observa uma mudança de eixo: “Milão falou baixo, mas foi bem clara”. Para ela, o luxo se afasta do brilho e se afirma na matéria. “O valor não está mais na forma icônica, e sim na profundidade do material.” Há menos espetáculo e mais densidade sensorial. A forma se aproxima do corpo, o moderno se torna mais humano, e o valor migra do objeto-ícone para um sistema mais coerente. “Menos ‘statement’, mais coerência. Menos objeto-ícone, mais sistema de valores.” Natalia Martucci, jornalista, lê o mesmo movimento no comportamento das marcas. Enquanto a cidade seguia tomada por estímulos, algumas operaram na direção oposta. “Instalações mais silenciosas, menos focadas no impacto imediato […] e mais centradas em materialidade, processo, produto e atenção.” Para ela, o sinal mais forte foi um deslocamento de valor: sair da lógica da hiperestimulação para recuperar consistência e intimidade. “No fundo, Milão falou sobre desacelerar e escolher melhor onde colocar a atenção.”

Se essa leitura organiza o campo, outras ajudam a entender o mecanismo.

Murilo Weitz, designer, observa que o foco deixou de estar no produto e passou para sua circulação. “Há um deslocamento do foco no produto para a imagem e a quantidade de pessoas impactadas.” A fila, a ecobag e o visitante passam a operar como mídia. Hélio Bork, empresário, reforça essa percepção ao apontar uma mudança no investimento: as marcas “se concentraram em criar espaços […] ao invés de se concentrar no desenvolvimento de produtos”. Ele chama atenção para um efeito colateral desse movimento. À medida que fábricas de nível médio passam a contratar designers de ponta, há uma diluição de leitura para o consumidor. “Começa a confundir. O consumidor já não entende mais qual é o bom produto - se é Zara Home ou B&B - quando o mesmo designer está por trás de ambos.”

Esse embaralhamento não é pontual. É sintoma. Quando a diferença deixa de ser clara, o valor deixa de ser percebido. E, sem valor, o sistema perde hierarquia. Nesse ambiente, o objeto perde centralidade.

Cinicodesign, designer, radicaliza essa leitura ao afirmar que o design industrial deixa de operar como força dominante, sendo substituído por peças únicas e por uma aproximação com o universo da arte. Nesse processo, a busca pelo futuro se transforma em uma exploração contínua do passado. Regina Galvão, jornalista, observa esse movimento no produto: menos lançamentos e mais reedições, com valorização do que já se provou consistente. Ela amplia a leitura ao apontar uma mudança na geografia do design em Milão. Há uma descentralização do eixo europeu tradicional, com maior presença de outros países. “A gente vê isso com clareza, inclusive em exposições como a do Uzbequistão, da Ásia Central.” Para ela, esse movimento indica uma abertura maior do sistema. “O design em Milão está mais democrático, com mais possibilidades para outros países apresentarem o seu trabalho.”

Ricardo Bello Dias, designer, amplia a leitura para o sistema: há uma internacionalização mais intensa no Salone, com novos players e maior diversidade geográfica. O produto italiano deixa de ocupar o centro absoluto. “Faz parte, mas não como antes.” Ele aponta também para um deslocamento de valor, com as peças únicas ganhando relevância. “O que vimos no Rarità abre um caminho para repensar uma indústria hoje muito massificada e com criatividade mais estreita.”

Márcia Kalil, arquiteta, identifica o mesmo deslocamento por outra via: menos foco em novidade explícita e mais maturação do que já existe, com protagonismo da experiência. João Armentano, arquiteto, traz essa leitura para uma escala mais direta: o que ainda se sustenta está no inusitado, na emoção e na capacidade de criar conexão.

O campo, no entanto, não se fecha.

Gabrielle Chiave, designer, descreve Milão como um “festival cultural de contaminações”, onde diferentes disciplinas coexistem e competem. A energia é evidente, mas dispersa. O espetáculo é fácil de encontrar; o significado, mais raro. Paulo Bacchi, empresário, aproxima essa leitura do comportamento ao destacar o avanço do bem-estar e da qualidade de vida como eixo do design. Fah Maioli, coolhunter, sintetiza: o design não pode mais apenas parecer. Precisa funcionar. Ao mesmo tempo, há leituras que não identificam ruptura.

Arthur Casas, arquiteto, afirma: “Milão não disse nada.” Para ele, não houve lançamentos que indiquem mudança de direção. Esse contraste não enfraquece a leitura. Expõe o momento. Léo Shehtman, arquiteto, aponta para uma mudança mais ampla: compreender o comportamento das pessoas passa a ser central.

O que emerge dessas leituras não é uma resposta. É um estado. Milão não apresentou uma nova direção clara. Mas expôs, com precisão, o momento de transição em que o design se encontra. Entre produto e narrativa. Entre indústria e cultura. Entre passado e futuro. Entre presença e significado. E talvez seja justamente isso que Milão disse sem dizer: não se trata mais de produzir mais. Trata-se de decidir o que ainda faz sentido produzir.

E, para mim, Milão também falou no detalhe - no som das caixas da Transparent Speaker, nas sombras dos tecidos 3D no showroom da Foscarini, no toque da seda Kawashima Selkon Textiles. É nesse nível que a experiência ainda se sustenta.

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Design sem fronteiras - valor com origem

Piloto Milano chega à sua terceira edição ampliando escala - mais designers, mais países, mais visibilidade. Mas o que está em jogo não é expansão. É posicionamento. Instalada na Residenza Vignale, palazzo de 1905 que sintetiza o repertório Liberty milanês, a exposição parte de uma premissa recorrente nesta edição: o design como prática em trânsito. Echoes of Elsewhere reúne mais de 15 designers em torno de uma ideia já difundida - a dissolução de fronteiras -, mas que aqui ganha outra camada: como sustentar autoria em um sistema global cada vez mais uniforme. A Piloto, no entanto, se estrutura a partir de um eixo claro: a valorização do design brasileiro - não como identidade isolada, mas como produção capaz de operar internacionalmente. A maioria dos designers apresentados parte desse contexto, e é a partir dele que a exposição constrói sua presença em Milão. As peças habitam esse intervalo. A função não é protagonista, tampouco a materialidade se impõe como linguagem única. São, em grande parte, exercícios de expressão, nos quais gesto, vivência e pesquisa formal constroem sentido antes da utilidade. “A diversidade sempre será o grande ponto de ebulição do bom design - variam apenas os parâmetros, sempre subjetivos. O design pode nascer de diversas realidades: de uma necessidade, de referências globais, de memória afetiva, de uma travessia - física ou emocional. Essa riqueza é o que garante um ecossistema em constante evolução do morar urbano”, afirma Ricardo Gaioso. Há um esforço de aproximação entre indústria, artesanato e experimentação. Mais do que isso, a mostra evidencia uma questão mais crítica: até que ponto essa liberdade formal ainda se sustenta como diferencial - e não como repertório já absorvido pelo circuito internacional. Com curadoria de Gaioso, o Piloto Milano integra o circuito 5VIE, conhecido pela intensidade visual e por narrativas imersivas. “Um experimento que tem como cenário um palazzo histórico tradicional para elevar peças de diferentes tipologias e estilos em um diálogo convidativo e inesperado”, define o curador. A escolha da Residenza Vignale não é neutra. O contraste entre a arquitetura histórica e a produção contemporânea reforça a leitura da exposição como espaço de sobreposição - de tempos, referências e discursos. Mais do que apresentar nomes, a terceira edição do Piloto Milano funciona como um termômetro. Não do que é novo, mas de como o design hoje negocia sua posição entre origem, circulação e linguagem - entre identidade e sistema.

Se a exposição coloca o design em trânsito, a pergunta que fica é: quem define seu valor?

Adélia Borges: Quem Define o Valor do Design

Adélia Borges não ocupa o centro do palco - mas é uma das responsáveis por construí-lo. Ao longo de décadas, sua atuação como crítica, curadora e pesquisadora ajudou a estruturar a forma como o design brasileiro é compreendido - dentro e fora do país. Não como estilo, mas como expressão de cultura, produção e território. Mineira, foi diretora do Museu da Casa Brasileira e curadora da III Bienal Brasileira de Design (2010). É autora de mais de 15 livros, publicados em diferentes idiomas, e sua atuação atravessa continentes - com palestras em mais de 20 países e participação no comitê consultivo da London Design Biennale. Em 2021, tornou-se a primeira mulher a receber o título de Doutora Honoris Causa pela UNESP. Seu olhar se forma no que é recorrente e muitas vezes invisível: o que se faz com as mãos, o que se transmite no tempo, o que persiste sem ruído - atravessando o moderno e o contemporâneo. Em uma de suas mais recentes curadorias em instituição museológica, no Museu do Ipiranga, a exposição Design e Cotidiano reuniu 930 objetos que revelam o cotidiano de imigrantes no Sul do país entre os séculos XIX e XX. Adélia não apenas dá visibilidade ao design. Ela o posiciona - com precisão. Esta conversa parte dessa trajetória - não como retrospectiva, mas como leitura de um campo em transformação, entre o que já foi legitimado e o que ainda está em disputa. Eu a convidei para esta entrevista porque, em um momento em que o design brasileiro ganha novas camadas de projeção, entender como esse valor é construído - e por quem - deixa de ser contextual. Torna-se estrutural.

1. No cenário global, em que o valor no design é cada vez mais estruturado por escala, tecnologia e circulação internacional, como você avalia o papel do artesanato hoje? Ele pode operar como vetor de inovação com capacidade de expansão ou se configura mais como um campo específico, associado à produção localizada ou ao segmento de luxo?

Acho que o papel do artesanato está se expandindo hoje. Como eu disse no meu livro Design + Artesanato: O caminho brasileiro, durante certo tempo se acreditou que a industrialização iria matar o artesanato, da mesma forma que a globalização iria matar as expressões culturais locais. O avanço da indústria seria inexorável, fazendo desaparecer, à medida de sua penetração, os modos de produção pré-industrial. A “defesa” do artesanato seria, nesse contexto, apenas uma reação de pessoas na contracorrente da história, hostis ao desenvolvimento da humanidade. Os prognósticos de desaparecimento, contudo, não se confirmaram. A valorização recente do feito à mão se lastreia na dimensão simbólica dos objetos, na capacidade que eles têm de aportar ao usuário valores como calor humano, singularidade e pertencimento. Nos países do Hemisfério Norte, essa percepção de valor do feito à mão é muito maior do que aqui, como se pode ver pelo discurso e pelo branding de marcas de luxo como Hermès, Louis Vuitton e Prada. Aqui, essa percepção de valor ainda é limitada. Veja, por exemplo, a reação de consumidores na Loja MASP, onde sou curadora há uma década, em relação a um objeto de madeira feito pela Marchetaria do Acre. Ele é de um esmero absurdo; são muitas e muitas horas de dedicação e aprendizagem para fazer uma caixinha daquelas. Muita gente acha caro demais e não chega sequer a se deter para admirar em detalhes.Observo, contudo, que o caminho do artesanato não é excludente. Precisamos, cada vez mais, incorporar o design nas grandes indústrias.

2. O design moderno brasileiro - especialmente a produção do século XX - mantém uma presença consistente no circuito internacional, com forte reconhecimento crítico e de mercado. Como você interpreta essa permanência? Ela revela uma força estrutural desse período - ou indica um descompasso na projeção do design brasileiro atual no cenário global?

Interpreto essa permanência tanto pela qualidade do design moderno brasileiro como pelo fato mais amplo de que os fluxos culturais, nos últimos anos, têm sido mais multidirecionais. Não estamos todos olhando as famigeradas tendências do circuito Helena Rubinstein - Nova Iorque, Londres, Paris e, no caso do design, Milão -, como no século 20, mas nos abrindo para trocas mais plurais. Isso abriu novas oportunidades para o Sul Global e certamente foi impulsionado por iniciativas do próprio hemisfério sul, inclusive por esse pensamento contra-colonial que hoje, felizmente, está se disseminando. Sobre a projeção do design brasileiro atual no cenário global, acho que está havendo um reconhecimento crescente do nosso borogodó. Veja, por exemplo, o número superlativo de premiações que designers e empresas brasileiras vêm obtendo no prêmio iF Design, de Hanover. O que falta são políticas públicas consistentes de divulgação do design brasileiro no exterior. Eu já dei palestras sobre design brasileiro em 21 países, do Catar à Finlândia ou à Índia, mas só em duas dessas ocasiões fui paga por uma instituição brasileira. Imagine as oportunidades que estamos perdendo por causa de uma atitude não propositiva, e sim apenas reativa! A Itália só chegou aonde chegou por causa de um grande investimento do governo e das empresas em promover a sua imagem no mundo. E, recentemente, temos o exemplo incrível da Coreia do Sul, que se reposicionou no mundo devido ao soft power. De toda forma, cabe lembrar que a Apex tem subvencionado ações importantes nos últimos anos.

3. No contexto brasileiro, que caminhos você considera mais consistentes hoje para a construção de valor no design? Como articular cultura, produção e posicionamento de forma a ampliar a relevância do design brasileiro no sistema global?

Repito o que disse acima. Precisamos de políticas públicas para ampliar a percepção consciente a respeito da relevância do que temos feito por aqui. Internamente, é preciso haver o reconhecimento oficial e social do design como capital intangível, o que depende também da ampliação da participação do design na política estratégica das empresas.

4. No circuito internacional, museus, curadorias e bienais não apenas exibem - definem as narrativas que estruturam o valor no design. Como o design brasileiro tem sido enquadrado por essas instâncias? Ele participa da construção dessas narrativas - ou ainda é majoritariamente interpretado a partir de leituras já estabelecidas?

Talvez seja mais apropriado dizer não que definam, e sim que ecoem as narrativas e, em contrapartida, suscitem novas reflexões, em sintonia com o zeitgeist, o espírito da época. Mas, nesse quesito de museus, curadorias e bienais, vamos mal, né? Não temos mais a Bienal Brasileira de Design, e o Museu da Casa Brasileira foi desativado. Agora o governo de São Paulo está falando em transferi-lo para São José dos Campos. Toda cidade merece um museu como esse. A obra do Rino Levi em São José dos Campos é magnífica. Mas levar o único museu especializado em design e arquitetura que temos no país para fora de São Paulo é uma insensatez!

Da reflexão ao fazer: como essas ideias se traduzem em matéria, processo e produção?

ETEL: Entre Repertório e Experimento

A ETEL apresenta, na Semana de Design de Milão 2026, a coleção Entropia, desenvolvida com o designer argentino Cristián Mohaded. O ponto de partida não está na forma - mas naquilo que normalmente seria descartado. No ateliê da marca, em São Paulo, fragmentos de madeira acumulados ao longo de anos de produção - diferentes espécies, densidades e veios - tornam-se matéria de projeto. Em vez de homogeneizar, o gesto é o oposto: preservar diferenças, amplificá-las e organizá-las como linguagem. O resultado são peças que operam entre objeto e escultura - não pela negação da função, mas pela forma como a incorporam. Há uma tensão entre continuidade e ruptura, em que a composição não esconde contrastes, mas os torna estruturais. Mais do que uma coleção, Entropia explicita um movimento do design atual: a passagem de um modelo baseado em produção contínua para outro mais atento ao que já existe - seja como matéria, memória ou processo. Aqui, o design não se impõe como ordem externa. Ele organiza relações internas. É nesse ponto que o papel da ETEL se torna central. Ao operar a partir de um repertório acumulado - técnico, produtivo e material - a marca desloca o valor do novo para a capacidade de leitura e recomposição. A colaboração com os artesãos não aparece como narrativa, mas como condição. O conhecimento técnico não é etapa - é linguagem. “A ETEL sempre operou a partir de uma terceira via. Não seguimos caminhos já abertos - abrimos os nossos. O encontro com Cristián nasce dessa afinidade: uma capacidade singular de dialogar com o originário e, ao mesmo tempo, com o que há de mais latente no contemporâneo. Ele foi tão ao passado que acabou alcançando o futuro. Mais do que um movimento pontual, isso é continuidade - e reforça o papel dos designers hoje dentro da ETEL: criar peças que provocam e captam o espírito do tempo.” - Lissa Carmona. Essa lógica se materializa no método do designer - que parte de uma leitura ativa da matéria, e não de um desenho pré-definido. “Em Entropia, a diversidade não é um problema a ser resolvido - é o ponto de partida. Cada fragmento preserva sua identidade - sua história, seus veios, suas imperfeições - e é aí que o valor se constrói. Não buscamos homogeneizar, mas colocar o diferente em relação. O método não impõe uma forma prévia; ele se deixa conduzir pelo que cada elemento traz consigo. Pode ser entendido como um sistema transferível, mas não replicável de maneira exata. Depende das condições do material, do encontro entre os fragmentos e da leitura do artesão em cada caso. É um sistema aberto: a lógica se mantém, mas o resultado muda. Mais do que uma técnica, é uma postura - construir a partir da coexistência do diverso, onde a união não apaga diferenças, mas as torna linguagem.” - Cristián Mohaded. Nascido em 1980, em Catamarca, Argentina, Mohaded desenvolve uma prática que tensiona design e arte a partir da materialidade e do fazer. Colaborou com Louis Vuitton, Loro Piana, Roche Bobois, CC-Tapis, Moooi e Gebrüder Thonet Vienna. Seu trabalho integra coleções permanentes do Musée des Arts Décoratifs (Paris), do Philadelphia Museum of Art, do Museum of Arts and Design (Nova York) e do Denver Art Museum. Entropia marca sua primeira colaboração com a ETEL. Em Milão, onde a novidade ainda opera como sistema, Entropia não apresenta um novo objeto, mas um desvio. Não parte da criação - e sim da reorganização. Não busca o inédito - reposiciona o existente. Ao fazê-lo, desloca o papel do design: do objeto ao sistema, da produção à leitura.

Entre discurso e objeto, algumas peças tornam essa transformação visível.

Em Milão, a relevância já não está na assinatura isolada, mas na capacidade de cada peça sustentar uma ideia. A presença brasileira se destaca justamente aí - quando forma, matéria e narrativa deixam de competir e passam a operar como um sistema.

Cafuné - Matteo Cibic x St. James / Bosa Ceramiche
Entre metal e cerâmica, a coleção constrói um equilíbrio deliberadamente instável. As formas orgânicas não buscam harmonia perfeita - tensionam. É nesse atrito que a peça se afirma: menos objeto, mais presença sensorial, onde matéria vira linguagem.

Tapete Lençóis - Fernanda Marques x By Henzel
Lã, seda e mohair em composição hand-knotted. O desenho não representa a paisagem - opera segundo a mesma lógica. Curvas e variações de relevo criam um campo instável, onde luz e sombra deixam de ser efeito para estruturar a superfície. O tapete não ocupa o espaço; redefine sua leitura..

Poltrona Elas - Marcio Kogan / MK27 x Minotti
A curva aqui não é gesto livre - é construção. A forma contínua organiza conforto e narrativa em um único traço. A referência ao feminino não é literal; está na fluidez disciplinada do desenho. “Elas” funciona como enunciado - Perriand, Kahlo, Lina, Albers, Lota - mais posição do que homenagem.

Floralis - Humberto Campana x For Art de Vivre
O ponto de partida é o desenho - mas o interesse está na tradução. Ao migrar para o têxtil, as estruturas celulares ganham corpo, volume e irregularidade. Não há repetição decorativa: há crescimento. Cada peça se comporta como um organismo, não como padrão.

Do objeto ao sistema, essa mudança também redefine o espaço de trabalho.

Do produto ao sistema: repensando o contract

O setor de contract atravessa uma mudança estrutural - não gradual, mas sistêmica. Dados recentes indicam que a maioria das empresas planeja redesenhar seus escritórios até 2027, integrando a inteligência artificial ao espaço físico. Não como uma tecnologia visível, mas como uma infraestrutura silenciosa, capaz de adaptar os ambientes às necessidades de foco, colaboração e bem-estar. Em paralelo, a convergência entre trabalho e hospitalidade se consolida. Os espaços deixam de ser definidos apenas por sua função e passam a ser concebidos para a permanência, e não apenas para o uso. Esses movimentos reposicionam o papel do design no mobiliário corporativo. O valor deixa de estar no produto isolado e migra para sistemas integrados, nos quais projeto, produção e uso são compreendidos como um processo contínuo. Projetos - e não objetos - tornam-se a principal unidade de valor. No estande da Maxdesign, o foco da nova coleção não estava apenas nas peças, mas no processo. Brogliato Traverso, Stefan Diez, Jin Kuramoto, Geckeler Michels, Daniel Germani e Sebastian Herkner apresentam suas criações deslocando a leitura do resultado para o percurso, a partir de três eixos claros: redução estrutural ao essencial, em que poucos componentes resolvem estrutura, apoio e linguagem em um único gesto; simplificação construtiva e materialidade consciente, orientadas por princípios de circularidade, onde o conforto emerge como consequência da lógica; e a incorporação de novos comportamentos de uso, com peças que respondem à sobreposição entre trabalho, pausa e convivência e à crescente presença de usos informais e dinâmicos nos espaços. É nesse contexto que o trabalho apresentado pela Maxdesign revela não uma nova estética, mas uma transformação no que sustenta o valor - no design e nas relações.

E, quando observado em perspectiva, esse movimento revela algo maior: o design como estrutura.

Triennale Milano: o design como sistema

A convite da Abimad - que realizou sua primeira ação em Milão durante a Semana de Design, reunindo um grupo seleto para uma visita guiada - retorno ao Museo del Design Italiano, na Triennale Milano, que apresenta um novo percurso expositivo inaugurado em fevereiro de 2026. Instalado no Palazzo dell’Arte, o museu foi criado em 2007 com o propósito de conservar, valorizar e interpretar o design italiano em suas múltiplas dimensões - objetos, autores, empresas e contextos de produção. A nova configuração reúne mais de 400 peças, entre objetos, projetos e documentos, que abrangem do final dos anos 1920 ao início dos anos 2000. A curadoria é de Marco Sammicheli, diretor do museu, em colaboração com Marilia Pederbelli, com design expositivo assinado por Roberto Giusti. O percurso articula uma organização cronológica a núcleos temáticos transversais, conectando diferentes períodos e abordagens. Mais do que uma linha do tempo, a proposta constrói uma leitura do design italiano a partir de sua relação com a indústria e com as transformações sociais, econômicas e culturais ao longo do século. A exposição integra a coleção permanente da Triennale - com mais de 1.600 objetos - e se insere em uma programação mais ampla da instituição, voltada à produção e difusão de conteúdo nas áreas de design, arquitetura e cultura contemporânea. Nesse contexto, o que emerge não é apenas uma narrativa histórica, mas a evidência do design como sistema - uma prática que se estrutura na interdependência entre projeto, produção e sociedade, e que encontra, na Triennale, uma de suas leituras mais consistentes.

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- A ABIMAD, representada por Paulo Mourão, Michel Otte, Patricia Linhares e Virginia Lamarco, recebe em Milão, durante a Semana de Design, um grupo seleto para uma visita guiada ao Museo del Design Italiano, na Triennale Milano. Entre empresários, arquitetos, designers e jornalistas, a presença brasileira deixa de ser pontual e passa a construir repertório e conexão - onde visibilidade, relacionamento e leitura de mercado se articulam como sistema.

- No meu giro por Milão, encontros que marcam esta edição da MDW 2026 - não pelo acaso, mas pela qualidade das trocas. Com o apoio de Mareu Nitschke e Conceria Artefato Em Couro.

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Uma atualização de olhar

Às vésperas da Semana de Design de Milão, três leituras convergem. O consumo de luxo desacelera, mesmo com o aumento da riqueza global. Esse público deixa de operar como bloco e passa a se fragmentar. E as collabs deixam de ser exceção para se tornar sistema. Esses movimentos respondem a um mesmo contexto - instabilidade econômica, tensões geopolíticas, saturação de imagem, excesso de oferta e um repertório já assimilado. Não são tendências. São ajustes de lógica. Para quem projeta, produz ou decide, a lógica de escala perde força. O que emerge no lugar é critério. Definir para quem se trabalha deixa de ser estratégia. Passa a ser condição. Sustentar valor no tempo importa mais do que gerar impacto imediato. E a consistência - de uso, de matéria, de intenção - passa a definir valor. Isso também desloca o papel da imagem. Ela deixa de ser registro ou evidência de presença. Passa a operar como construção - aquilo que organiza como o projeto será visto, lido e, muitas vezes, compreendido. Em Milão, isso altera a forma de ver. Para quem está lá, o excesso deixa de orientar. Passa a confundir. Para quem acompanha à distância, a imagem deixa de provar. Passa a exigir leitura. O ponto já não é o que se destaca. Destaque é ruído. O ponto é o que permanece depois.

Se o critério muda, a forma de ver também muda. É nesse ponto que a imagem deixa de registrar - e passa a decidir.

Denilson Machado: o que a imagem decide

Denilson Machado não é apenas um fotógrafo de arquitetura. É uma assinatura. No circuito de interiores no Brasil - e fora dele - seu nome opera como um selo. Não no sentido publicitário, mas como leitura: quando a imagem é dele, há uma expectativa sobre o que será revelado - e, sobretudo, sobre o que será construído. Conversando com ele uma vez, me chamou atenção a forma como descreve o próprio processo. Não parte do espaço. Parte do repertório. Tudo o que vê - arte, cinema, viagens, situações cotidianas - é registrado e armazenado. No momento do ensaio, essas referências não aparecem como citação, mas como associação. É desse cruzamento que surge a precisão das suas imagens - uma precisão que não é técnica, é perceptiva. Isso ajuda a entender por que sua fotografia se afasta do registro e se aproxima da interpretação. Não se trata de mostrar o projeto como ele é, mas de organizar como ele será visto. À frente do MCA Estúdio, ao lado de Juliano Colodeti, Denilson construiu uma presença contínua no principal circuito editorial de arquitetura - com publicações recorrentes em plataformas como ArchDaily, participação em mostras como a CASACOR e uma produção autoral que já soma mais de uma dezena de livros, incluindo Dona Alvina, lançado em 2025. Sua atuação atravessa geografias e escalas, mas mantém um eixo consistente: a construção da imagem como linguagem. Nesta entrevista, o ponto não é o ofício. É o que acontece quando a fotografia deixa de documentar a arquitetura - e passa a operar sobre ela.

1. Na hora de fotografar, o que você decide eliminar para que o espaço apareça com verdade? Onde termina a documentação e começa a interpretação?

A grande amiga, a jornalista Livia Pedreira - presidente e curadora da CASACOR São Paulo - disse em uma entrevista que sou o único fotógrafo em que o arquiteto é coautor da obra. Não tenho formação em arquitetura, não me considero um fotógrafo técnico e costumo dizer que minha (pouca) técnica sempre esteve a serviço da emoção. Minha fotografia não prioriza a documentação. Sou um artista visual que se expressa majoritariamente na fotografia de arquitetura e me vejo como parceiro criativo dos arquitetos, interpretando o projeto por meio da luz, da lente, do posicionamento do olhar e do momento do clique. Tudo isso para construir uma imagem esteticamente consistente e que comunique bem ao leitor. É necessário eliminar ou realocar o que, pela ótica da lente, atrapalha a leitura do espaço - mas procuro sempre preservar a atmosfera e a relação entre as partes.

2. Observa-se um deslocamento da imagem hipercontrolada para registros mais diretos, com luz primária e imperfeições visíveis. Quando a imperfeição se torna estratégia narrativa? O que essa mudança indica sobre a relação contemporânea entre imagem e arquitetura?

A imperfeição, quando usada como linguagem e intenção, deixa de ser erro e assume função. Durante muito tempo, a fotografia de arquitetura - especialmente a modernista - se apresentava neutra, objetiva e controlada: sem pessoas, um registro documental e frio. Nos últimos anos, talvez acentuado pelo uso dos smartphones e pela democratização do registro, essa lógica mudou. A fotografia deixa de ser atribuição exclusiva do profissional e perde parte dessa rigidez. A arquitetura passa a ser mostrada como é: habitada, vivida, com rastros de presença humana. Costumo dizer que ela só tem propósito quando há pessoas - foi idealizada para ser vivida, sentida. Esse tem sido o caminho da fotografia contemporânea: mostrar uma vida real que, inevitavelmente, é imperfeita.

3. Na formação da reputação de um arquiteto ou de um escritório, qual é hoje o papel da fotografia? Ela revela a arquitetura - ou a determina?

Hoje, a fotografia de arquitetura tem um papel relevante no cenário global. Quando o fotógrafo entende o mercado editorial, sua assinatura passa a funcionar como um selo de qualidade. Em um mundo saturado de imagens, isso agrega valor ao projeto e ao arquiteto. Uma vez, fotografando em Florianópolis, vi um arquiteto comentar no story de outro: “a gente sabe quando a pessoa venceu na vida quando o Denilson está fotografando um projeto seu.” Mas esse selo precisa estar sempre sustentado por uma qualidade atual - não se vive de passado. A fotografia hoje participa diretamente da construção de carreira, porque a arquitetura é consumida como imagem - e muitas vezes pensada a partir dela. Na minha visão, ela não apenas revela, mas também determina. Vivemos em um contexto em que a linguagem não verbal se tornou dominante, impulsionada pelas redes sociais, pela velocidade da internet e pela popularização dos celulares.

4. Neste fim de década, qual é o peso da assinatura na fotografia de arquitetura? Quando “a foto é do Denilson” funciona como selo - e o que você faz para que essa assinatura não se transforme em fórmula?

De fato, no universo da arquitetura brasileira - especialmente no mercado editorial - minha fotografia acabou ganhando um selo de qualidade que se transfere ao projeto. Ao longo dos anos, desenvolvi uma linguagem, uma poética reconhecível - e isso é desejável em qualquer campo. Mas é preciso evitar a fórmula. Há uma frase atribuída a Picasso que diz que a pior coisa é copiar a si mesmo - e essa é uma das minhas preferidas. O cérebro tende a buscar caminhos já conhecidos, soluções testadas. Não é fácil sustentar a busca por novos olhares. Na minha linguagem, há elementos recorrentes: a relação com as artes visuais, o uso da luz, a construção estética da imagem. Mas existe um fio condutor quase imperceptível que traz unidade sem padronizar: a geometria. Talvez ela seja a principal característica do meu trabalho. A luz - especialmente a natural - também é central. Muitas vezes, ela assume o protagonismo e é pensada para cada projeto e para cada arquiteto. A luz que construo para um não é a mesma que construo para outro. E, para isso, é preciso olhar para o projeto com questionamento - e, sobretudo, sem a pressa do mundo atual. Entender o que o arquiteto quis dizer, não apenas apertar o botão.

Quando a imagem organiza o que se vê, ela também redefine o que tem valor. E valor, agora, não cresce por volume.

Luxo sem expansão

A Stylus - plataforma de inteligência de tendências - organiza sua leitura recente do mercado de luxo a partir de um paradoxo: há mais riqueza no mundo, mas o consumo desacelera. A série New Luxury Dynamics, composta por oito relatórios, parte desse deslocamento para apontar uma mudança de lógica - não de capacidade. O interesse por luxo não desaparece; se reorganiza. Segundo o estudo, ao mesmo tempo em que o setor se expande em direções extremas - tecnologias avançadas e objetos altamente específicos -, o que sustenta o desejo retorna a fundamentos: técnica e escassez real. Essa leitura encontra respaldo em dados externos. A Bain & Company, em parceria com a Altagamma, estima o mercado global de luxo em €1,44 trilhão em 2025, com estabilidade geral e leve retração em bens pessoais. Não há ruptura. Há ajuste. O ponto central é direto: o luxo deixa de operar por volume e passa a operar por critério. Não se trata de consumir mais, mas de escolher com precisão. E, neste momento, é o critério - não a expansão - que define o luxo.

Se não é mais sobre expandir, também não é mais sobre falar com todos. O público deixa de ser massa.

Riqueza não é bloco

No desdobramento Decoding Wealth Tiers (decodificando as camadas de riqueza), a Stylus desloca o foco do mercado para o indivíduo - e elimina uma simplificação recorrente: tratar a alta renda como um grupo homogêneo. O estudo identifica três camadas com lógicas distintas. Os ultra-ricos priorizam privacidade. Multimilionários investem em estilo de vida. Já os milionários de massa buscam ampliar a percepção de riqueza, mais do que simplesmente acumulá-la. A diferença não está no acesso, mas na intenção. Essa segmentação aponta um ajuste necessário: não há mais uma única estratégia possível para o luxo. Cada camada responde a um tipo específico de proposta - proteção, expansão ou validação. Tratar todos como “afluentes” deixa de ser apenas impreciso.
Passa a ser ineficaz.

Essa diferença não é abstrata - ela aparece nas escolhas. E, às vezes, nas trajetórias mais improváveis.

Pamela Anderson - ajuste de valor

Pamela Anderson não entra no design como extensão de marca - entra como reposicionamento. A coleção The Sentimentalist, desenvolvida com a Olive Ateliers, reúne mais de 40 peças em rattan, teca e fibras naturais, ancoradas na casa que restaurou no Canadá e em objetos herdados da avó. Não há ruptura estética nem busca por novidade. Há continuidade. As peças partem de um repertório vivido - materiais que envelhecem, objetos que acumulam uso, ambientes pensados para dentro e para fora. A lógica não é de lançamento, mas de permanência. Não se trata de criar algo novo, mas de organizar o que já tem sentido. Esse movimento acompanha uma transição mais ampla da própria Anderson. Ao reconfigurar sua imagem pública - reduzindo excesso, controlando narrativa, retirando camadas - ela desloca esse mesmo princípio para o espaço. O que antes era exposição passa a ser escolha. Não projeta para impressionar. Organiza para sustentar. Não é sobre design. É sobre o que passa a ser considerado valor.

Quando o valor muda, a forma de construir também muda. E o que antes funcionava como estratégia começa a perder força.

Quando a collab deixa de ser estratégia

Colaborações deixaram de ser exceção. Nos últimos anos, tornaram-se recorrentes - atravessando moda, design e luxo como ferramenta de visibilidade e expansão. O problema não está na prática. Está na frequência. Em Milão, isso se explicita. A Kartell vem operando esse modelo como sistema. Em 2023, apresenta a parceria com Missoni, reinterpretando a cadeira Eleganza a partir da linguagem têxtil da marca. No mesmo período, aprofunda a relação com a Illy, conectando design e economia circular - um vínculo que se prolonga e se desdobra nos anos seguintes. Em paralelo, avança sobre o universo automotivo, incorporando novas camadas de linguagem. Não é um gesto isolado. É continuidade. Outros movimentos seguem a mesma direção, ainda que com maior controle. A Poltrona Frau, com Fornasetti, preserva coerência: a intervenção não desloca o objeto - intensifica um território já estabelecido. A B&B Italia, com Stella McCartney, transfere o eixo para material e processo - menos assinatura, mais estrutura produtiva. Os três casos apontam direções distintas: acúmulo, coerência, reconfiguração. É nesse intervalo que a colaboração começa a perder função. Quando se repete, perde escassez. Quando se acumula, perde contraste. Quando se torna contínua, deixa de ser evento. Se a collab se tornou sistema, o que ainda será capaz de interrompê-lo?

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- Para fechar a edição, um exemplo de valor que não vem de escala, mas de consistência e repertório. Wagner Moura entra na lista das 100 pessoas mais influentes da Time - e é capa da edição. Não é exposição. É construção.

- No Coachella Valley Music and Arts Festival 2026 - que se encerra neste fim de semana (19 de abril) - a instalação Maze, de Sabine Marcelis, surge como um raro momento de respiro dentro do excesso. Um labirinto inflável que filtra a luz, cria sombra e reorganiza o tempo do festival. Mais do que cenário, propõe pausa - e, mesmo inserido na lógica da imagem, insiste em ser experiência.

- Essa ideia de experiência como estrutura também aparece em outra escala, na Geórgia, onde o escritório Henning Larsen Architects projeta um novo Chess Palace. Aqui, o jogo se transforma em arquitetura: o edifício reproduz o tabuleiro em escala urbana, com volumes que evocam as peças e uma organização espacial guiada pela lógica do xadrez. Mais do que forma, o projeto incorpora o papel estratégico do país no cenário mundial do jogo - onde o xadrez é parte da cultura e da educação.

- Entre o objeto e o espaço, a chaise lounge Nova, do designer Deniz Aktay, tensiona os limites entre mobiliário e escultura. Construída a partir de uma fita contínua de metal, dobrada e entrelaçada em um gesto fluido, a peça abandona a lógica tradicional de apoio para se afirmar como presença - mais próxima de um traço no espaço do que de um objeto funcional.

- Essa mesma dissolução de fronteiras aparece no trabalho do designer Marco B, que transforma ferramentas científicas em miniatura em objeto de design. Seu Botanical Field Kit recria, em LEGO, os kits portáteis de naturalistas do século XIX - com lupa, frascos e instrumentos organizados em uma maleta compacta. Mais do que escala, o projeto explora narrativa: um exercício onde exploração, memória e precisão se tornam linguagem.

- A dimensão coletiva entra em cena no trabalho do artista Pierre-Christophe Gam, que apresenta The Sanctuary of Dreams, uma instalação da plataforma Toguna World concebida como um espaço de projeção de futuro. O projeto funciona como um “templo nômade”, onde o público compartilha visões que passam a integrar um arquivo global. Mais do que uma experiência imersiva, a proposta opera como ferramenta de escuta - transformando imaginação individual em dado coletivo.

- No campo da arquitetura, Kengo Kuma retoma a materialidade como linguagem em um novo arranha-céu em Quito. A fachada, inspirada na cerâmica, não funciona como revestimento, mas como estrutura expressiva. A textura nasce de seu interesse pelo material e se traduz em uma superfície que articula variação, repetição e imperfeição. Mais do que acabamento, a cerâmica define a identidade do edifício - deslocando a fachada de pele para matéria.

- Encerrando esse conjunto, a Eames Office, em parceria com a Kettal, apresenta o Eames Pavilion System, um sistema modular inspirado na lógica da Eames House - não como réplica, mas como método. O projeto traduz princípios de padronização, adaptação e montagem em um kit configurável, propondo a arquitetura como sistema replicável e ajustável a diferentes contextos.

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Quando o luxo deixa de preservar - e passa a regenerar

Acaba de ser divulgado - e o gesto não é discreto. A Louis Vuitton apresenta Regeneration 2030, novo capítulo de seu roadmap ambiental. À primeira vista, mais uma agenda de sustentabilidade. Mas não parece ser só isso. O que está em jogo é uma mudança de linguagem - e, com ela, de sistema. Durante anos, o setor operou sob a lógica da preservação: reduzir impacto, compensar emissões, conter danos. Agora, o vocabulário se desloca. Regenerar não é preservar. É produzir valor ambiental. O plano organiza a operação da Maison em três eixos - transição ambiental, criatividade circular e inovação operacional -, mas o ponto não está na divisão. Está na integração. O produto deixa de ser o centro. A cadeia de valor passa a ser o projeto. Matéria-prima, energia, logística, manufatura e vida útil deixam de ser etapas. Passam a operar como sistema. Não se trata de fazer melhor. Trata-se de operar sob outra lógica. A circularidade, aqui, não é narrativa. É infraestrutura. Produtos são concebidos para durar, reparar, retornar. A rastreabilidade deixa de ser transparência e passa a ser governança. O impacto não é compensado - é redesenhado. Há um deslocamento mais silencioso - e talvez mais decisivo. Ao lado de clima e biodiversidade, a água emerge como prioridade estratégica. Não como variável técnica, mas como critério de valor. Esse movimento excede a marca. Sinaliza uma reorganização do próprio luxo - que deixa de operar pela superfície e passa a estruturar-se como sistema. Sustentabilidade deixa de ser discurso. Torna-se arquitetura de negócio. Essa lógica atravessa também o design. Em Objets Nomades, forma e material deixam de operar como exceção e passam a responder ao mesmo sistema. É na próxima Milan Design Week que essa direção começa a se tornar legível - não como discurso, mas como construção. A questão já não é o que a Louis Vuitton está fazendo. É o que esse movimento torna inevitável para quem ainda opera no modelo anterior.

Se no luxo global esse movimento começa a se estruturar como sistema, no Brasil ele já opera em outra escala.

Marcelo Rosenbaum - operar entre sistemas

Há designers reconhecidos dentro do campo - e outros por um país inteiro. Marcelo Rosenbaum ocupa uma zona menos evidente: aquela em que o reconhecimento não se organiza pela forma, mas pela capacidade de operar entre sistemas. No Brasil, seu trabalho conecta territórios a circuitos institucionais - não por visibilidade, mas por método. Há mais de duas décadas, à frente do Rosenbaum Arquitetura e Design e do Instituto A Gente Transforma, sua prática desloca o design da autoria para a mediação - entre saber local, construção contemporânea e sistema produtivo. Mais do que projetar, trata-se de reorganizar relações. Projetos como Várzea Queimada e a Aldeia Sagrada Yawanawá - apresentada na Bienal de Arquitetura de Veneza 2025 - tornam esse deslocamento legível. A arquitetura deixa de representar para assumir função infraestrutural: articular território, conhecimento e permanência. Esse vetor ganha escala. Em Habitar a Floresta, no contexto da COP30, projetos com povos originários deixam de ser exceção e passam a operar como proposição. Em paralelo, na curadoria do Color Trend 2026 - premiado pelo Design for a Better World Award - Rosenbaum reinscreve códigos culturais brasileiros na indústria. O que emerge é um reposicionamento do design brasileiro - da autoria à mediação, do objeto à infraestrutura, da imagem ao valor.

1. Por muito tempo, o design brasileiro foi exportado como imagem - cor, gesto, vitalidade. Seu trabalho recente sugere outra ambição: não representar, mas estruturar. Em que momento o design deixou de ser, para você, linguagem de expressão e passou a operar como ferramenta de reorganização entre território, cultura e valor?

O design, para mim, deixou de ser linguagem de expressão no momento em que entendi que a estética, isolada, é insuficiente para responder às feridas dos territórios brasileiros. A beleza não pode ser um fim, mas um resultado de uma estrutura social saudável. Então, minha ambição mudou de “desenhar o objeto” para “desenhar as condições” para que o valor local floresça. Operar como ferramenta de reorganização significa olhar para a técnica ancestral não como um “exotismo” para exportação, mas como uma tecnologia de resistência e autonomia econômica. É o design servindo à vida, e não o contrário.

2. O design carrega uma herança colonial - inclusive quando fala em colaboração. No seu trabalho, o que, na prática, impede que essa relação continue sendo uma forma legitimada de captura de saber?

O que impede é a metodologia da escuta ativa. Não chego ao território com uma prancheta pronta; chego com um vazio que só pode ser preenchido pelo outro. A prática ética reside em quem detém o protagonismo da narrativa e do benefício financeiro. Se o saber é da comunidade, o valor gerado precisa retornar e permanecer nela, fortalecendo sua infraestrutura e sua soberania. A colonização é rápida e extrativista. Por isso, meu trabalho se baseia em relações de décadas, em que o tempo é o que legitima a troca e impede que o design seja apenas um “turismo de saberes”.

3. Grande parte do discurso sobre economia circular ainda se concentra no material - reciclar, reaproveitar, reduzir impacto. Seu trabalho parece operar em outro nível: transformar o que não era reconhecido como valor em sistema de valor. Onde, para você, começa de fato a circularidade?

Para mim, a circularidade não começa no descarte do plástico ou da madeira, mas no reconhecimento do valor humano e cultural que foi marginalizado. Antes de reciclar materiais, precisamos “reciclar” nosso olhar sobre o que consideramos riqueza. A circularidade, de fato, começa quando transformamos o invisível em potência. Quando uma técnica de cestaria ou uma estrutura de bambu deixa de ser vista como “artesanato de subsistência” e passa a ser entendida como uma solução de engenharia de baixo impacto e alto valor agregado. O ciclo só se fecha quando o impacto social é tão mensurável quanto o impacto ambiental. É a economia do afeto gerando autonomia territorial.

4. A arquitetura hoje busca se tornar mais humana - muitas vezes pela forma. Seu trabalho sugere outra via: relações, cultura e sistema. O que o design, na sua prática, consegue operar no projeto que a arquitetura, sozinha, ainda não resolve?

Enquanto a arquitetura muitas vezes se ocupa da métrica, do conforto térmico e da volumetria, o design, na minha prática, opera na escala do encontro. Ele é o mediador. O design consegue entrar nas camadas de subjetividade e cultura que o desenho técnico, sozinho, às vezes não alcança. Nesse sentido, a arquitetura entrega o abrigo, enquanto o design entrega o protocolo de convivência. Meu trabalho usa o design para mapear o território antes mesmo do primeiro tijolo ser assentado. É uma operação sistêmica: organizamos a cadeia produtiva, o reconhecimento do saber local e a geração de renda. Sem isso, a arquitetura corre o risco de ser apenas um “corpo estranho”, por mais sustentável ou humana que sua forma pareça.

Esse deslocamento já não é teórico.
Começa a se tornar visível.

SP-Arte e o fim do design como imagem

Às vésperas da Milan Design Week, a SP-Arte 2026 - com 180 expositores, 64 de design, e uma década da presença do setor - consolida um movimento que ganha maior nitidez. Ao longo desse período, o design deixou de operar como extensão da arte e passa a se afirmar como campo próprio. Esse deslocamento acompanha uma reconfiguração mais ampla: feiras internacionais vêm incorporando o design de mobiliário e objetos como parte de seu sistema - não como complemento, mas como expansão de linguagem e de mercado. Em São Paulo, esse movimento amadurece. A feira ganha densidade, especialmente com o Design NOW, espaço ainda em formação que abre campo para uma nova geração e tensiona o existente. Mas a mudança atravessa o conjunto. Entre estreantes e expositores estabelecidos, emerge uma alteração de padrão. Identidade deixa de ser gesto isolado. O que se observa é uma convergência: desenho, matéria, qualidade, função e valor passam a operar em equilíbrio - ainda que nem todos acompanhem essa lógica. Esse nível de consistência não é novo individualmente. O que muda é o coletivo. Pela primeira vez, esse alinhamento aparece de forma simultânea - atravessando estúdios, marcas e propostas. O que antes era exceção passa a se estruturar como linguagem. Esse amadurecimento se amplia: público mais exigente; imprensa deslocando a leitura do estético para o estrutural. O design deixa de ser novidade e passa a ser entendido como construção de valor. Na fricção entre SP-Arte e Milan Design Week, a distância diminui. O que antes operava em escalas distintas passa a se aproximar - não por equivalência, mas por direção. No médio prazo, isso tende a provocar ajustes mais profundos - de calendário, circulação e atenção internacional. O design brasileiro deixa de ser leitura local e passa a se posicionar em um fluxo mais amplo. O que se vê em São Paulo não é apenas crescimento. É uma mudança de regime. O design brasileiro deixa, gradualmente, de se representar. Começa a operar.

Se esse movimento se consolida no conjunto, ele se revela nos detalhes.

A SP-Arte consolida o design como campo de interesse para um público cada vez mais orientado por autoria, materialidade e valor.
Mais do que presença, o que se observa é um refinamento de linguagem - peças que deixam de operar como gesto isolado e passam a sustentar uma leitura mais consistente de projeto.

Poltrona Katu - Ronald Sasson + Tecline - Inspirada na cosmologia Tupi-Guarani, articula o fogo como transformação. Base em mármore ancora o peso; lâmina metálica ascende. Entre escultura e mobiliário, a peça opera por tensão: matéria, energia e permanência

Coleção Monumental - Erik Bonissato (Bonni) - Investiga a escala do mobiliário como arquitetura. Sofás, mesas e luminárias assumem presença estrutural, deslocando o objeto para o campo do espaço - mais construção do que composição.

Lastro - Eduardo Montani - Buffet em edição limitada onde geometria deixa de ser forma e passa a estruturar função. Madeira carbonizada, aço e latão criam tensão entre densidade e reflexão. O impacto é imediato; a leitura, progressiva.

Cadeira Clave - Marina Kurten Moreira - Inspirada na clave de sol, transforma ritmo em estrutura. Um traço contínuo em metal organiza a peça como gesto tridimensional. Latão e acabamento preto criam contraste entre precisão técnica e fluidez.

Astor - Simone Coste - Banco em resina moldada com ferragens em latão. A estrutura translúcida filtra luz e ambiente; o assento em pele introduz contraste tátil. Entre joalheria e mobiliário, a peça é construída como objeto lapidado.

Takai - Cris Bertolucci - Série em bambu que explora leveza estrutural e verticalidade. Luminárias e divisórias operam como dispositivos espaciais: organizam luz, fluxo e percepção. Design, arquitetura e instalação se sobrepõem.

Das peças ao espaço - no sentido literal.
O próximo tema começa na Lua.

O design que não aparece - mas sustenta o coletivo

Estamos testemunhando algo raro: uma missão lunar pública se desenrolando em tempo real. O programa Artemis II da NASA - um sobrevoo financiado pelo governo que prepara o caminho para futuros pousos na Lua - mobiliza atenção por meio de cobertura aberta, conteúdo educativo e um senso compartilhado de curiosidade que é, essencialmente, cívico. É um lembrete de como financiamento público, instituições e narrativa podem convergir - tornando a vida coletiva não apenas funcional, mas visível. Um artigo no Observer, publicado esta semana a partir desse contexto, desloca o foco da engenharia para a forma como projetos públicos são comunicados. A ideia é direta: quando o design torna esses sistemas compreensíveis - quem participa, como funcionam, quem se responsabiliza - ele fortalece a vida cívica. Quando não, produz o efeito contrário. Grande parte das infraestruturas que organizam a vida contemporânea - transporte, energia, informação - opera fora do campo visível. E o que não é compreendido raramente é questionado. Algumas das transformações mais relevantes não acontecem em grandes gestos, mas na forma como o design estrutura o cotidiano - especialmente aquilo que parece ordinário.

Uma nota para os ansiosos em Milão.

Nem tudo precisa ser visto

Há um padrão recorrente na Milan Design Week: quanto mais se vê, menos se absorve. A cidade oferece - e o visitante, previsivelmente, aceita - uma agenda impossível. Exposições, lançamentos, encontros. Tudo ao mesmo tempo, em todos os lugares. A experiência vira acúmulo. É nesse cenário que a Konel apresenta, na Via Palermo 11, o Pulse Pack: uma bolsa que sincroniza com os batimentos do usuário e os devolve em ritmo desacelerado - uma tentativa discreta de reintroduzir pausa em um sistema que opera no oposto. Há algo de sintomático nisso. Quando o design precisa ensinar o corpo a desacelerar, talvez o problema não seja a falta - mas o excesso. Milão continua sendo o epicentro. Mas, como todo epicentro, exige critério.

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- A NASA retomou um gesto simples - e estrutural. Divulgou a playlist de wake-up da missão Artemis II, tradição herdada do programa Apollo. As músicas, escolhidas pelos astronautas e suas famílias, vão de John Legend a David Bowie. Não funcionam como trilha, mas como ritmo - organizam tempo, rotina e uma conexão contínua com a Terra.

- Em Nova York, o Edge at Hudson Yards passa por uma reformulação multimilionária que o reposiciona como experiência imersiva. Com estreia no verão, o projeto incorpora ambientes como Pulse, Crystal Cave e Infinite City. Luz, som e superfícies reflexivas deixam de enquadrar a vista - passam a conduzir o percurso. O mirante deixa de ser ponto e passa a ser sistema.

- No Salone del Mobile, Herzog & de Meuron apresentam com a UniFor uma mesa de pingue-pongue dentro da coleção MTM - Made to Measure. Aqui, o jogo não é função. É dispositivo. A peça desloca o mobiliário para o campo da convivência - menos objeto, mais ativador de dinâmica coletiva.

- No Japão, o NOT A HOTEL inaugura o Setouchi, conjunto de três vilas projetadas pelo BIG na ilha de Sagishima. Construídas com terra do próprio local, as casas se integram à topografia e operam como extensão do terreno. O modelo de propriedade compartilhada reforça a lógica: não é destino, é estrutura de uso.

- Acabo de encontrar a Platform, de Bethan Laura Wood, parte do programa curatorial PLATFORM do Design Museum. A peça não se resolve na forma. Opera como sistema visual - cor, padrão e composição em camadas. O design deixa de ilustrar e passa a construir linguagem.

- Na SP-Arte, um dos momentos mais precisos não está nas obras, mas nos encontros. Entre uma peça e outra, reencontros ganham outra dimensão - como com Mariana Amaral e Sérgio Fahrer, que também expõem na feira. O design sai do discurso e volta ao que sustenta tudo: relação.

- Adriano Goldschmied, o “godfather of denim”, morreu aos 82 anos. Em mais de cinco décadas, levou o jeans do uniforme de trabalho ao centro da moda global. Mais do que desenho, estruturou processos, lavagens e a própria lógica de valor do denim contemporâneo - de Diesel a AG, de Replay a Gap 1969. Quando o sistema permanece, o impacto é claro.

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O som como infraestrutura do espaço

A música sempre esteve no espaço - quase sempre como fundo. Acompanhava, ambientava, ajustava o humor. Influenciava escolhas. Nada disso é novo. O que começa a surgir agora, ainda de forma discreta, é outra lógica. Não é a música melhorando o espaço - é a música organizando como o espaço acontece. Um movimento ainda não declarado, em parte porque se desenvolve fora do circuito tradicional do design - e só agora começa a atravessá-lo. Alguns sinais já são claros. Um deles aparece em Discorivoluzione. You Got to Get In to Get Out, projeto do Politecnico di Milano com o coletivo Le Cannibale. Ali, a música não entra como trilha - ela opera como estrutura. Define ritmo, permanência, circulação. Reprograma o espaço ao longo do tempo. A palavra-chave é threshold. Limiar. Um ponto de passagem onde o espaço deixa de ser fixo e passa a ser conduzido. O som não acompanha. Ele orienta. Essa lógica vem de sistemas culturais que sempre trabalharam o tempo como matéria. O clube é um deles. “O clube deve funcionar para quem está dentro, não para quem observa de fora. Design é direção social”, afirma Marco Greco, cofundador do Le Cannibale. É nesse contexto que a música eletrônica aparece - não como estética, mas como lógica. Repetição, variação, construção progressiva. Elementos que se aproximam mais da arquitetura do que da trilha sonora. Quando isso entra no espaço, o próprio entendimento muda. Não se trata de inserir som no ambiente, mas de reconhecer o som como aquilo que organiza comportamento. O espaço deixa de ser apenas físico - passa a ser também temporal. Daqui a duas semanas, na Milan Design Week, essa lógica começa a ganhar forma - ainda nas bordas. Aparece nas ativações do Le Cannibale no BASE Milano e nas colaborações com o Park Associati, espalhadas pelo Fuorisalone. Não como evento, mas como linguagem em teste. E é nesses sinais que a leitura do design se ajusta. Porque, no limite, não é sobre música. É sobre como sistemas culturais passam a moldar espaço, uso e valor.

Quando o que organiza o espaço deixa de ser visível, o critério muda.
É nesse deslocamento que a conversa se torna mais precisa.

Lella Valtorta - Entre o único e o sistema

Há uma linha que Lella Valtorta não cruza - é nela que seu trabalho se sustenta. Não no gesto visível, mas na intenção que organiza cada decisão. Fundadora da galeria Dilmos, em Milão, Lella construiu sua trajetória em um território nunca dominante: o design como expressão autoral, próximo da arte, onde o objeto não responde apenas à função, mas carrega pensamento e diferença. Seu interesse nunca foi volume, mas sentido. E isso se confirma no encontro - em conversas breves que tenho com ela durante a Milan Design Week: precisa, crítica, com uma lucidez ágil que mais reorganiza do que comenta. Seu olhar frequentemente antecede o cenário. Foi também quem ajudou a consolidar uma cena que hoje ganha nova centralidade: o design colecionável, a peça única, a produção não replicável - práticas que tensionam o sistema industrial e introduzem outra medida de valor. Lella opera a partir do que não se repete. É aí que seu olhar ganha precisão - não pela novidade, mas pela consistência com que sustenta essa posição em um contexto saturado de repetição. Seu trabalho recoloca o design em uma dimensão mais estrutural: entre o que circula e o que permanece; entre sistema e gesto; entre discurso e consistência. Ao deslocar o foco das narrativas - sustentabilidade, luxo, raridade -, Lella recusa a ênfase no discurso. O valor, para ela, não está no que se declara, mas no que se sustenta. É desse lugar que sua visão opera: precisa, silenciosa, inevitável.

1. Hoje, o design se expande entre produção, coleção e experimentação - mas nem tudo permanece. O que, na sua visão, distingue o que tem valor do que apenas circula?

Para mim, o que distingue o que tem valor do que simplesmente circula é a intenção e a profundidade que existem por trás. Acredito que um projeto de design realmente tem valor quando consegue unir funcionalidade e significado, quando nasce de uma pesquisa autêntica - e não apenas do desejo de surpreender. O que permanece, no fim, é aquilo que consegue dialogar com o presente, mas também carregar uma visão de futuro.

2. O Salone Raritas sinaliza um interesse crescente pela raridade e pelo colecionável. Você vê isso como um deslocamento real do design - ou como uma resposta a um sistema saturado de repetição?

A história do objeto raro no design, no fundo, sempre existiu. O que muda são as intenções: de um lado, há a necessidade do autor, que escolhe conscientemente criar uma peça irrepetível; de outro, há os próprios materiais que, por sua natureza, limitam a produção. Quando o autor intervém diretamente em seu trabalho, cada gesto carrega uma pequena diferença - uma imperfeição viva. É isso que torna cada objeto único, nunca realmente igual a outro. Um papel fundamental foi - e ainda é - desempenhado por diversas galerias italianas e internacionais, que, com grande dedicação e pesquisa contínua, sustentam esse pensamento. Não apenas criam uma economia em torno da peça única, mas também ajudam o público a compreender seu valor, explicando as diferenças e o pensamento do autor. Ao longo do tempo, muitas empresas passaram a envolver autores acostumados a produzir peças únicas, transformando essa pesquisa em produção seriada. Nesse sentido, pode-se dizer que o objeto único teve um papel importante na evolução do design industrial. São duas realidades que não apenas coexistem, mas se alimentam mutuamente - a unicidade torna-se, assim, um impulso para a inovação. Com Raritas, o Salone del Mobile quis justamente dar espaço a essa dimensão do design, mais ligada à pesquisa, à raridade e ao colecionismo, dedicando a ela um pavilhão inteiro dentro da “catedral” do design industrial. É como se, finalmente, o objeto raro encontrasse seu reconhecimento oficial dentro do sistema do design contemporâneo.

3. O luxo, no design, deixou de ser visível e passou a depender de contexto e legitimidade. Isso tornou o valor mais preciso - ou mais instável?

O verdadeiro luxo hoje é aquele que tem sentido e identidade - não o que busca apenas se mostrar.

4. A sustentabilidade se tornou central no discurso dos novos talentos - muitas vezes como ponto de partida. Quando, na sua leitura, ela se sustenta como pensamento - e quando se reduz a narrativa?

A diferença, para mim, está na coerência. Quem realmente acredita na sustentabilidade precisa aplicá-la em todas as etapas: desde o início do projeto até a escolha dos materiais, do processo de produção à forma como o objeto é realizado. Mas não basta. É fundamental também sensibilizar o usuário final, conduzindo-o a compreender o valor e o uso consciente do objeto. A sustentabilidade não pode se limitar à comunicação.

Se o valor deixa de se afirmar no discurso e passa a depender do que se sustenta, o campo se expande. Milão aparece exatamente nesse ponto.

Milão 2026 - como ler a semana em vez de apenas percorrê-la

Percorrer Milão nunca foi difícil. Difícil é entender o que, de fato, está sendo proposto. Em 2026, essa diferença se acentua. A semana continua expansiva - talvez mais do que nunca. Mas o que muda não é o volume. É a natureza do que está em jogo. O Salone reforça um movimento já em curso: trazer a matéria de volta ao centro. Não como forma, mas como origem e construção de valor - um esforço de reancorar o design em algo mais estável, em um momento de excesso. Fora dos pavilhões, o Fuorisalone não responde - tensiona. Os distritos deixam de ser apenas território e passam a operar como hipóteses. Em Brera, o design aparece como processo contínuo - menos resultado, mais atitude. O projeto não se encerra no objeto; se estende nas relações que constrói. Porta Venezia desloca esse raciocínio: o design como ato. Não formal, mas posicional - uma prática que assume implicações. Em 5VIE, a discussão se afasta da materialidade evidente. O foco não é o que o objeto é, mas o que provoca. A experiência deixa de ser efeito e passa a ser campo. Tortona mantém o design em operação. Mesmo em instabilidade, insiste no projeto como ferramenta - não resposta final, mas mecanismo de continuidade. Em paralelo, outras frentes operam em outra frequência. Na BASE Milano, a escuridão desloca o design para um terreno menos controlado. Não há clareza imediata - a proposta é permanecer no não resolvido. Na Dropcity, o movimento se inverte: em vez de expandir, concentra. Torna visível o que normalmente permanece interno - processo, fabricação, método. Isolados, esses movimentos não formam um discurso único - mas também não são aleatórios. Há um esforço, ainda fragmentado, de recolocar o design em um lugar mais estrutural: menos linguagem, mais prática capaz de organizar relações, sustentar processos e definir contexto. Isso não aparece como afirmação. Aparece como ensaio. E talvez seja justamente aí que Milão se torna mais relevante este ano - não pelo que declara, mas pelo que testa.

É nessa escala - entre sistema e objeto - que o design deixa de responder ao contexto e passa a torná-lo visível.

Lucas Recchia - luminárias, SP-Arte 2026

O bronze como campo. A luz, como extensão da escultura. Na nova série de Lucas Recchia, a iluminação não se impõe - emerge. Difusa, indireta, por vezes quase ausente. Entre superfície e projeção, as peças deslocam a função e passam a operar como presença.

Quando a função perde centralidade no objeto, o que sustenta essa mudança já não está mais na forma - mas na maneira como o espaço passa a ser vivido.

O conforto deixa de ser intervalo - e passa a estruturar o cotidiano

Por muito tempo, o conforto ocupou um lugar secundário. Vinha depois - do esforço, da entrega, da produtividade. Um intervalo necessário, mas periférico. Esse lugar muda. Em The Big Picture on Comfort, a plataforma de pesquisa Nextatlas identifica um deslocamento estrutural: o conforto deixa de ser consequência e passa a ser aspiração. Não ajusta mais - orienta. Rotinas, espaços e decisões passam a se organizar a partir dele. Esse movimento aparece primeiro onde menos se esperava. Em Public Coziness (conforto no espaço público), o conforto deixa de ser doméstico e se expande para o coletivo. Ambientes incorporam qualidades antes restritas à casa - menos estímulo, mais permanência, mais silêncio. Cafés, bibliotecas e espaços de convivência deixam de ser passagem e passam a ser destino. Os dados acompanham essa mudança: +88% em espaços cotidianos, +74% em calor natural, +92% em pequenos rituais. Não é estética. É comportamento. Ao mesmo tempo, o conforto deixa de depender apenas do ambiente - ele se fragmenta. Em Dopamine Pills (micropráticas de regulação emocional), movimento identificado pela Nextatlas, surge em microescala: pequenas práticas que regulam humor, energia e presença. Não como exceção, mas como rotina. O relatório projeta crescimento de +14% nesse comportamento nos próximos 12 meses. Não são grandes decisões. São repetições. É nesse ponto que a lógica se explicita. Em Comfort as Built Practice (o conforto como prática construída), outro movimento mapeado pela Nextatlas, o conforto deixa de ser algo que acontece e passa a ser algo que se constrói. Isso se traduz em práticas concretas: a construção ativa de ambientes, a curadoria de estímulos, o uso da materialidade e da estética como suporte emocional. As categorias mais diretamente atravessadas por esse movimento incluem alimentação, cuidados pessoais e, de forma crescente, casa e interiores. É aqui que o deslocamento encontra o design. Não pela forma, mas pelo ambiente. Se o conforto organiza comportamento, passa a organizar também o espaço onde ele acontece. O ambiente deixa de ser cenário. Passa a atuar. A partir daí, o tema deixa de ser apenas cultural. Passa a ser estrutural.

Se o espaço passa a ser definido pelo que sustenta, o que está em jogo já não é programa - é posicionamento.

Espaço não é mais atração - é posicionamento

O ponto é direto: os espaços que vão definir a próxima década não são os mais flexíveis, mas os que têm clareza sobre o que são - e sobre quem reúnem. As fronteiras que antes organizavam o espaço físico - função, público e uso - perderam rigidez. Trabalho, cultura, comércio e convivência já coexistem no ambiente digital. Essa lógica agora atravessa o espaço físico. A flexibilidade deixa de ser diferencial. Torna-se condição. O que passa a importar é a escolha. Os espaços mais relevantes não apenas misturam usos - constroem convergências. Uma livraria que vende cerâmica. Uma loja de moda que promove encontros literários. A interseção se torna proposta - mas só se sustenta quando há critério. Sem isso, a mistura gera ruído, não relevância. Um exemplo é o Taichung Green Museumbrary, inaugurado em dezembro de 2025 e projetado pelo SANAA. O edifício de 58.000 m² reúne um museu de arte e uma biblioteca pública, que passam a compartilhar espaço e programação. As áreas se sobrepõem e incentivam usos cruzados. A convergência não é efeito. É decisão. Ao mesmo tempo, a distinção entre público e privado se dilui. Instituições cívicas incorporam lógicas comerciais. Espaços privados assumem funções sociais. Essa sobreposição deixa de ser exceção - passa a estruturar novos modelos. Nesse contexto, não é a flexibilidade que define relevância. É o posicionamento.

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- O estúdio francês Exercise decidiu bagunçar - no melhor sentido - as regras do jogo. Instalou quatro mesas de pingue-pongue em uma escola em Ingré, na França, mas esqueça o formato tradicional: são superfícies tortas, inclinadas, quase esculturas jogáveis. Foram pensadas para que os alunos questionem as regras e descubram, por conta própria, novas formas de jogar. Menos regra, mais deriva. Menos árbitro, mais experiência.

- Nessa mesma lógica de fluxo, o Spotify vem ajustando sua forma de aparecer. Em vez de interromper, ele começa a se infiltrar. Novos formatos - como anúncios em carrossel e playlists patrocinadas - fazem a publicidade deslizar junto com a escuta. A marca deixa de ser um corte e passa a ser camada. É menos sobre chamar atenção, mais sobre habitar o momento.

- E essa ideia não para no digital. Em Londres, o Spotify abriu uma listening room pensada para escutar de verdade. Um espaço onde som não é pano de fundo, é protagonista. A acústica, a arquitetura, tudo ali conspira para reduzir ruído e ampliar presença. Não é tecnologia pela tecnologia - é quase um ritual de escuta.

- Enquanto isso, a Amida olha para o espaço - literalmente - e transforma engenharia em estética. Seu novo Digitrend se inspira nos azulejos cerâmicos usados no ônibus espacial da NASA, feitos para suportar calor extremo. Aqui, o design não imita o espaço, ele traduz sua lógica: proteção vira forma, performance vira superfície. É um objeto que não parece futurista - ele funciona como tal.

- Já o Radio Time Machine, criado pela TBWA\HAKUHODO, usa IA para fazer o tempo ecoar. O sistema recria transmissões de rádio de anos específicos, misturando notícias e músicas da época. Mais do que tecnologia, é memória em movimento - um gatilho afetivo que ativa lembranças e cria conexão, especialmente em contextos de cuidado com idosos.

- E talvez tudo isso aponte para uma mesma direção. O projeto Future Schools, da National Academy of Design, propõe repensar a educação em arte e design como um sistema vivo. Em vez de separar sala de aula, acervo e exposição, tudo acontece junto, em trânsito. Aprender deixa de ser absorver conteúdo e passa a ser participar de um processo. Menos estrutura fixa, mais prática em fluxo.

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Shigeru Ban - cada vez mais atual

Há momentos em que a relevância de um arquiteto deixa de ser formal e passa a ser estrutural. 2026 é um deles. Ao receber a Gold Medal 2026 do American Institute of Architects - a mais alta distinção da disciplina - Shigeru Ban retorna ao centro do debate não por legado, mas por contraste. O reconhecimento sinaliza menos uma consagração e mais um deslocamento: a valorização de uma prática que combina invenção material, responsabilidade ambiental e impacto concreto. Ban sempre operou a partir de uma premissa incômoda: arquitetura não é discurso, é decisão. Sua exploração de materiais como papel e madeira nunca foi gesto estético, mas reconfiguração do sistema construtivo - leve, reversível, de baixo impacto e, sobretudo, viável. O ponto não está na materialidade, mas no que ela expõe. Em um cenário saturado por narrativas sustentáveis, ainda dependente de soluções convencionais, Ban evidencia a distância entre intenção e execução. Em entrevistas recentes, é direto: o problema não é a ausência de discurso ambiental, mas seu excesso - frequentemente reduzido a uma camada superficial de materiais “verdes”, sem alterar a lógica do projeto. Mais incisivo: a arquitetura perdeu apetite por risco. Tornou-se eficiente na forma, mas tímida na experimentação. O setor responde à pressão por desempenho com ajustes incrementais - certificações, otimizações, substituição de materiais - enquanto evita revisar seus próprios sistemas. Ban opera no nível anterior: o da estrutura, da lógica, da decisão que antecede a forma. Seus sistemas em papel não são exceção. São um reposicionamento do que se entende por permanência, custo e valor. Ao trabalhar com materiais recicláveis, acessíveis e de baixo carbono, desloca a sustentabilidade do campo narrativo para o operacional. É aqui que sua relevância se atualiza. Em um mercado onde sustentabilidade virou argumento e a inovação, muitas vezes, se limita à superfície, Ban funciona como medida - não pelo ineditismo, mas pela coerência entre intenção, técnica e impacto. Sua trajetória reforça esse ponto: projetos institucionais de alta complexidade coexistem com intervenções em zonas de desastre, por meio da Voluntary Architects’ Network, onde a arquitetura deixa de ser símbolo e volta a ser infraestrutura.Não se trata de romantismo. Trata-se de posição. Em 2026, Shigeru Ban não representa o futuro da arquitetura. Representa um desvio que o presente ainda não conseguiu acompanhar. E é precisamente por isso que importa

Se Ban expõe a distância entre discurso e decisão no nível do sistema, sua prática também revela como essa coerência se sustenta no detalhe - na forma de pensar, escolher e construir. É nesse ponto que a conversa avança.

Shigeru Ban - coerência como projeto

O primeiro projeto de Shigeru Ban que vi foi a Curtain Wall House, em Tóquio. Um gesto radical para 1995: uma casa onde a fachada deixa de ser limite e passa a ser escolha. Ali, havia algo raro - simplicidade sem concessão, transparência como estrutura, arquitetura pensada para um cliente específico, não para um repertório genérico. Uma elegância que não depende de excesso, mas de precisão. Anos depois, esse mesmo pensamento ganha outra escala. Em um momento em que a arquitetura oscila entre espetáculo e discurso, Ban permanece fiel a um princípio mais exigente: construir com coerência. Esta é uma entrevista exclusiva, que dá continuidade a essa leitura. Não para revisitar sua obra, mas para entender por que sua posição se torna ainda mais atual - e necessária.

1. A arquitetura ainda tem poder real de transformar o mundo - ou passou a depender das decisões políticas e econômicas que a cercam?
A maioria dos arquitetos ainda constrói para pessoas privilegiadas, como forma de expressar poder e dinheiro. Como poder e dinheiro não têm forma, eles usam os arquitetos para torná-los visíveis. É por isso que tento trabalhar em áreas de desastre, para ajudar quem não é privilegiado. Isso não significa que eu não tenha interesse em projetos icônicos, mas quero oferecer meu conhecimento e minhas habilidades para todos. Esse é o meu esforço, ainda que modesto, de transformar o mundo por meio da arquitetura.

2. O que materiais considerados “simples” ou “improváveis” revelam que a arquitetura tradicional ainda resiste em reconhecer?
Na arquitetura tradicional, a escolha dos materiais muitas vezes se baseia em razões muito superficiais. Em muitos casos, os arquitetos escolhem materiais como símbolos de riqueza ou apenas para criar impacto visual, seja pela forma ou pela cor. Eu uso todos os tipos de materiais como elementos estruturais. Não apenas madeira, concreto e aço, mas também materiais menos usuais, como tubos de papel, bambu, fibra de carbono e outros. São materiais comuns, que estão ao nosso redor. O que me interessa é encontrar uma forma diferente de utilizá-los. Materiais fracos são usados de acordo com suas limitações, assim como os materiais fortes; ao usar cada material de forma adequada às suas propriedades, minha arquitetura pode ser descrita como um design honesto.

3. Que tipo de poder a beleza ainda pode exercer em um tempo dominado pela urgência, eficiência e espetáculo?
Essa pergunta está muito ligada às anteriores. Como mencionei, não me interessa a beleza superficial. Meu foco está nos sistemas estruturais e na resolução de problemas.

4. O que a arquitetura contemporânea está deixando para o futuro - além dos edifícios?
Grande parte da arquitetura contemporânea não deixa nada para o futuro. Eu tento criar uma arquitetura que as pessoas amem. Uma arquitetura que é amada permanece para sempre, mesmo quando construída com os materiais mais frágeis.

O que Ban articula como posição individual já começa a se consolidar como lógica de mercado. A distância entre narrativa e operação deixa de ser crítica - e passa a ser risco.

O estoque existente virou o novo campo de valor da arquitetura

“O novo luxo da arquitetura não está no que se constrói do zero, mas no que permanece relevante. Em 2026, o estoque existente deixou de ser um passivo herdado e passou a ser um campo ativo de reposicionamento de valor.” É isso que está em jogo. Retrofit, reuso e qualidade ambiental passaram a determinar a viabilidade dos ativos imobiliários. O mercado não premia apenas o “verde”. Ele reprecifica qualidade, desempenho, carbono e capacidade de adaptação. O que está em curso não é uma agenda ambiental. É uma reprecificação estrutural do real estate. A consultoria global imobiliária JLL é direta: o risco de obsolescência acelerou, e a distância entre o que existe e o que o mercado exige continua crescendo. Nesse contexto, retrofit deixou de ser melhoria - tornou-se estratégia de valorização. Para mapear essa mudança, a JLL analisou 30 mercados e identificou onde a sustentabilidade já opera como vetor de valor. Cerca de 140 milhões de m² - aproximadamente 70% do estoque potencialmente obsoleto - configuram uma oportunidade direta de reposicionamento. Aqui, sustentabilidade deixa de ser atributo e passa a operar como lógica de valor. Isso não é pontual. Segundo o World Green Building Council, metade dos edifícios que existirão em 2050 já foi construída. Intervir nesse estoque não é alternativa - é condição para a descarbonização, com impacto direto no valor. Do lado do capital, o movimento já mudou de natureza. Cerca de 69% da atividade de investimento imobiliário já se concentra em mercados com alto potencial de valorização via sustentabilidade. E a pressão não vem só dos investidores, mas dos ocupantes. A JLL estima que 75% da demanda futura por escritórios e 65% dos espaços industriais e logísticos estarão vinculados a metas corporativas de redução de carbono.

Há ainda um fator imediato: energia.

Em muitos mercados, o custo de eletricidade já representa entre 4% e 26% do valor do aluguel. Eficiência deixa de ser diferencial - passa a ser condição de permanência. É aqui que o papel do imóvel se desloca. De passivo, passa a ativo energético - capaz de gerar, armazenar e gerir sua própria energia. Esse movimento já se traduz em decisões concretas. Em Nova York, a Deloitte transferiu cerca de 75 mil m² do 30 Rockefeller Plaza para uma torre no Hudson Yards, projetada para operar com emissão zero de carbono. Em Londres, já havia migrado sua operação para o 1 New Street Square. Não é imagem. É operação. O que esses movimentos tornam evidente é simples: não há mais espaço para ativos que não performam - e não há tempo para substituí-los. Por isso, o que já existe concentra valor. Durante décadas, o mercado se organizou em torno de localização, escala e assinatura. Agora, a lógica muda. O valor passa a depender da capacidade de adaptação ao tempo. É nesse ponto que o design muda de papel. Deixa de ser linguagem e passa a ser infraestrutura. O diferencial não está no que se mostra, mas no que sustenta. Projetar, hoje, é decidir o que continua - e o que deixa de existir.

Quando o valor se desloca da forma para a estrutura, a questão da autoria também muda de natureza. Não se trata mais de linguagem - mas de consistência de processo.

Nildo José para DonaFlor - coleção Amado

Esta semana, me detive nos desejos da coleção Amado, de Nildo José - arquiteto baiano radicado em São Paulo - para a DonaFlor Mobília. Há algo ali que escapa da brasilidade fácil - não está no gesto evidente, mas no que sustenta o desenho. A Bahia aparece, mas não como repertório pronto. Surge no clima, na forma como as peças convidam ao convívio, no uso de madeira, concreto e tecidos que levam ao exterior o conforto de dentro. “O que diferencia uma abordagem autoral de uma brasilidade genérica é a profundidade. A genérica recorre a signos fáceis. A autoral exige um olhar que nem sempre se revela de imediato, mas sustenta o projeto com verdade”, me disse. Amado não tenta explicar o Brasil. Parte dele. Aqui, a questão não é origem, mas critério. Ao observar o movimento da indústria em direção a arquitetos, Nildo aponta uma ambivalência: há ganho de repertório quando a visão espacial e construtiva se expande para o objeto - e há risco quando a autoria se reduz a estratégia. “No melhor cenário, amplia repertório. No pior, produz variações superficiais. O que define é a profundidade do processo.” No limite, não é uma discussão sobre estilo - mas sobre o que sustenta valor quando o design deixa de ser discurso.

Se o design passa a operar como infraestrutura de valor, o próprio conceito de humano - seu principal referencial - também entra em revisão.

O humano como construção - e não mais como dado

O New Museum reabre em Nova York, em meio à sua expansão, com New Humans: Memories of the Future. Não é apenas uma exposição - é um posicionamento institucional. A crítica tem sido clara: não se trata de uma mostra, mas de um manifesto curatorial. Com curadoria de Massimiliano Gioni e direção artística de Lauren Cornell, o projeto reúne mais de 150 artistas, entre escritores, cientistas, arquitetos e cineastas internacionais. Uma escala que se aproxima do excesso - quase um overload proposital. O ponto central não é o futuro, mas o que entendemos hoje como humano. Sob tecnologia, corpos híbridos e avatars, a mostra rejeita qualquer ideia de progresso linear. Em vez disso, mistura passado, presente e ficção em um mesmo campo. É assim que vem sendo lida: menos como exposição e mais como gesto institucional - em que o museu deixa de apenas refletir o presente para atuar ativamente na construção de pensamento crítico e letramento de futuro.

Nesse contexto, coerência deixa de ser atributo estético e passa a ser sistema. Algumas trajetórias já operavam assim antes mesmo dessa mudança se tornar explícita.

Karl Lagerfeld - o espaço como extensão do pensamento

Karl Lagerfeld nunca foi apenas um designer de moda. Era um sistema criativo em expansão contínua - fotografia, publishing, arquitetura, direção de imagem. Um pensamento que não se limitava ao produto, mas ao ambiente que o sustenta. Seu antigo escritório em Saint-Germain, agora transformado em residência pela plataforma de aluguel de luxo HIGHSTAY, revela isso com precisão. O espaço de vários andares foi convertido em uma acomodação de dois quartos - não como adaptação, mas como continuidade. Ali, arquitetura, mobiliário, objetos e atmosfera operam como linguagem única, entre o futurismo contido e a disciplina quase obsessiva do detalhe. Há algo mais relevante aqui do que a curiosidade de “poder se hospedar”. O que se preserva não é o lugar, mas a lógica. Um ambiente onde criação, vida e trabalho não se separam - porque nunca foram coisas distintas para ele. Lagerfeld era, de fato, um criador multidisciplinar. Mas o ponto não é a quantidade de áreas que atravessava. É a coerência entre elas. O que esse espaço revela, hoje, é simples: algumas mentes não envelhecem. Elas se tornam mais legíveis com o tempo. Coerência, aqui, não é estilo. É continuidade como valor.

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- A IKEA inaugura sua loja na Sardenha com um gesto curioso. Em Cagliari, a estátua do rei Carlo Felice - conhecida por apontar na direção errada há décadas - não foi alterada. O entorno foi. Novas figuras replicam o gesto e, discretamente, indicam o caminho certo. Há humor, claro. Mas também uma boa leitura de contexto. Em vez de corrigir o erro, a marca constrói sentido ao redor dele. Às vezes, o design não precisa intervir. Só reposicionar.

- A cama Lumo, assinada por Rodrigo Ohtake para a Zissou, parte de um gesto direto: a estrutura desaparece e o volume parece flutuar. Não como efeito, mas como intenção - separar o sono do ruído. Mais do que desenho, há uma ideia sendo testada. O objeto se desloca para a experiência, e o sono deixa de ser função para se tornar território de projeto.

- O luxo enfrenta um momento de inflexão. Segundo o UBS, o sentimento dos investidores atingiu o nível mais pessimista em anos, pressionado por instabilidade geopolítica, energia cara e queda na confiança do consumidor. Mais do que retração, há uma mudança de critério. Com as ações em queda, o capital se torna seletivo: migra para marcas resilientes, como Hermès e Ferrari, ou para aquelas em reestruturação como Kering e Burberry. O luxo não perde valor. Perde margem de tolerância.

- O conteúdo patrocinado não está desaparecendo - está perdendo função. Segundo análise recente do Business of Fashion, o modelo “pay-for-play” já não sustenta relevância como antes. O que muda não é o formato, mas o critério. Autoridade deixa de ser comprada e volta a ser construída - por meio de consistência, leitura cultural e mídia conquistada. Não é o fim do patrocínio. É o fim da sua eficácia como atalho.

- Takashi Murakami ganha uma grande retrospectiva na Art Gallery of New South Wales, em Sydney - menos pelo lugar, mais pelo momento. Um dos nomes mais influentes da arte contemporânea japonesa, Murakami construiu, com o “Superflat”, uma linguagem que dissolve fronteiras entre arte, consumo e cultura pop. O ponto não é a exposição em si, mas o que ela confirma. Murakami deixa de ser lido como fenômeno pop para ser consolidado como estrutura cultural. O que muitos leram como estética sempre foi construção.

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SXSW 2026 - a tecnologia deixou de ser o centro

O que Austin mostrou não foi inovação, mas uma mudança de foco: o impacto humano, cultural e econômico da tecnologia passou a guiar decisões.

Eu não estive em Austin este ano. Mas acompanhei o SXSW 2026 de perto - cruzando leituras de veículos consistentes, falas de quem de fato estrutura o debate e análises que ajudam a separar sinal de ruído. Não como cobertura. Como instrumento de decisão. Porque o SXSW, quando bem lido, não serve para mostrar novidade. Serve para indicar para onde o pensamento está se deslocando. E, desta vez, o deslocamento foi claro. O SXSW 2026 aconteceu entre 12 e 18 de março com uma mudança relevante: mais curto, descentralizado, espalhado pela cidade. Mais de 850 sessões, centenas de encontros, milhares de artistas e centenas de marcas ativando. Mas o ponto não está na escala. Está no foco. Pela primeira vez de forma consistente, o SXSW deixou de operar como vitrine de tecnologia e passou a discutir as consequências dessa tecnologia. Não foram “tendências”. Foi um ajuste de eixo. A tecnologia deixou de ser o assunto e passou a ser o contexto. O centro mudou: confiança, relação, decisão, cultura, comportamento. Isso aparece em tudo. Na inteligência artificial, o discurso saiu do fascínio técnico e entrou no impacto: trabalho, autoria, mediação de escolhas. Na creator economy, o papel mudou: de produção de conteúdo para infraestrutura de confiança. Nas relações humanas, a discussão deixou de ser “uso” e passou a ser vínculo - ou a falta dele. E, talvez mais importante, temas que estavam à margem voltaram ao centro: saúde mental, solidão, propósito, experiência coletiva. Não como pauta paralela. Como condição. O que está sendo redesenhado não é a tecnologia. É o comportamento sob influência dela. E isso muda completamente onde - e como - se toma decisão.

Sinais para tomada de decisão

Sem abstração.

→ Simplificação não é estética. É eficiência.
Complexidade virou custo - operacional, energético e cognitivo.

→ Gosto é posicionamento.
Quem não constrói percepção, compete por preço.

→ Espaços precisam gerar encontro.
Arquitetura que não cria conexão vira cenário - não experiência.

→ Wellness sem comunidade é produto. Não é sistema.
O valor está no vínculo, não na performance.

→ Artesania não é discurso. É diferenciação real.
É o que ainda cria relação em escala humana.

→ Marca que não constrói relação direta será mediada - e substituída.
Interfaces de IA tendem a decidir por você.

→ IA não elimina trabalho. Redefine valor.
Execução perde peso. Leitura, repertório e decisão ganham.

O SXSW 2026 deixou um recado que muita gente ainda está evitando encarar:

não é a tecnologia que está mudando o jogo -
é a perda de controle sobre como ela decide por nós.

E quem ainda opera como se estivesse no comando, provavelmente já não está.

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Marcos Batista - inovação sem humano não sustenta

Muitos me perguntaram qual foi o principal destaque da Expo Revestir. Não foi um produto. Foi uma fala. A palestra de Marcos Batista deslocou o debate para um território ainda pouco explorado no design: filosofia, consciência e o papel humano na inovação. Marcos, designer e pesquisador da chamada inovação humanizada no Brasil, traz uma leitura que me interessa há anos - porque não trata tecnologia como avanço, mas como responsabilidade. Essa entrevista acontece no momento certo. Mais do que novas ferramentas, estamos diante de uma mudança de paradigma: a tecnologia deixa de ser apenas meio e passa a reorganizar comportamento, decisão e relação.

1. Você afirma que o maior problema da inovação hoje talvez não seja tecnológico, mas filosófico - e até espiritual. Em um ecossistema que mede progresso por velocidade, escala e performance, o que se perde quando a dimensão humana deixa de ser o ponto de partida da inovação?

Quando a inovação deixa de colocar o ser humano acima das coisas, ela perde aquilo que justifica sua existência: sentido. Hoje medimos progresso por velocidade, escala e performance. Essas métricas mostram o que conseguimos produzir, mas dizem pouco sobre quem estamos nos tornando ao produzir. As empresas avançam tecnicamente, mas muitas estão afetivamente esvaziadas - funcionam, mas não geram pertencimento, não têm alma. Ao longo da história, a tecnologia ampliava a capacidade humana. Agora vemos um movimento inverso: pessoas sendo adaptadas para servir aos sistemas que criamos. Quando a dimensão humana deixa de ser o ponto de partida, não perdemos apenas ética - perdemos estrutura. Deixamos de questionar impacto e passamos a medir apenas o que é mensurável no curto prazo. A inovação deixa de servir à vida e passa a sustentar o próprio sistema. Eficiência passa a valer mais do que dignidade. O amor, que deveria ser vínculo, é substituído pelo desejo contínuo que alimenta o consumo. E a espiritualidade - não como religião, mas como sentido e responsabilidade - deixa de orientar o que fazemos. Sem consciência, a inovação perde direção. Sem propósito, perde sentido. Sem humanidade, perde dignidade. Sem amor, perde vínculo. Sem espiritualidade, perde a capacidade de lembrar por que tudo isso deveria existir. No livro Inovação Humanizada, defendo que antes do MVP precisamos desenvolver a Mínima Pessoa Viável - alguém capaz de evoluir por convicção, não por coerção. Porque quando a mente não evolui na mesma velocidade da tecnologia, a inovação avança, mas a humanidade retrocede.

2. Nos últimos anos, debates sobre tecnologia passaram a incluir solidão, ansiedade, crise de sentido e saúde psicológica. Ainda assim, esses problemas continuam crescendo. Estamos diante de um fracasso da inovação em lidar com as próprias consequências?

Estamos lidando com crises que nós mesmos cultivamos, e isso revela um déficit de consciência na inovação. Nunca tivemos tantas tecnologias voltadas à produtividade e à conexão e, ainda assim, crescem os índices de solidão, ansiedade e esgotamento. O paradoxo é evidente: inovamos em ferramentas, mas pouco em consciência. E inovação sem reflexão tende a ampliar os próprios problemas que tenta resolver. Criamos tecnologias para conectar pessoas e vivemos uma epidemia de solidão. Criamos sistemas para produzir mais e atingimos níveis históricos de esgotamento. Isso acontece porque raramente começamos pela pergunta essencial: que tipo de ser humano estamos formando com aquilo que criamos? Na Inovação Humanizada, a tecnologia não é rejeitada. Ela deixa de ser o centro e passa a ser instrumento. Até os anos 90, a overdose era visível, química, nomeada. Hoje ela é silenciosa - estímulo infinito, comparação constante, informação sem limite.

3. Quando o debate sobre o futuro se transforma em indústria, o que acontece com a capacidade real de transformação?

Quando o debate sobre o futuro se transforma em indústria, a inovação começa a se renovar no discurso, mas não na essência. Todos os anos surgem novos relatórios, novos termos, novas promessas. Muitas vezes, reembalamos as mesmas ideias com outra linguagem. Isso cria uma economia da expectativa - um mercado sustentado pela promessa contínua de futuro. Quando o futuro vira produto, tende a se transformar em entretenimento intelectual, não em transformação real. A transformação não acontece em relatórios nem em palcos. Ela acontece quando organizações têm coragem de rever valores, cultura e liderança. Sem essa mudança, podemos falar sobre o futuro por décadas sem alterar o presente. Existe muita empresa crescendo por fora e encolhendo por dentro. Além disso, atravessamos uma mudança mais profunda: tecnologias deixaram de ser apenas ferramentas e se tornaram sistemas ativos que aprendem e evoluem a partir de algo valioso, nós. Nosso comportamento, nossos dados, nosso tempo, nossa atenção. A pergunta é direta: essas estruturas estão interessadas no ser humano ou apenas nos números que ele gera?

4. Que tipo de evolução humana deveria acompanhar a evolução tecnológica?

A pergunta não é se a tecnologia está substituindo o ser humano. A pergunta é o que estamos deixando de exercer. A máquina pensa, sente e ama, ou somos nós que estamos deixando de pensar, sentir e amar? A tecnologia deixou de ser ferramenta e passou a atuar como infraestrutura cognitiva. Ela molda memória, atenção, criatividade e decisão. Se amplia poder, a evolução humana precisa ampliar consciência. O problema é que aceleramos a tecnologia mais rápido do que nossa capacidade de refletir sobre ela. Por isso, essa evolução precisa acontecer em três dimensões: intelectual, para compreender o impacto do que criamos; emocional, para lidar com o poder que temos; e espiritual, no sentido de reconectar o ser humano com propósito e sentido. Talvez a grande inovação do futuro não seja tecnológica. Seja a inovação do ser. Um ser humano que não mede progresso apenas pelo que produz, mas pelo que preserva de si ao produzir. Porque, no fim, a pergunta central permanece: não é o que somos capazes de criar - é quem estamos nos tornando ao criar.

Verner Panton - o erro do “atemporal”

Na minha pesquisa sobre o centenário de Verner Panton (1926–1998), me deparei com algo que não é exatamente um artigo. É um manifesto disfarçado de festa. Essa “festa” foi organizada pela plataforma For Scale, em parceria com a Louis Poulsen - produtora da Panthella lamp (1971). Enquanto o mercado celebra Panton com homenagens previsíveis, eles fizeram o oposto: uma ativação sensorial. Intervenções sobre a Panthella, textos no espaço e, no centro, cem aforismos que, no fundo, organizam uma tese. A tese é simples - e raramente tratada com rigor: cor, luz e forma não são escolhas estéticas. São operadores de experiência. Isso me interessa porque não é teoria. Eu vivi isso. Em Copenhague, ao visitar o Hotel Astoria - projetado por Panton nos anos 1960 - a percepção é imediata. Não é um espaço “bonito”. É um espaço que te atravessa. A cor não decora - envolve. A luz não ilumina - conduz. A forma não organiza - condiciona. Você não observa o ambiente. Você responde a ele. É daí que esse manifesto parte. Ele desmonta algumas ideias que o design ainda repete sem questionar. A primeira: cor como escolha estável. Não é. Cor é relacional - depende da luz, do entorno, do corpo. O “neutro” não é ausência de intenção. É construção cultural. Quando a cor deixa de ser paleta e passa a ser sistema perceptivo, o projeto muda de natureza. A segunda: o uso de “atemporal”. Aqui o texto é preciso - “timeless” é um conceito mal colocado. O que sustenta um objeto no tempo não é aparência neutra nem adesão a um suposto bom gosto universal. É capacidade de adaptação. Há o que nasce como tendência, o que nasce descartável e o que evolui - aquilo que muda de contexto sem perder identidade. Longevidade, então, não é permanência. É relevância contínua.

E é aqui que Panton deixa de ser estilo e volta a ser posição.

Ele costuma ser reduzido a uma estética psicodélica dos anos 1970. É pouco. O que define seu trabalho não é estilo - é postura. Ele recusava a neutralidade, questionava a hierarquia entre forma e emoção e tratava o espaço como experiência contínua. Não desenhava peças. Construía ambientes. É isso que sustenta sua obra. Não por ser “atemporal”, mas por não depender de tendência. A Panthella deixa isso evidente. À primeira vista, simples - mas é uma simplicidade construída. A luz é refletida, a base participa da emissão, a forma se resolve em um volume contínuo. Funciona ligada ou desligada, como presença ou ausência. E, sobretudo, aceita contexto. Atravessa décadas sem perder identidade. Muitos chamariam isso de clássico. Mais preciso: adaptável. E há um ponto que ainda é subestimado: a luz. Ela direciona o olhar, organiza o uso, altera comportamento. Um espaço sob outra luz é outro espaço. A iluminação não revela o projeto - decide se ele funciona. No fim, esse manifesto não propõe uma nova estética. Propõe uma mudança de leitura. Design não como forma visível, mas como sistema de relação entre corpo, espaço e percepção. Talvez por isso a frase mais honesta seja também a mais direta: design relevante não é o que parece bom - é o que continua funcionando quando o contexto muda. E é isso que Verner Panton entendeu antes de muitos.

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Essa semana, alguns lançamentos chegaram como aqueles gestos que não pedem explicação - apenas ocupam espaço. Há um ponto em comum entre eles: não é sobre forma isolada, mas sobre uso, presença e construção de atmosfera. São peças que resolvem - e permanecem.

Pra Perto do Sol - Juliana Pippi para DonaFlor Mobília
Coleção que traduz leveza sem perder desempenho. Madeira Tauari, tecidos técnicos e desenho versátil que transita entre interno e externo. Peças nomeadas por praias, conectando memória, uso e materialidade.

Perron Pillo Lounge - Willo Perron para Knoll (MillerKnoll)
Poltrona que parte da ideia de almofadas sobrepostas para criar um conforto imersivo. Estrutura precisa, apesar da aparência informal. Versão fixa ou giratória - pensada para conversas e permanência.

Tresor Single Enrico Tonucci e Viola Tonucci para Oscarmachera
Baú em madeira de bétula revestido em couro integral, com desenho essencial e abertura transversal que redefine o volume. Funciona como assento, mesa baixa ou armazenamento - objeto que equilibra função e presença.

Kay Healy - nada é lixo

Em um momento de reconfiguração cultural em Filadélfia, a exposição Don’t Trash a Good Thing, de Kay Healy, inaugura a reativação do Village of Industry and Art (VIA) - um edifício carregado de história, que já foi sede da University of the Arts. Mas o que atravessa não é o contexto. É a obra. Há uma delicadeza incomum no gesto de Healy. Seus trabalhos - construídos a partir de tecidos, objetos descartados e memórias reconstruídas - não operam pela estética do impacto, mas pela insistência silenciosa. São formas que parecem frágeis, mas carregam densidade emocional e política. Críticos e curadores apontam sua prática como um campo entre memória e materialidade: o lixo deixa de ser resíduo e passa a ser linguagem. Cada peça é, ao mesmo tempo, arquivo e reconstrução - uma tentativa de dar forma ao que foi perdido, individual e coletivamente. A instalação central, Pile, sintetiza isso. Um acúmulo denso, quase caótico, que traduz a sobrecarga sensorial e emocional dos últimos anos - pandemia, colapso institucional, ruptura. Não como denúncia direta, mas como experiência. Há algo de novo ali - não no vocabulário, mas na intenção. Um trabalho que não busca parecer contemporâneo, mas que é inevitavelmente atual porque nasce de um lugar verdadeiro. E isso se percebe antes de qualquer discurso.

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- O Brasil perde um de seus designers mais importantes. Eu perco um amigo. Morreu ontem, aos 80 anos, Oswaldo Mellone - uma trajetória marcada por rigor, pensamento e uma relação direta com o fazer. Em novembro, o recebi aqui para uma conversa. Ficou uma ideia que sintetiza sua visão - e talvez seu legado: desenhar não é ferramenta, é pensamento. Mudam os meios, não o ato. Mellone entendia o design como construção contínua entre mão e ideia - onde o designer e o engenheiro seguem lado a lado, e a imaginação ainda começa no gesto.

- Amanhã, o World Hope Forum apresenta a edição World Hope Heroes, com curadoria de Lidewij Edelkoort e Philip Fimmano. O encontro reúne vozes que vêm reconfigurando práticas e visões de futuro, em um momento em que esperança deixa de ser discurso e passa a ser construção. Online e gratuito. Inscrição aqui.

- O acordo entre Mercosul e União Europeia avança - e, com ele, a indústria moveleira brasileira entra em um novo ciclo de exigência. Mais acesso vem acompanhado de critérios técnicos mais rigorosos: rastreabilidade, diligência e conformidade ambiental, com destaque para a EUDR. Nesse contexto, a ABIMOVEL promove o webinar “O setor moveleiro brasileiro diante das novas regras da União Europeia”, com Welber Barral. Inscrição aqui.

- O New Museum reabre hoje, 21 de março, após dois anos, apresentando sua expansão projetada pelo OMA - uma ampliação que quase dobra sua área, agora com cerca de 11.150 m². A reabertura ativa o edifício com obras comissionadas de Tschabalala Self, Klára Hosnedlová e Sarah Lucas, integradas à arquitetura. Em paralelo, a exposição “Novos Humanos: Memórias do Futuro” reforça o eixo da instituição: arte contemporânea como campo de experimentação e leitura do presente.

- A Finlândia segue como o país mais feliz do mundo pelo 9º ano consecutivo, segundo o World Happiness Report. O resultado não está em renda, mas em estrutura: confiança social, apoio coletivo, liberdade e qualidade de vida consistente. O Brasil aparece na 36ª posição - avanço recente, mas ainda distante do topo. Felicidade, aqui, não é emoção. É sistema.

- O Google apresenta o Stitch e introduz o conceito de “vibe design” - uma forma mais intuitiva de começar um projeto. A proposta é simples: a partir de uma descrição ou imagem, a IA gera interfaces completas, já com estrutura e código funcional, encurtando o caminho entre ideia e execução. Na prática, o início do design deixa de ser desenho e passa a ser direcionamento - uma mudança que pode transformar a forma como pensamos processos criativos. Ao mesmo tempo, essa abordagem levanta questões já conhecidas sobre autoria e originalidade. Embora acelere o trabalho inicial, a responsabilidade por moldar o resultado final ainda recai sobre o usuário.

- Uma investigação da Reuters reacendeu o debate sobre a identidade de Banksy, apontando novamente para o nome já especulado há anos, Robin Gunningham. A repercussão foi imediata - e, em alguns casos, precipitada: veículos chegaram a associar a revelação a outras identidades, expondo o risco recorrente de erro quando a urgência supera a verificação. No centro da discussão está menos o nome e mais o método: até que ponto revelar importa - e a quem serve. Desvendar pode informar. Mas também pode distorcer.

- A galeria A Gentil Carioca chega a Roma em colaboração com a rhinoceros gallery com O tempo que mora em mim, primeira individual do artista Miguel Afa na Itália. Desenvolvida durante residência na cidade, a mostra articula pintura, memória e território, conectando Rio e Roma em uma mesma construção afetiva do tempo. Mais do que exposição, é um deslocamento: o Brasil não aparece como origem - mas como linguagem em trânsito.

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Design como infraestrutura de valor

Há algum tempo venho voltando a uma pergunta que atravessa esta edição: o que realmente produz valor no design hoje? Não falo de estilo ou tendência. Falo de estrutura. Nos últimos anos, pesquisas em economia urbana, engenharia e planejamento têm apontado na mesma direção: decisões de arquitetura e design operam muito além da forma - influenciam diretamente o valor econômico e urbano dos projetos. Um levantamento citado pela Berlin School of Economics indica que edifícios com arquitetura distintiva podem alcançar até 15% de valorização adicional no mercado imobiliário. Não se trata apenas de estética, mas de identidade, percepção e permanência. Outro ponto aparece nas análises sobre o ciclo de vida da construção. Pesquisas publicadas no Journal of Building Engineering e em periódicos indexados pela ScienceDirect mostram que a maior capacidade de gerar valor em um empreendimento ocorre na fase de projeto, quando decisões sobre implantação, materialidade e experiência ainda podem redefinir o desempenho do ativo por décadas. Depois que a obra começa, essa margem de transformação diminui drasticamente. Ao mesmo tempo, cresce a compreensão de que o valor do design não é apenas financeiro. Relatórios do Design Council UK indicam que empresas que incorporam design de forma estratégica apresentam crescimento mais consistente e maior capacidade de inovação. No campo da gestão, a consultoria McKinsey chegou a conclusão semelhante no relatório The Business Value of Design, mostrando que empresas que colocam design no centro das decisões estratégicas tendem a superar concorrentes em desempenho financeiro. É nesse contexto que alguns pesquisadores passaram a falar em design capital. No livro Design Capital: The Hidden Value of Design in Infrastructure, publicado pela Routledge, as arquitetas Annalisa Meyboom e Sherry McKay defendem que decisões de projeto criam um capital invisível que estrutura valor ao longo do tempo - muitas vezes muito além do custo inicial da obra. Essa mudança ajuda a iluminar duas conversas que aparecem nesta edição: a visão de Marcel Wanders sobre o papel cultural do design e o anúncio do novo vencedor do Prêmio Pritzker. Ambos, de maneiras diferentes, apontam para a mesma direção. Quando bem concebido, o design deixa de operar apenas como linguagem. Passa a estruturar valor - econômico, urbano e cultural. É a partir dessa perspectiva que leio os acontecimentos desta semana no design e na arquitetura.

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Marcel Wanders - O valor cultural do design

Há designers que resolvem problemas. Marcel Wanders prefere criar mundos. Art director, criador de marcas e, na minha leitura, um dos designers mais influentes da virada do século XXI, ele reintroduziu ornamento, narrativa e emoção em um campo que passou décadas preso ao dogma funcionalista. Para Wanders, design não é apenas solução técnica - é expressão cultural. Ele sustenta algo que considero central: a autoria criativa é um ativo, cultural e econômico. Sua influência ultrapassa o objeto e molda a forma como marcas de design constroem desejo. Contra a neutralidade e o “menos é mais” como regra universal, propõe um barroco contemporâneo onde significado, humor e imaginação têm lugar legítimo. Recebê-lo aqui é uma honra.

1. Seu trabalho cria mundos sensoriais intensos. Onde está a linha entre experiência e excesso - entre o ornamento como ruído e o ornamento como cuidado?

No meu trabalho, a linha entre experiência e excesso é ao mesmo tempo delicada e profunda. A ornamentação deve sempre servir a um propósito; trata-se de criar uma conexão emocional, e não simplesmente acrescentar decoração. O ornamento como cuidado amplia a narrativa de um espaço, convidando as pessoas a envolverem seus sentidos. Já o ornamento como ruído prejudica essa experiência, sobrecarregando em vez de enriquecer. O desafio está em equilibrar essas duas dimensões, criando ambientes que sejam exuberantes, mas significativos - convidativos, sem se tornarem caóticos.

2. A Moooi mostrou que narrativa e identidade podem ser motores de valor econômico. No contexto atual, ser uma “marca cultural” ainda é uma vantagem competitiva - ou um risco difícil de escalar?

No mercado atual, ser uma marca cultural é, de fato, uma faca de dois gumes. Pode ser uma vantagem competitiva significativa, pois permite conexões mais profundas com consumidores que buscam autenticidade e narrativa. No entanto, essa identidade precisa ser administrada com cuidado. Escalar uma marca cultural pode trazer desafios, já que a essência que a torna única pode se diluir na busca por mercados mais amplos. As marcas precisam permanecer fiéis aos seus valores centrais, ao mesmo tempo em que evoluem para responder a novas demandas.

3. As marcas clássicas de mobiliário foram estruturadas em torno de um ideal de casa grande, permanente e simbólica. A Geração Z - mais móvel e menos orientada por status - ainda deseja esse modelo? Ou estamos diante de uma ruptura no modo de habitar que essas marcas ainda não compreenderam?

A Geração Z representa uma mudança em direção a estilos de vida e valores mais fluidos. Seu desejo por mobilidade e autenticidade sugere um afastamento do conceito tradicional de uma casa grande e simbólica. Em vez de status, eles buscam experiências e conexões. Essa mudança geracional apresenta uma oportunidade para que as marcas se adaptem e inovem. Precisamos entender que a casa pode ser um espaço dinâmico, que reflete a identidade pessoal, e não expectativas sociais.

4. Designers de interiores brasileiros têm uma relação quase emocional com a Moooi - visitar a instalação da marca durante a Milano Design Week tornou-se um ritual. A que você atribui esse entusiasmo brasileiro? E como você vê essa conexão se traduzindo - ou não - em um mercado comercial forte, além do posicionamento institucional da marca?

A relação emocional que designers brasileiros têm com a Moooi nasce de uma paixão compartilhada por criatividade e inovação. Nossas instalações durante a Milano Design Week dialogam com a cultura vibrante e o espírito artístico do Brasil, criando um senso de comunidade e celebração. Esse entusiasmo certamente pode se traduzir em um mercado comercial forte, porque a conexão vai além da estética; trata-se de valores compartilhados e de um espírito colaborativo. Marcas que cultivam essa relação encontrarão ricas oportunidades de crescimento.

Smiljan Radić vence o Prêmio Pritzker 2026

Na última quinta-feira, após alguns dias de adiamento, foi anunciado o vencedor do Pritzker Architecture Prize 2026: o arquiteto chileno Smiljan Radić. Nascido em Santiago em 1965, Radić dirige desde 1995 o escritório Smiljan Radić Clarke Architects e desenvolveu uma prática marcada por experimentação material, relação sensível com o lugar e projetos que frequentemente escapam a classificações formais convencionais. No comunicado oficial, o júri destacou que sua obra se situa “no cruzamento entre incerteza, experimentação material e memória cultural”, reconhecendo uma arquitetura que prefere a ambiguidade à afirmação de certezas absolutas. Segundo o prêmio, seus projetos investigam a percepção espacial e o contexto geográfico e cultural de cada lugar, explorando materiais e relações com a paisagem e com a história. O júri também apontou a capacidade do arquiteto de articular aparentes opostos - combinando o industrial e o artesanal, o natural e o artificial, o permanente e o temporário - e de criar espaços descritos como “empáticos e protetores”, voltados à experiência humana. Radić torna-se assim o vencedor do Prêmio Pritzker 2026, a maior premiação na área de arquitetura, concedida a arquitetos cuja obra construída demonstre contribuição significativa para a humanidade e para o ambiente construído.

Essa semana fiquei particularmente encantada com as peças que o designer francês Ferréol Babin apresenta na exposição In a Landscape, na galeria Friedman Benda, em Nova York. Babin trabalha a madeira das florestas próximas ao seu ateliê no interior da França - talhando, lixando, pintando. A pintura entra como gesto intuitivo, quase como paisagem traduzida em objeto. Entre mobiliário e escultura, suas peças revelam algo raro no design atual: processo visível, materialidade viva e uma beleza que nasce da mão. Desejos imediatos.

A geração que precisa se aposentar antes de trabalhar

Fiquei sabendo de um “retiro para jovens aposentados” na Malásia - destinado a pessoas com menos de 30 anos. O lugar se chama Namshan Wellness, em Gopeng, no estado de Perak. A ideia partiu de um jovem empreendedor de cerca de 26 anos, filho de uma família que administra casas de repouso para idosos, que decidiu adaptar esse modelo para sua própria geração. O lugar oferece silêncio, rotina desacelerada, comida simples, jardinagem e caminhadas. A proposta é que jovens exaustos do ritmo de trabalho atual possam passar algumas semanas sem produzir nada. À primeira vista parece apenas curioso. Mas olhando com atenção, revela algo mais profundo. Quando arquitetura e hospitalidade passam a oferecer refúgios psicológicos para quem ainda nem chegou à metade da vida profissional, talvez o problema não seja o cansaço - mas o modelo de vida que o produz.

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- A Christie’s apresentou um novo rostrum - o púlpito de onde os leiloeiros conduzem as vendas - redesenhado por Jony Ive e o coletivo LoveFrom, em colaboração com os artesãos da Benchmark. Produzido em carvalho de origem sustentável para marcar os 260 anos da casa de leilões, o móvel substitui o modelo inspirado no desenho do século XVIII de Thomas Chippendale - elevando literalmente a figura do leiloeiro e a dramaturgia do leilão.

- O Metropolitan Museum of Art colocou online cerca de 140 obras de seu acervo em modelos 3D interativos, que podem ser girados, ampliados e, em muitos casos, baixados em licença pública CC0. A iniciativa amplia o programa de acesso aberto do museu e transforma a digitalização em nova forma de mediação cultural - menos contemplativa, mais tátil, mais investigativa.

- A Chupa Chups lançou o “Final Boss Lollipop”, um pirulito embalado com materiais industriais quase impossíveis de abrir. A graça está justamente no obstáculo: transformar o pequeno “problema” clássico de desembrulhar o doce em desafio deliberado. A marca converte uma frustração cotidiana em narrativa lúdica - um exemplo simples de como o design pode pegar um atrito e transformá-lo em experiência.

- A Chanel transformou o Grand Palais em um canteiro de obras para o desfile FW26, com enormes guindastes coloridos dominando a cenografia criada pelo estúdio Bureau Betak. A instalação materializa a ideia de “construção” da nova linguagem da maison sob direção de Matthieu Blazy: moda como processo contínuo de construir e desconstruir. Mais do que cenário, a estrutura funcionou como narrativa arquitetônica para a coleção.

- A Galeria Teo inaugura em 26 de março a exposição Encontros Insólitos, que aproxima o mobiliário moderno brasileiro da produção escultórica em cerâmica e ferro de Célia Cymbalista. A mostra propõe um diálogo entre desenho, matéria e gesto, revelando afinidades inesperadas entre a racionalidade do design moderno e a expressividade manual da artista.

- Kelly Wearstler apresenta Timbra, seu primeiro piano, criado com o ateliê britânico Edelweiss. Produzido artesanalmente em Cambridge em lâminas sobrepostas de madeira bétula, o instrumento assume forma escultural inspirada no movimento das ondas sonoras. Desenvolvido com modelagem CAD e usinagem CNC, combina estrutura em aço patenteada e tampo harmônico em spruce Sitka. Wearstler buscou um objeto que fosse escultura antes de piano - sem comprometer a acústica.

- Formafantasma criou o cenário do desfile outono/inverno 2026 da Marni, “Dioramas da Vida Cotidiana”, em colaboração com a diretora criativa Meryll Rogge. O espaço era formado por superfícies espelhadas pintadas à mão com fragmentos de cenas comuns - uma porta de carro, uma cadeira de escritório, restos de comida sobre a mesa. No centro, a passarela surgia como um grande capacho. Moda, design e arquitetura convergem para observar o banal como paisagem contemporânea.

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Sagrada Família - O Tempo como Arquitetura

A Basílica da Sagrada Família, em Barcelona, está prestes a atingir um marco histórico que poucos edifícios na história da arquitetura alcançam. Após mais de 140 anos de construção, a obra projetada por Antoni Gaudí entrou na sua fase final com a colocação dos elementos que elevam a torre central, dedicada a Jesus Cristo, à sua altura definitiva de 172,5 metros, tornando-a oficialmente a igreja mais alta do mundo - um feito registrado em 20 de fevereiro de 2026 com a instalação da última peça da cruz no topo da torre. O templo começou a ser edificado em 1882 e passou por interrupções dramáticas, como a morte de Gaudí em 1926, a destruição dos planos originais durante a Guerra Civil Espanhola e, mais recentemente, a paralisação provocada pela pandemia. A previsão oficial de inauguração da torre principal está marcada para 10 de junho de 2026, data que coincide com o centenário da morte de Gaudí e será comemorada com eventos especiais, incluindo a presença esperada do Papa Leo XIV. Apesar da celebração pela conclusão da estrutura principal, a Sagrada Família ainda não estará totalmente finalizada. Trabalhos internos, esculturas e detalhes decorativos continuarão ao longo dos próximos anos, com previsão de conclusão completa estendida por mais uma década. Essa longa jornada de construção - financiada majoritariamente por doações e receitas de visitantes - transformou a Sagrada Família em um símbolo global de perseverança arquitetônica. Ao longo de quase um século e meio, ela reconfigurou o skyline de Barcelona e consolidou uma ideia rara na arquitetura contemporânea: que o tempo, a intenção e a imaginação podem ser tão essenciais quanto a pedra e o concreto que erguem seus pilares.

Isay Weinfeld - A Forma da Independência

Conheço Isay há mais de vinte anos. Ele atravessou minhas redações, entrevistas e plataformas - sempre presente, sempre coerente. É isso que mais admiro nele. Isay integra opostos, recusa regras fixas e sustenta a independência como forma refinada de elegância. Há consistência entre sua arquitetura, o design, as artes visuais, o cinema e sua visão de vida. Em um momento em que a arquitetura internacional oscila entre espetáculo e neutralidade corporativa, Isay permanece fiel a uma ideia mais rara: independência. O arquiteto que diz não saber desenhar projeta com sensibilidade e entendimento profundo de proporção, materialidade e atmosfera. Seu trabalho privilegia bem-estar, permanência, convívio e uma relação respeitosa entre edifício e cidade. Não por acaso, rejeita o rótulo de arquiteto do luxo. Para Isay, luxo é experiência íntima e liberdade individual, não status ou padronização - o valor está na autonomia de escolha, não na etiqueta. “É não dever nada a ninguém”, escreveu certa vez. Mais do que uma ideia, é uma postura.

1. Arquitetos raramente participam do processo político. A arquitetura perdeu influência - ou abriu mão dela?
Acredito que a arquitetura é um importante fator de transformação social, e me deixa feliz ver bons arquitetos voltando a ter lugar nos projetos de habitação social, por exemplo.

2. A repetição tornou-se um atalho confortável - muitas vezes legitimado como linguagem autoral. Onde termina a coerência - e começa o risco de se copiar a si mesmo?
Pra mim, a graça é justamente poder dar a cada projeto uma resposta diferente. Pois, se para cada projeto o cliente, o terreno, o programa etc. mudam, é natural que o projeto/solução seja diferente também.

3. O Brasil já produziu uma arquitetura que não seguia o mundo - influenciava. Hoje, parece mais dispersa. O que ainda é exclusivamente brasileiro na arquitetura produzida aqui - e o que se perdeu?
Acho que a arquitetura brasileira tem uma materialidade e um jeito de integrar interior-exterior muito próprios.

4. A forma como a arquitetura é ensinada inevitavelmente define a arquitetura que será construída. Hoje, estamos formando arquitetos para preservar o mundo - ou para transformá-lo?
Não vivo o ambiente acadêmico o suficiente para responder com propriedade, mas sinto as novas gerações como um todo - não só arquitetos - mais engajados, conscientes.

Isay Weinfeld - A Forma da Independência (Parte II)

Na minha visita à abertura de Etcétera, no Instituto Tomie Ohtake, ficou claro que não se trata de uma retrospectiva. É a exposição de um modo de pensar. Ao celebrar 50 anos de trajetória, Isay Weinfeld não organiza sua obra por fases ou por estilos. Organiza por atitude. A arquitetura não ocupa um lugar isolado nem hierarquicamente superior. Divide espaço com filmes, joias, mobiliário, textos, fotografias. Como sempre foi. Curada por Agnaldo Farias, a mostra evita o formato previsível da arquitetura - a sequência de plantas, cortes e maquetes como comprovação técnica. Ainda que esses elementos estejam presentes, não são protagonistas. O visitante não percorre uma linha do tempo. Percorre um raciocínio. A identidade gráfica, assinada por Giovanni Bianco, reforça essa ideia de continuidade entre linguagens, enquanto o catálogo, com fotografias de Bob Wolfenson, amplia a leitura - não documenta apenas, interpreta. Cerca de 180 itens ocupam as duas salas expositivas. Maquetes produzidas especialmente para a ocasião subvertem a lógica tradicional da miniatura arquitetônica. Em um dos gestos mais contundentes, um cubo branco revela, em um de seus vértices, o interior de um apartamento projetado por Isay, como se o espaço tivesse sido escavado da matéria. Não é representação. É experiência condensada. Em outra parede, sete escadas - recorrentes em sua obra - aparecem quase como esculturas. Funcionais, mas também coreográficas. Ritmo e movimento, mais do que forma. A arquitetura se aproxima do cinema e da música, como o próprio Agnaldo observa ao lembrar que, na hierarquia íntima de Isay, essas linguagens vêm antes do desenho. Essa relação aparece também na série IW Filmes (2013–2025), composta por 34 curtas dedicados a obras do escritório, cada um estruturado a partir de uma música escolhida por ele. Arquitetura como edição. Espaço como montagem. Há ainda deslocamentos simbólicos: o berço e o caixão desenhados pelo arquiteto, colocados em tensão; o mobiliário do McDonald’s reinterpretado com humor; a Farmacinha modular para a Dpot; as fotografias urbanas que deram origem ao livro ISAY W. Nada soa como projeto paralelo. Tudo pertence ao mesmo pensamento. O percurso traça um panorama desde 1973, quando abriu seu primeiro escritório, e inclui projetos emblemáticos como os hotéis Fasano, a Casa Cubo e os edifícios em Manhattan - tornando-o o primeiro arquiteto brasileiro desde Oscar Niemeyer a assinar construções em Nova Iorque. Mas o que permanece após a visita não é a soma das obras. É a coerência. Em um momento em que a arquitetura internacional oscila entre espetáculo e neutralidade corporativa, Isay segue fiel a uma prática sem linguagem fixa, mas com postura clara. A exposição não celebra um estilo. Afirma uma liberdade. E talvez seja esse o verdadeiro sentido do título Etcétera: quando a imaginação é livre, ela nunca se encerra numa categoria.

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A 24ª. Expo Revestir começa na próxima terça-feira com mais de 300 participantes. Selecionei quatro marcas que merecem atenção. A Forme Design Brasil apresenta “Tributo”, coleção assinada pela Pininfarina, no stand DFV. A Pedras Mundial coloca a pedra como protagonista absoluta do espaço. A Triângulo Pisos lança a Studio Roggen. Já a Weiku cria uma residência contemporânea para demonstrar como suas esquadrias automatizadas impactam diretamente o conforto térmico e acústico.

Aos 70 anos, Docol amplia presença estratégica em São Paulo

A Docol inaugura novo showroom na Alameda Gabriel Monteiro da Silva, em São Paulo, como parte da estratégia de expansão no Sudeste. No ano em que celebra 70 anos, a marca inicia esse novo ciclo com um espaço de 2.000 m² - quase quatro vezes maior que o anterior - reunindo metais, louças e soluções em inox das marcas Docol e Mekal. “Estamos caminhando para nos consolidar como uma empresa com liderança em design, chancelada por mais de 50 prêmios nacionais e internacionais”, afirma Sabrina Hoffmann, gerente de Branding e Comunicação. Segundo ela, a comunicação acompanha a evolução do portfólio: “Relacionamento, comunicação e portfólio precisam estar interligados e chegar ao público de forma única e coerente”. Concebido como experiência e ponto de relacionamento com arquitetos - público prioritário da marca - o espaço reforça essa estratégia. Hoje, a Docol conta com 17 especificadores espalhados pelo Brasil, dedicados ao atendimento e apoio técnico aos profissionais. “Entendemos que o profissional dita a linguagem do produto e o ritmo do negócio.” O showroom também materializa o território de wellness que a marca vem consolidando. Entre as tecnologias apresentadas estão a água com ozônio e a aplicação de microbolhas em banheiras. “Será que isso é um banho ou um skincare? É um caminho completo para o bem-estar”, diz Sabrina. O projeto arquitetônico é assinado pelo escritório AR Arquitetos (Marina Acayaba e Juan Pablo Rosenberg), com luminotécnica de Rafael Leão e paisagismo de Flávia Tiraboschi. A água permanece como elemento central da narrativa da marca. Essa movimentação dialoga com o recém-lançado Dossiê de Tendências Docol 2026, que sistematiza a visão da empresa sobre comportamento, arquitetura e bem-estar - ampliando o showroom de espaço físico para plataforma de posicionamento.

Marcas feitas para durar não dependem de campanha. Dependem de alinhamento entre produto, posicionamento e presença.

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A semana movimenta São Paulo com uma agenda intensa. Fiz uma seleção criteriosa para quem observa onde o design estrutura valor, relevância e posicionamento.

📍Radar Contemporânea - último dia hoje - Palacete Stahl, Higienópolis
Mostra coletiva com obras em diferentes suportes de 60 artistas, com curadoria de Renato De Cara.

📍DW! Semana de Design - até dia 22 - 150 locais
A 15ª edição propõe o tema Legado Criativo, refletindo sobre tempo, trajetória e construção de memória no universo do arqdesign, em programação distribuída pela cidade.

📍Ornare - até 12 - Alameda Gabriel, 1101
A marca apresenta Casulo: Formas de Habitar, série de talks que propõe pensar o morar para além do espaço físico, conectando arquitetura, design, cultura, luxo e bem-estar.

📍Vallvé - até dia 14 - Alameda Gabriel, 1291
Lançamento da coleção Relíquia, com 17 peças para banheiro, desenvolvidas em parceria com o Estúdio Orth, explorando materialidade e desenho contemporâneo.

📍ESTAR Móveis - até dia 14 - Alameda Gabriel, 1080
Curadoria de Fernando Velázquez & Lucas Bambozzi (MOOLA). Em Mutualismos, a exposição investiga redes de interdependência entre matéria, energia, tecnologia e ambiente, por meio de instalações, vídeos, pinturas e dispositivos sonoros.

📍Breton - até 14 - Alameda Gabriel, 820
Lançamento da nova coleção e do showroom da flagship na Gabriel. Um encontro dedicado à apresentação dos lançamentos de Luisa Moysès, Bruno Niz e Victor Vasconcelos, além de novos acabamentos e soluções que passam a integrar o portfólio da marca.

📍Donatelli - até 14 - Alameda Gabriel, 2113
A Donatelli Tecidos apresenta A Floresta de Cabeça para Baixo, coleção assinada pela artista goiana Fabiana Queiroga. Composta por seis padrões inéditos, a série transforma território, memória e arte em linguagem têxtil.

📍Dua.dsg & Una Ambientes - até 15 - Rua Cônego Eugênio Leite, 1145
As marcas participam da Mostra Impermanência, nos sobrados da Galeria F28. A exposição reúne cerca de 60 criadores e se consolida como uma das principais vitrines do design autoral contemporâneo, ao propor reflexões sobre processo, transformação e permanência.

📍Galeria Vila Nova - até 22 - Rua Domingos Fernandes, 740
Programação organizada por Sergio Zobaran e Beto Riginik reúne peças assinadas e processos criativos com obras em exposição e venda por seus autores. Inclui visitas guiadas ao “Apartamento do Colecionador” (dias 13, 20 e 21/3, às 10h30 e 16h30), além de rodas de conversa e pocket shows. Um mergulho na arquitetura e no design em um edifício dos anos 1960 em processo de revitalização.

📍Etcétera - até 17 de maio - Instituto Tomie Ohtake
50 anos de trajetória de Isay Weinfeld. Com curadoria de Agnaldo Farias, identidade gráfica de Giovanni Bianco e catálogo com fotografias de Bob Wolfenson, a mostra não se organiza como retrospectiva convencional, mas como exposição de um modo de pensar. Cerca de 180 itens - entre maquetes, móveis, filmes, joias, peças de moda, textos e documentos - ocupam as duas salas expositivas e convidam o visitante a percorrer o universo criativo do arquiteto.

📍by Kamy - 07 a 14 - Alameda Gabriel, 1147
Sob curadoria de Francesca Alzati, a mostra Ressignificar propõe um olhar para dentro antes de criar para fora. Fragmentos têxteis ganham novo sentido no ateliê da by Kamy Verde, reforçando a criação como gesto de transformação.

📍Dentro de Casa - 07 a 15 - Galeria Metrópole
Reúne mais de 35 designers de diferentes regiões do Brasil para investigar as relações entre design, arte e cidade a partir do espaço doméstico. Curadoria e expografia de Daniel Virgínio e Natália Martucci reforçam o design como prática cultural e campo de encontros.

📍Denilson Machado - 07 a 21 - Galeria Belizário
Depois de um hiato, o fotógrafo retorna aos trabalhos autorais e inaugura O tempo só anda de ida, exposição que investiga o tempo como matéria e direção - não como medida, mas como experiência irreversível.

📍BOOMSPDESIGN - 08 a 15 - Instituto Italiano di Cultura di San Paolo & Edifício Itália
Celebra seis anos de parceria com o Istituto Italiano di Cultura. Apresenta peças de designers italianos, com curadoria de Beto Cocenza, em colaboração com marcas como Bed&Room, Casa Bonita, Papellée, St James, Tapecouro e Tidelli. Na sede, uma programação intensa reúne intervenções artísticas, palestras e talks que ampliam o diálogo entre arte e design.

📍Expo Revestir - 09 a 13 - São Paulo Expo
A feira apresenta um novo modelo de experiência, com curadoria estruturada e ativações voltadas à ampliação de repertório, geração de conexões qualificadas e organização da jornada do visitante.

📍Haus Decor Show - 09 a 13 - São Paulo Expo
Na quarta edição, reforça liderança nos segmentos de tintas, vernizes, iluminação, automação residencial e tecnologia aplicada ao morar.

📍Docol - 09 a 13 - Alameda Gabriel, 1825
A marca abre a Casa Docol para uma semana de encontros. A programação reúne talks e vivências que conectam arquitetura, design, cultura e bem-estar, ampliando repertórios e promovendo conexões em torno de trajetórias, trocas e escolhas que reverberam no tempo.

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Quando a loja passa a competir com o museu

Tenho recebido muitos convites para conhecer lojas e showrooms recém-reformados. Nesta semana, uma visita me fez pensar no futuro do ponto de venda físico - tão central para o setor da casa. Vivemos a era da cenografia permanente. O varejo entendeu algo decisivo: atenção é um ativo cultural. Hoje, a loja não pode ser apenas um lugar de venda ou mesmo de experiência de marca. Ela precisa ser destino. Precisa criar motivo de visita. E de revisita. O espaço muda. Instalações se renovam. A narrativa se atualiza. A loja passa a operar quase como uma exposição contínua. Alguns casos ajudam a tornar isso concreto.

A Gentle Monster tornou-se referência não apenas pelos óculos, mas pela maneira como constrói seus espaços. A arquitetura não é suporte - é linguagem. O projeto “HAUS” é apresentado como um ensaio sobre o futuro do varejo, baseado em experiência e visão criativa. Não se trata de estética “instagramável”. Trata-se de recorrência. A loja precisa justificar o deslocamento. Precisa oferecer uma razão clara para que o cliente volte. E o modelo escala. Em 2023, a empresa registrou cerca de US$ 444,3 milhões em receita (608,2 bilhões de won). Não é apenas discurso conceitual. É operação com resultado.

A Dover Street Market segue outra estratégia, mas parte do mesmo princípio. No varejo tradicional, crescer significa padronizar. No varejo cultural, crescer significa variar. Cada loja assume identidade própria. O “beautiful chaos”, como definem Adrian Joffe e Rei Kawakubo, não é improviso - é método. Vitrines mudam. Estruturas são alteradas. O espaço nunca está definitivamente pronto. Não é visual merchandising clássico. É curadoria física com caixa registradora.

O luxo levou essa lógica ainda mais longe.

Ao lançar o “The Louis” - um navio que combina exposição imersiva, varejo e café - a Louis Vuitton deixa evidente que o ponto de venda se transformou em palco narrativo.

Mas esse movimento não acontece no vazio. O setor atravessa um momento de desaceleração em alguns mercados e busca reativar desejo. O Financial Times registra essas iniciativas como tentativas de impulsionar fluxo - ainda cercadas de dúvidas sobre conversão e sustentabilidade.

Aqui é importante separar as camadas.

Há, sim, um componente defensivo. O e-commerce venceu na conveniência. O físico precisa justificar sua existência. Mas há também uma mudança real de comportamento. O consumidor busca significado. E significado, no espaço físico, não é automático. Ele precisa ser construído. A disputa deixou de ser apenas produto contra produto. Passou a ser tempo contra tempo. A loja já não compete só com o concorrente da mesma categoria. Compete com museus, exposições, instalações, experiências culturais - e com a própria cidade.

Isso altera a equação econômica.

Se a visita depende de novidade constante, quantos ciclos a DRE comporta?
Qual o impacto material e reputacional de intervenções recorrentes?
Por quanto tempo o “novo” permanece novo?

A própria imprensa já registra reações ambivalentes ao chamado “retail-tainment”: impacto alto, manutenção cara, fôlego incerto. No fim, a loja-exposição recoloca o debate no ponto central. Cenografia atrai. Novidade gera fluxo. Mas o que sustenta o retorno - e o resultado - é a consistência entre forma e proposta. Quando o espaço vira linguagem, ele precisa ter algo a dizer. E é isso que define se o ponto de venda é apenas cenário - ou estratégia.

Gringo Cardia - Depois do espetáculo

Vivemos a era da cenografia permanente. Tudo é espetáculo. Tudo é experiência. Tudo é imagem. Nunca produzimos tanto impacto visual. Nunca tivemos tantas ferramentas. Nunca houve tanta capacidade de encenação. E, ainda assim, algo falta. Ao conversar com Gringo Cardia, o paradoxo se impõe: depois da explosão visual, o que retorna é o conteúdo. Não como nostalgia. Como necessidade. Gringo é arquiteto, designer e cenógrafo. Há décadas opera no território onde cultura, espaço e discurso se encontram - da música aos museus, dos grandes eventos às plataformas internacionais como a Bienal de Veneza. Seu trabalho nunca foi apenas forma. Sempre foi construção de linguagem. E é isso que desloca a conversa. Para ele, não basta dominar a ferramenta. É preciso dominar a ideia. Não basta produzir imagem. É preciso sustentar pensamento. Em um tempo em que todos falam, a pergunta deixa de ser “quem aparece?” e passa a ser “quem pensa?”. O que segue não é uma defesa do silêncio. É uma defesa da consciência crítica.

1. Como você define o papel do profissional criativo hoje?

Você precisa ter controle de todas as ferramentas. O contador de história hoje é um maestro. A palavra é essa: maestro. Um maestro de vários contadores de história. É como se eu dissesse: “A sua língua ninguém entende. Fala para mim que eu traduzo.” Eu sou um maestro tradutor.

2. O que mudou no foco da cultura e do mercado?

A mensagem atual é o resgate dos conteúdos. Tivemos uma explosão visual total desde a chegada do computador. O visual é incrível. Mas as pessoas se esqueceram das palavras e dos conteúdos. O momento é perguntar: por que isso? Qual é o conceito?
Não adianta só ter ferramenta. É preciso ter ideia. Ideia é pensamento, reflexão, filosofia. Esse retorno ao conteúdo faz você se ver como um ser político.
Ser político é respeitar a solidariedade e o aspecto social do país onde você mora.

3. A tecnologia deu voz a todos. O que isso gerou?

Essa individualidade é ruim e boa ao mesmo tempo. Deu voz para todo mundo. Tem muita coisa horrorosa, mas tem muita coisa legal também. Vejo jovens falando de negritude, empoderamento, criando canais, passando pensamento. A única coisa que combate o fascismo é consciência crítica. E consciência crítica se aprende com educação. Escola que ensina a pensar e que escuta. É por isso que eu luto.

4. Como continuar relevante?

Aposentar? Não conheço essa palavra. Meu mestre foi Oscar Niemeyer. Vi um homem com 105 anos indo ao escritório todo dia. Quem se sente produzindo está vivo. Para não envelhecer, você tem que produzir. Tem que sonhar. E sonhar o impossível. Se alcançar 1%, já está ótimo. Outra coisa: escutar os jovens. Se você acha que sabe tudo, você. A criação exige humildade permanente.

Fitz - Design como sistema

Estive no lançamento para a imprensa da Fitz, nova marca do Grupo Matriz, em Pinheiros, e conversei longamente com Débora Torquato, diretora da operação. O que se apresenta ali não é apenas uma nova loja - é um desenho de negócio. O Grupo Matriz já opera o estudiobola no segmento premium do mobiliário brasileiro. A Fitz surge de outra necessidade. Como a própria Débora resume: “Quando você tem um grupo, isso vem muito mais de necessidade de negócio do que de sonho. É como atingir mais gente, como escalar.” Foram dois anos de pesquisa até chegar ao formato atual - mercado, preço, curadoria, modelo operacional. Nada ali parece improvisado. A oportunidade estava clara: entre as grandes operações acima de 3.000 m² e as lojas muito pequenas, havia um vazio. Um espaço intermediário, sem concorrentes diretos, capaz de trabalhar com mix completo de mobiliário e home decor. A primeira unidade, com cerca de 300 m², funciona como piloto. O formato considerado ideal varia entre 500 e 600 m² - metragem suficiente para absorver toda a linha e sustentar a operação. A ambição também é explícita: 100 pontos em cinco anos, combinando lojas próprias e franquias, com expansão para cidades do interior, não apenas capitais. Mas o que mais chama atenção é a lógica que sustenta a operação. “A marca precisa valer mais do que o nome individual da peça”, diz Débora. Não há aposta em assinatura autoral isolada. O design é o que organiza o sistema. “Tem design no plano de negócio, no plano de distribuição, na experiência do usuário. O design não é a peça. É a maneira de fazer a coisa funcionar.” A produção é nacional, com cerca de 20 indústrias parceiras. Para home decor, mais de 40 fornecedores na Ásia. Pinus e eucalipto são as matérias-primas centrais - escolha que combina viabilidade econômica e responsabilidade ambiental. “Se eu preciso de uma marca acessível, preciso trabalhar com matéria-prima que viabilize o projeto.” O público está bem definido: o primeiro apartamento, entre 25 e 40 anos. A comunicação fala diretamente com esse consumidor, sem abandonar a mídia tradicional. “A Fitz nasce para ser mais independente.”

No fim, o que se vê ali não é apenas uma nova marca, mas um sistema pensado para ganhar escala sem perder coerência. Marca é construção de longo prazo. Quando marketing, branding e comunicação operam integrados - e o design estrutura a engrenagem - o crescimento deixa de ser expansão e passa a ser estratégia.

112 vezes Brasil

O Brasil redefine sua escala no iF Design Award. Na edição recém-divulgada, 112 projetos nacionais foram laureados - novo recorde histórico e sinal claro de maturidade competitiva. Entre mais de 10 mil inscrições globais, dois projetos brasileiros conquistaram o iF Gold Award. Nesta semana, seleciono luminárias reconhecidas com o selo iF que já entram para a lista de desejos.

Tempo - assinada por Claudia Moreira Salles para a Lumini, recebeu o iF Gold Award em Design de Produto. A arandela combina geometria e função com precisão: o ponteiro central permite ligar, desligar e dimerizar a luz, além do acionamento pelo interruptor convencional.

REDOMA - coleção assinada por Ana Neute, para a Itens, com direção criativa de Mariana Amaral. Inspirada na renda Renascença, homenageia as Rendeiras da Aldeia, em Carapicuíba. Mais que iluminar, celebra memória, autonomia e saber manual como linguagem contemporânea.

Bloco Line - desenvolvida pelo Studio MK27 para a Lumini. Seis volumes luminosos exploram a relação entre opacidade e transparência, combinando concreto, mármore verde, madeira, latão e linho. A luz surge como detalhe de forma, em diálogo com a linguagem arquitetônica do estúdio.

Ora Bolas - coleção de Fernando Prado para a Lumini. Propõe contrastes entre matéria e luz, densidade e suspensão, geometria e acaso. Mais que luminárias de mesa, funcionam como pequenas arquiteturas, onde a relação entre elementos constrói forma e narrativa.

Criar humanos, não apenas crianças

Quinta-feira acordei com o post de Karim Rashid falando sobre uma teoria que ele defende há 30 anos. Fiquei alguns minutos em silêncio. Ele propõe quatro pilares para formar a próxima geração e, quem sabe, construir uma verdadeira utopia. Em um momento geopolítico tão tenso, a lucidez dessa simplicidade me tocou.

Amor e cuidado - construir seres humanos seguros por meio de empatia e proteção emocional.
Abrigo e nutrição - garantir que todas as crianças cresçam sem o estresse da sobrevivência.
Educação e consciência - desenvolver mentes curiosas, pensamento crítico e inteligência emocional.
Segurança e estabilidade - oferecer a base para confiança, dignidade e visão de longo prazo.

“Criar humanos, não apenas crianças”. Talvez a transformação que buscamos não esteja em sistemas complexos, mas em decisões básicas, repetidas todos os dias.

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- Reconhecimento internacional: o projeto Espaço de Oração, concebido como capela nos jardins do Palácio dos Bandeirantes, venceu na categoria Institucional/Religioso do IIDA Global Excellence Awards 2026. A premiação, promovida pela International Interior Design Association, destaca projetos realizados fora dos Estados Unidos com excelência conceitual e impacto institucional. A Carlos Rossi Arquitetura foi o único escritório brasileiro contemplado. A cerimônia ocorreu em fevereiro, em Paris.

- Pedra em transformação: na segunda edição da Marmomac Brazil, em São Paulo, três instalações sintetizam o momento da pedra natural. O Grupo Corcovado Brasigran convidou Colin Finnegan, do escritório FG Stijl, que aplicou impressão 3D sobre o mármore Bellini. Já os espaços da Antolini e da Pedra do Frade foram idealizados por Vivian Coser, explorando novas leituras para o material.

- Encontro imperdível: hoje, sábado, dia 28, a exposição Curto-Circuito recebe Rico Lins na Choque Cultural. O artista, cuja trajetória singular desloca a arte gráfica de sua função utilitária para o campo expandido da produção artística, compartilha sua experiência com a lendária Gráfica Fidalga, onde imprimiu camadas tipográficas sobrepostas. Choque Cultural - Alameda Sarutaiá, 206, Jardim Paulista. Das 15h às 17h.

- Cor em edição: a arquiteta e artista Emmanuelle Moureaux lança a loja da 100 Colors com impressões fine art derivadas de suas instalações imersivas. São recortes de cor e espaço agora traduzidos para o cotidiano. A primeira leva reúne a obra nº 1 de cinco séries - peças autorais, com certificado assinado, nos formatos A1 a A3, com envio internacional.

O futuro acelera. A indústria olha para trás.

Há alguns anos venho observando um paradoxo recorrente na indústria do design: quanto mais o futuro acelera, mais o mercado investe no passado. Em plena era da inteligência artificial e de saltos tecnológicos exponenciais, relançamentos, reedições e arquivos reativados deixaram de ser gesto cultural. Tornaram-se estratégia de negócios. O chamado re-issue loop deixou de ser tendência estética. Tornou-se modelo econômico. E a pergunta é inevitável: estamos preservando legado ou evitando risco criativo?

Os dados confirmam o movimento. O Financial Times analisou o crescimento do design como classe de investimento. A Phillips Auctioneers registrou valorização consistente de ícones mid-century no mercado secundário. O New York Times apontou a nostalgia como motor econômico transversal. Não é impressão. É padrão. O próprio Salone del Mobile.Milano anunciou o Salone Raritas, dedicado ao design colecionável. O movimento não diminui. Está sendo institucionalizado.

Em um cenário global instável, o risco virou inimigo. E o novo é risco.

O impulso não vem apenas de colecionadores tradicionais. Uma geração digital, saturada de experiências imateriais e minimalismo repetitivo, encontra no vintage algo mais humano, mais narrativo, quase mais radical. Vintage deixou de ser categoria de tempo. Virou identidade. Uma peça icônica hoje opera como ativo: narrativa pronta, valor de revenda, chancela histórica. Desenvolver algo inédito exige pesquisa, capital e incerteza. Relançar oferece previsibilidade. O problema não é preservar o arquivo. É substituir o investimento no novo pelo conforto do conhecido. Nas últimas edições da Semana de Design de Milão, expansões de catálogo histórico e atualizações cromáticas ocuparam espaço central. A principal vitrine mundial do setor tornou-se, em muitos casos, extensão do acervo. O impacto é estrutural. O jovem designer não compete apenas com seus pares, mas com mitos consolidados há décadas. Quando o orçamento privilegia 1926 - como a constante reedição da Bibendum, de Eileen Gray - em vez de 2026, a indústria deixa explícito seu cálculo: o passado é ativo; o novo é risco.

Sem financiamento consistente do inédito, não há próximo clássico.

No Brasil, o design opera em dupla lógica: acelera o novo, mas capitaliza o passado. Enquanto grandes indústrias multiplicam lançamentos, reedições autorizadas de mestres como Jorge Zalszupin, Sergio Rodrigues e Lina Bo Bardi atingem cifras expressivas no mercado internacional - ao lado de inúmeras cópias que diluem legado. Paralelamente, nomes como os Irmãos Campana já começam a ser absorvidos pela lógica do “futuro vintage”. Temos um arquivo potente. Mas não podemos viver apenas dele. Concorda?

Preservar é necessário. Idolatrar é paralisante. Se continuarmos financiando majoritariamente o passado, quem financiará o futuro? O próximo ícone não nascerá do arquivo. Nascerá da coragem de investir antes que seja seguro.

Roberta Banqueri - linguagem como permanência

Há momentos que marcam o início de uma era. Na minha visão, a primeira apresentação da coleção de Roberta foi um deles: ali nascia uma nova etapa para a produção de móvel no Brasil - na coleção e na maneira como foi apresentada. Foi um exemplo claro e impactante - indústria e varejo aprenderiam, na prática, o real poder de um designer no desenvolvimento e posicionamento do setor moveleiro brasileiro. Uma extensa linha de produtos assinada por um único designer não era apenas um lançamento, era o nascimento de uma linguagem. Formada em Arquitetura e Urbanismo, com especialização em arquitetura hoteleira, ela traz duas décadas de experiência em interiores. Parte do significado. Não da forma. O que a distingue é a consistência do discurso. É o que permanece.

1. Durante a coletiva de imprensa do Salone del Mobile.Milano 2026, a longevidade ganhou protagonismo. No seu trabalho com mobiliário, o que define hoje uma peça verdadeiramente longeva? E como esse pensamento dialoga com a indústria e o mercado doméstico?

Acredito que o meu trabalho já nasce com a intenção de não ser temporal. Não crio produtos guiados por tendências de curto prazo, mas busco uma linguagem atemporal, capaz de atravessar os anos e acompanhar diferentes fases da vida das pessoas. Gosto da ideia de que, no futuro, alguém possa olhar para um móvel e lembrar do momento em que o adquiriu. O mobiliário passa a ser um marcador de memória. Nem todas as peças que crio são icônicas ou escultóricas. Desenvolvo também peças com presença mais silenciosa, pensadas para dialogar com outras e sustentar o conjunto. Ainda assim, todas nascem com o mesmo compromisso com qualidade, identidade e vocação para durar. O maior desafio, especialmente no mercado doméstico brasileiro, é a falta de maturidade para entender o mobiliário como parte de um acervo de vida. Ainda existe uma cultura imediatista, em que o móvel é visto como descartável. Isso se reflete também na indústria e no varejo, com uma pressão constante por lançamentos. Muitas fábricas ainda não sabem lidar com a ideia de manter um produto por décadas, evoluindo acabamentos e melhorias ao longo do tempo. Vejo fábricas lançando muitos produtos para, na prática, vender poucos. Falta compreender que fazer menos e fazer melhor gera mais valor. Eu trabalho justamente na contramão desse movimento, criando produtos com identidade, qualidade e permanência.

2. Quando o design deixa de ser apenas forma e passa a funcionar como narrativa - combinando conforto, memória cultural e propósito - o que muda no modo de conceber uma coleção?

Toda coleção nasce a partir de um nome, de um conceito e de um norte muito claro. É isso que me guia. A partir desse eixo, penso na história que quero contar e nos elementos que irão compor essa narrativa. Só então começo a desenhar. Ao mesmo tempo, tenho clareza dos produtos que preciso desenvolver e das funções que ainda faltam no portfólio. Para mim, é fundamental que as peças carreguem memória cultural, propósito e intenção. Na coleção Tupiniquim, por exemplo, o desejo era ressignificar essa palavra e provocar reflexão sobre a nossa origem. Mas isso não significa cair na caricatura. A forma não nasce de uma representação literal, mas do significado que aquele elemento carrega. Na coleção Ítalo Tropical, falo da minha própria história e da herança cultural que moldou o Brasil. As peças traduzem ideias como travessia, deslocamento e transformação, sem recorrer à obviedade. Quando o produto carrega essa camada narrativa, ele deixa de ser apenas objeto. As pessoas se aproximam pela forma, mas, quando conhecem a história, o produto ganha outro valor. Ele desperta identificação, memória e conexão. Esse é o tipo de relação que me interessa construir.

3. O parque fabril brasileiro avançou em tecnologia, escala e acabamento. Onde você enxerga hoje as maiores oportunidades - e as principais tensões - nessa relação entre indústria e criação?

O parque fabril brasileiro evoluiu muito nos últimos anos, com avanços significativos em tecnologia, maquinário, centros de usinagem, corte a laser e qualidade de acabamento. Esse crescimento acontece em troca. Eu trago referências, rigor e novas demandas, e, ao mesmo tempo, aprendo com os processos e limitações reais da indústria. É uma construção conjunta. A grande tensão está no investimento em desenvolvimento. Quando queremos criar algo realmente diferente, como peças fundidas, moldes específicos ou soluções construtivas exclusivas, o custo é alto e muitas vezes não se justifica sem escala. Isso acaba limitando a criação, porque muitas ideias exigem investimentos que a indústria média brasileira não consegue absorver. Outro gargalo importante está nas ferragens, acabamentos e detalhes construtivos. Poucas empresas ainda se dedicam a desenvolver esses elementos com o mesmo nível de cuidado, desenhando até o próprio parafuso. Ao mesmo tempo, isso representa uma grande oportunidade. Quando conseguimos avançar nesses pontos, criamos diferenciação real. O Brasil evoluiu muito, mas ainda tem um campo enorme para crescer.

4. Olhando para os próximos cinco anos, o que tende a redefinir o design brasileiro?

Acredito que veremos um avanço importante no uso de materiais mais sustentáveis e, principalmente, na combinação entre eles. Ao mesmo tempo, enquanto o maquinário evolui, cresce o desejo por processos artesanais e por produtos que carregam matéria viva, textura e presença humana. Vejo um convívio cada vez mais equilibrado entre o high-tech e o artesanal. Outra transformação importante está nos modelos de distribuição, com um movimento crescente da fábrica em direção direta ao consumidor, por meio de canais próprios e digitais. Mas o que mais pode redefinir o design brasileiro é o repertório do consumidor. Isso depende de todos nós - designers, indústrias e mídia. Precisamos aproximar o público do processo de criação e mostrar o valor que existe por trás de cada peça. Quando isso acontece, o design deixa de ser apenas produto e passa a ser cultura.

A Living Divani elimina o excesso - e devolve autoridade ao objeto

Se há algo que venho defendendo aqui é que marca não é discurso. É decisão. E decisões não aparecem em declarações - aparecem no que se escolhe mostrar e, sobretudo, no que se decide retirar. A nova campanha da Living Divani, divulgada esta semana, é um exemplo preciso desse movimento. Mais do que uma mudança estética, ela revela como marcas constroem autoridade ao eliminar o excesso e reposicionar o objeto no centro. Vale observá-la em três níveis: antropológico, econômico e estratégico.

Antropológico: o esgotamento da imagem perfeita
Vivemos a fadiga da perfeição digital. Por duas décadas, o design foi apresentado em cenários hipercontrolados, onde o objeto se diluiu na encenação. Ao fotografar em filme 8×10, com imperfeições visíveis e luz primária, a Living Divani elimina a mediação e devolve ao móvel presença. A imperfeição deixa de ser estética e passa a ser cultural - sinal de autenticidade.

Econômico: o novo luxo é redução
O luxo atual atravessa uma saturação visual. Tudo é polido, renderizado, perfeito demais. Surge um novo código de distinção: reduzir. Ao retirar arquitetura, contexto e narrativa, a campanha sustenta uma tese clara: o produto basta. Não precisa de justificativa, precisa ser inevitável. O novo luxo não é o que impressiona, é o que permanece.

Estratégico: autoridade não seduz - separa
A campanha não tenta convencer; estabelece posição. O mobiliário surge em campos de luz construídos por lâmpadas coloridas, numa referência às investigações perceptivas do artista americano James Turrell, conhecido por transformar luz em experiência espacial. Não é cenário - é percepção. Os créditos confirmam a coerência. O fotógrafo Tommaso Sartori conduz o retorno ao gesto original - filmar, desacelerar, reduzir a pós-produção. O arquiteto e diretor criativo Piero Lissoni, à frente do estúdio Lissoni Graphx, mantém o rigor conceitual que define a marca há décadas. E Carola Bestetti, CEO da Living Divani, posiciona a campanha como uma evolução natural de sua identidade.

Em síntese, a Living Divani abandona três vícios - excesso narrativo, hiper-realismo digital e dependência de cenário - e retorna a três fundamentos: luz, forma e presença. Não é nostalgia. É correção.

Roberta Banqueri está em todos os endereços que importam - +55 Design, Firma Casa, Novo Ambiente, entre outros. Aqui, peças que consolidaram sua presença e se tornaram desejos.

Sofá Chapada - Sofá de volumes amplos e contínuos, inspirado nas formações elevadas das chapadas brasileiras. Parte da coleção Tupiniquim, lançada em 2021. - para Novo Ambiente.

Chaise Zero - Espreguiçadeira em madeira com estrutura que se projeta para os dois lados, criando uma linha contínua e equilibrada. Pensada para áreas externas, combina função e presença escultórica. - para +55 Design.

Racional - Sistema modular que pode ser suspenso ou apoiado em base metálica. Permite diferentes configurações e se adapta a distintos ambientes. – parceria com a Todo.

Bruta - Poltrona com desenho compacto, disponível para uso interno e externo. Integra uma coleção com pufe, versão de encosto alto e banqueta, permitindo diferentes composições. - para Firma Casa.

Verner Panton 100 - a cor como estrutura viva

No centenário do nascimento do arquiteto e designer dinamarquês Verner Panton, seu pensamento retorna com precisão renovada. Suas formas geométricas puras, linhas orgânicas e paletas intensas - sempre rigorosamente calibradas - seguem influenciando o design de hoje. Para Panton, a cor nunca foi mero acabamento, mas um material vivo. Desse princípio nascem as coleções de tapetes da Amini, desenvolvidas em parceria com sua filha, Carin Panton. Romantica, Domino e Mono traduzem sua linguagem em superfícies onde geometria e cromatismo operam como sistema. Não são releituras, mas extensões coerentes de um vocabulário que permanece atual. “Dedicamos todo o nosso conhecimento artesanal para capturar o espírito de Panton e projetá-lo para o futuro”, afirma Ferid Amini, CEO da Amini. Na Milan Design Week deste ano, as coleções poderão ser vistas no estande L11, pavilhão 24 (Rho-Pero), em uma experiência imersiva dedicada ao “Espírito Panton”, e também no Corso Como 10, dentro da Capsule Plaza.

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- Parque Campana entra em pausa. O espaço criado por Fernando e Humberto Campana permanecerá fechado até agosto para obras de infraestrutura, com expansão das redes de irrigação e energia elétrica. A intervenção integra um plano de longo prazo e reforça o parque como território de continuidade.

- Chalé é confirmado como obra de Antoni Gaudí. Construído em 1905 na Catalunha, o Xalet del Catllaràs foi encomendado por Eusebi Güell. A atribuição, após anos de pesquisa, amplia o conjunto de obras reconhecidas do arquiteto.

- Domingo Zapata cria mural de 50 mil m² na Arábia Saudita. Encomendado para Diriyah, em Riade, o projeto integra a Visão 2030 e deve levar até seis anos para ser concluído, com equipe de 100 profissionais. Promete ser o maior mural do mundo, em escala potencialmente visível do espaço.

- Carolina Herrera transforma cadeiras de design em cenografia. No desfile de inverno 2026, em Nova York, convidados foram acomodados em cadeiras assinadas, integradas à instalação de Sarah Oliphant. O mobiliário deixou de ser suporte e passou a operar como linguagem.

- Editora Olhares abre pré-venda de Desenho à mão, de Tilo Schneider. O livro apresenta ferramentas, técnicas e exercícios voltados a designers, arquitetos e ilustradores. Um retorno à relação direta entre gesto, instrumento e pensamento.

- LEGO lança primeiro set oficial de Snoopy. Com 964 peças, inclui a casinha vermelha e elementos do universo do personagem. O projeto nasceu no LEGO Ideas, a partir da proposta de um fã, depois refinada pela marca - transformando o desenho em objeto construído.

O que existe entre as coisas

O Conselho Internacional de Design anunciou o tema do International Design Day 2026: The Spaces In Between (Os Espaços Entre). Celebrado em 27 de abril, o Dia Internacional do Design propõe, neste ano, um olhar preciso sobre aquilo que não é imediatamente visível. À primeira vista, parece abstrato. Mas é precisamente o contrário. Trata-se de uma mudança estrutural na forma como entendemos o papel do design hoje. O design deixou de ser apenas aquilo que vemos. Passou a operar naquilo que acontece entre as coisas: entre o objeto e o usuário, entre a interface e o gesto, entre o indivíduo e o coletivo. Historicamente, o design foi medido pela forma. Pela cadeira, pelo edifício, pela marca. Agora, seu impacto é avaliado pela qualidade da relação que constrói. Não é mais sobre o objeto final, mas sobre o campo de conexão que ele torna possível. Esse deslocamento reflete o paradoxo do nosso tempo. Nunca estivemos tão conectados tecnicamente - e tão distantes emocionalmente. O próprio ICoD reconhece que vivemos em uma era de comunicação constante e desconexão crescente, e que o design tem o papel de reconstruir os espaços que permitem pertencimento, participação e entendimento.

Isso muda tudo.

Significa que o valor do design não está apenas no que ele entrega, mas no que ele permite. Um sistema de sinalização não organiza apenas o espaço - ele reduz ansiedade. Uma interface não apenas executa uma função - ela constrói confiança. Uma peça de vestuário não apenas cobre o corpo - ela afirma identidade. O design passa a operar como infraestrutura invisível de convivência. Essa é, talvez, sua forma mais requintada. Porque o design mais poderoso não é aquele que se impõe, mas aquele que sustenta relações sem chamar atenção para si. Ele estrutura o que existe entre as pessoas. Designers, marcas, arquitetos e empresas já operam sob essa nova lógica: o futuro não pertence a quem produz objetos, mas a quem constrói sistemas de conexão. Deixa de ser objeto. Passa a ser condição de experiência. E é nesse espaço invisível - entre intenção e experiência - que o futuro está sendo desenhado.

Bibendum: Um Século de Presença

Em 1926, Eileen Gray desenhou a poltrona Bibendum - um gesto ousado que uniu aço tubular, então revolucionário nos interiores domésticos, a volumes generosos inspirados no boneco da Michelin. Mais do que forma, a Bibendum já antecipava uma ideia central no design atual: o objeto não como fim, mas como interface. Seu impacto acontece na relação corpo-objeto - na maneira como acolhe, posiciona e define a experiência. Cem anos depois, a ClassiCon celebra o ícone com uma edição limitada a 100 peças. Reeditada a partir de um exemplar histórico leiloado pela Christie’s em 2020 por quase US$ 700 mil, a versão comemorativa traz couro nubuck em tom areia, estrutura niquelada e assinatura gravada com numeração individual. Entre escultura e mobiliário, a Bibendum permanece atual. Um século depois, segue ocupando o centro da sala - não apenas como objeto, mas como campo de relação.

Gian Franco Rocchiccioli - marca como sistema

Se você acompanha branding na América Latina, provavelmente já esbarrou no nome do Gian Franco. Publicitário de formação, ele construiu uma trajetória de mais de duas décadas ajudando empresas a se reposicionarem e evoluírem - sempre naquele ponto de interseção entre cultura, negócio e visão de longo prazo. Nada raso. Tudo estrutural. Sócio da Pande, uma das consultorias mais respeitadas quando o assunto é branding estratégico, ele acaba de formalizar uma parceria com a TM20. Mas o que talvez mais chame atenção é como ele circula pelo ecossistema com generosidade real: jurado em premiações internacionais de criatividade, investidor de startups, conselheiro da Abedesign, autor de quatro livros - e alguém que está constantemente trocando, ensinando e aprendendo. No podcast Trocando a Lente, ele amplia essa conversa, convidando outras vozes para refletir sobre os movimentos do mercado e traduzir as transformações do nosso tempo. Aqui, fala a partir de quem entende marca como sistema, não como estética.

1. Existe, para você, um jeito brasileiro de pensar marca - não como estética, mas como postura diante do mundo, da cultura e do negócio? O que do Brasil ajuda - e o que limita - na construção de marcas relevantes?

Entendo que existe, sim, um jeito brasileiro de pensar marca que se manifesta na postura. O Brasil forma marcas a partir da relação com o mundo, não da afirmação de controle sobre ele. Na origem da nossa identidade cultural está a miscigenação - uma mistura profunda de matrizes multiculturais - que gerou uma cultura naturalmente flexível, adaptativa e relacional. Isso se traduz em marcas que absorvem referências, criam repertórios híbridos e sabem dialogar com contextos diversos. O Brasil possui algo que nenhuma outra grande nação tem em igual intensidade: uma diversidade cultural integrada que se converte em alta plasticidade cultural, capacidade de síntese e, sobretudo, criatividade híbrida. Quando bem trabalhada, essa flexibilidade é uma força estratégica poderosa: inteligência sensível, proximidade humana e capacidade de criar sentido em ambientes complexos e instáveis. Marcas brasileiras têm, em potência, mais empatia do que imposição; mais escuta do que rigidez. O limite surge quando essa mesma característica escorrega para a informalidade excessiva ou para a falta de posicionamento claro. Muitas marcas brasileiras têm identidade, mas não sustentam convicções. Têm expressão, mas carecem de direção. Falta transformar repertório cultural em estratégia deliberada - e não apenas em reação ao ambiente. No fundo, o desafio desse jeito brasileiro é assumir uma postura no mundo: entender quem a marca é, em que campo joga e quais capitais - simbólicos, culturais, sociais e econômicos - decide acumular e converter ao longo do tempo. Quando isso acontece, a brasilidade deixa de ser pano de fundo e se torna vantagem competitiva real.

2. Mesmo com empresas já na segunda geração, muita indústria moveleira ainda trata marca como acabamento - e não como estratégia. Na sua visão, por que esse setor resiste ao poder da marca?

A indústria moveleira ainda trata marca como acabamento porque, durante muito tempo, a lógica que organizou o setor foi exclusivamente produtiva. Eficiência industrial, domínio técnico, escala e custo sempre falaram mais alto do que construção simbólica. Marca era algo que vinha depois - quando vinha. Existe, sim, falta de repertório. Mas ela é consequência, não causa. O núcleo do problema é uma lógica antiga de valor, que entende competitividade como capacidade de fabricar bem, e não como capacidade de ocupar um lugar único. Nesse modelo, marca vira risco, exposição e perda de controle. Em empresas familiares, especialmente na segunda geração, isso se agrava. Marca exige escolha, renúncia e visibilidade. Exige dizer “não somos tudo para todos”. E isso confronta uma cultura moldada pela sobrevivência, pela adaptação e pela venda para muitos canais ao mesmo tempo. O paradoxo é que o setor já domina o capital produtivo e técnico. O que falta é convertê-lo em capital simbólico. Enquanto marca for vista como estética ou comunicação, seguirá sendo acessório. Quando for entendida como estratégia - como a decisão de em que jogo jogar e com quais regras - deixa de ser ameaça e passa a ser alavanca.

3. Na sua visão, o que muda na construção, no desenvolvimento e na consolidação de uma marca quando ela nasce da assinatura de um designer versus quando nasce como marca de empresa? E qual armadilha você vê com mais frequência em cada modelo?

Quando uma marca nasce da assinatura de um designer, nasce com capital simbólico concentrado. Há autoria, visão estética clara e repertório forte desde o início. Isso pode acelerar reconhecimento e diferenciação, mas também cria dependência estrutural: a marca tende a se confundir com a pessoa. A armadilha mais comum é não conseguir se autonomizar - tudo passa pelo criador, e a marca cresce menos do que poderia. Quando nasce como marca de empresa, o desafio é inverso. Existe estrutura, capacidade produtiva e escala, mas falta ponto de vista claro. Muitas vezes, nasce genérica, orientada por mercado e não por identidade. A armadilha aqui é tentar construir marca por consenso, diluindo decisões e evitando escolhas - o que resulta em marcas corretas, porém irrelevantes. No fundo, o que muda não é a importância da marca, mas o tipo de desafio estratégico. Marcas de assinatura precisam aprender a virar método e sistema sem perder alma. Marcas de empresa precisam assumir autoria e construir um DNA interno. Em ambos os casos, a maturidade surge quando a marca deixa de ser extensão de uma pessoa ou de uma operação e passa a ser postura clara, legítima e sustentável no mundo.

4. Num mundo de excesso, velocidade e replicação, o que ainda sustenta uma marca? O que separa presença de valor? Dá para sobreviver sem virar marca?

Num mundo como o atual, o que sustenta uma marca não é mais a visibilidade - é o sentido. Presença se compra; valor se constrói. Marca não é estar em todos os lugares: é ocupar um lugar específico na mente, na cultura e nas escolhas das pessoas. O que separa presença de valor é coerência sustentada ao longo do tempo. Marcas valiosas fazem escolhas claras, acumulam significado e constroem confiança. Não reagem a tudo - sustentam sua postura, mesmo quando o ambiente muda. Dá para sobreviver sem virar marca? Talvez. Mas sobreviver não é o mesmo que prosperar. Sem marca, a empresa tende a competir apenas por preço, conveniência ou eficiência - dimensões facilmente copiáveis. Marca é o que transforma operação em referência, produto em símbolo e negócio em algo que merece ser escolhido, defendido e lembrado. No fim, não podemos tratar marca como adorno do capitalismo contemporâneo. É ela que permite que uma organização exista com relevância e legitimidade em um mundo saturado de opções.

Como a St. James constrói legado

Se há algo que a conversa com Gian Franco Rocchiccioli deixa claro é que marca, nesta era da replicação infinita, não é estética - é sistema. É ativo estratégico. É o que transforma empresas em negócios duradouros e desejados. Construí-la exige clareza de propósito, coerência ao longo do tempo e capacidade de evoluir sem romper a essência. Hoje trago um exemplo concreto dessa lógica em ação. Nesta semana, a St. James inaugurou a Casa St. James, em celebração aos seus 50 anos - um espaço que traduz seu universo como experiência. Mais do que expor produtos, a proposta é contextualizá-los no ambiente onde ganham sentido: a casa. Em conversa comigo, Ricardo Saad, segunda geração à frente da marca, reforça o propósito que sustenta essa trajetória: levar beleza e significado para dentro da casa das pessoas. Se antes isso se traduzia principalmente no ritual do estar à mesa, hoje se expande para o design e para a ambientação como expressão de identidade. Ricardo define seus produtos como “objetos extraordinários”, sustentados por seis pilares: design autoral; feito à mão; combinação singular de materiais; multifuncionalidade e interatividade; significado - histórias e repertórios por trás de cada criação - e atemporalidade. Peças lançadas nos anos 1970 seguem atuais e em linha, reforçando não apenas estilo, mas permanência. “Inovar honrando tradição, sempre com um olho no futuro, é nossa responsabilidade”, afirma Ricardo.

Aqui, a teoria encontra a prática: marca como sistema em que propósito orienta criação e design, o tempo constrói valor e a coerência sustenta desejo. Em um mercado obcecado por velocidade, o caso sugere outra equação - menos ruído, mais continuidade; menos impacto imediato, mais legado. É nesse intervalo entre disciplina e visão de longo prazo que marcas duráveis se consolidam.

Alguns objetos não decoram. Tomam posse. Na St. James, meus vasos Femme, por Carol Bassi, já têm trono - e não pediram licença. Loops, de Brunno Jahara, é obsessão recorrente: metal que é gesto, gesto que se torna presença. Descobri Canon, de Fabrício Ronca, na Casa St. James - foi imediato. Não é vontade. É necessidade. E as criaturas Minpin, de Matteo Cibic? Quero todas me olhando de volta. Desejo assumido.

A Política do Borrão

A nitidez virou norma. Em telas, feeds e cidades, tudo exige contorno preciso, leitura instantânea, impacto imediato. O borrão, então, deixa de ser ruído. Torna-se linguagem - e estratégia. Em 2026, a busca pela suavidade ganha força como resposta ao excesso de definição e fricção perceptiva. Uma análise da Nextatlas aponta crescimento estimado de +40% nos próximos 12 meses para o chamado hazy softness - movimento que emerge como contraponto à saturação visual e ao ruído digital. Consumidores passam a preferir atmosferas que acolhem, diluem arestas e desaceleram a leitura. O impulso atravessa a música -do dream pop ao shoegaze -, os interiores com luz difusa, materiais translúcidos e texturas que absorvem, em vez de refletir. O “efeito borrão” não é decorativo: opera como regulador emocional. Os sinais se intensificam em categorias como home & interiors, onde conforto e significado passam a pesar mais do que impacto visual imediato. A suavidade deixa de ser acabamento estético. Converte-se em código cultural. Mais do que tendência, trata-se de reposicionamento sensorial. Em um ambiente saturado de estímulos, suavizar é escolher. E escolher é um ato político.

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- Em Nova York, a primavera já começou - em versão floral. O The Orchid Show 2026, no New York Botanical Garden, apresenta The Concrete Jungle, de Mr. Flower Fantastic: ícones urbanos recriados e cobertos por orquídeas - da estação de metrô à lavanderia, da pizzaria à escada de incêndio. São cerca de 30 mil espécies registradas em seis continentes. O NYBG, que pesquisa e conserva a planta, realiza neste ano a 23ª edição da mostra dedicada a ela.

- Herzog & de Meuron carimbam passaporte para Dubai com o Janu Dubai, no coração do DIFC. A torre de uso misto reúne hotel (150 quartos), 57 residências de marca, clube privativo, escritórios e lojas - um novo ponto de encontro vertical. O que se destaca é a textura mineral, quase tátil, em contraste com o mar de vidro da cidade. Em vez de brilhar, sombreia. Em vez de refletir, acolhe. Terraços ajardinados, varandas generosas e “salas no céu” introduzem verde e pausa no skyline. Em uma paisagem que compete por brilho, optar pela sombra é um gesto elegante - e necessário.

- Se as últimas marteladas em Nova York servem de termômetro, os Mestres Antigos voltaram ao centro da sala - e com apetite de recorde. Na Christie’s, Artemisia Gentileschi superou sua própria marca com um autorretrato como Santa Catarina (US$ 5,69 mi). Um desenho em giz vermelho de Michelangelo, atribuído a estudo para a Capela Sistina, alcançou US$ 27,2 mi. O leilão totalizou US$ 54,3 mi - o melhor resultado em mais de uma década. Entre redescobertas e restituições, cresce o desejo por lastro histórico em tempos voláteis. Seria uma redescoberta de amor - ou de oportunidade? E, no fim, isso importa?

- Eu, que levo pipoca a sério (duas vezes por semana, no mínimo), me senti oficialmente contemplada. Gustaf Westman lançou a “Curling Bowl: The Olympic Champion of Snacking 2026”, uma tigela glossy inspirada na pedra de curling, no embalo dos Jogos de Inverno. É pop, espirituosa, quase caricata - e exatamente por isso irresistível. A alça vira gesto gráfico, as cores vibram, e o objeto transita entre design colecionável e utensílio afetivo. Medalha de ouro.

- O bilhar acaba de mudar de categoria. Assinado Hermès. A mesa Off Piste, revestida em couro verde e produzida na França, custa US$ 265 mil - e aceita Apple Pay, como um sneaker drop. Madeira nobre, couro taurillon, tacos e até o giz no mesmo material. Na Hermès, o detalhe não acompanha o luxo. Ele o define. O lançamento coincide com um momento preciso: a maison anunciou alta de 9,8% nas vendas. Em couro e selaria, +14,6%. Não é sobre jogar. Nunca foi. É sobre código. No luxo atual, possuir é o básico. O diferencial está em transformar até o lazer em linguagem de marca.

- Seattle entrou para a história ao operar o primeiro light rail do mundo sobre uma ponte flutuante. A linha cruza o Lake Washington sobre pontões de concreto que se movem com vento e ondas - desafio resolvido com trilhos de juntas flexíveis e apoios móveis, capazes de absorver deslocamentos sem perder precisão. Mais que façanha técnica, é sinal do presente: quando a geografia impõe limites, o design não contorna. Redefine o possível.

- A cadeira do Chipotle - compensado claro, parafusos aparentes, aço frio ao toque - virou obsessão no mercado vintage: conjuntos chegam a US$ 1.200. Criada no fim dos anos 1990 por Bruce Gueswel, nasceu como parte de um sistema: materiais honestos, construção exposta, modernismo americano na base, ecos estruturais de Frank Lloyd Wright. Nunca foi vendida como ícone. Era apenas correta. No hype recente, confirma um padrão: o valor não nasce da intenção de ser icônico, mas da coerência - e da capacidade de atravessar o tempo sem se anunciar como design.

- sacai acaba de transformar o objeto mais íntimo do pensamento - o caderno - em acessório de luxo. Em colaboração com a inglesa Smythson, fundada em 1887, a marca criou clutches em couro inspiradas em seus notebooks históricos, tornando-se a primeira a ocupar essa lacuna: converter um caderno Smythson em bolsa. O gesto é preciso. Não é apenas sobre carregar ideias, mas dar forma física ao seu valor.

- Lucas Pinheiro Braathen acaba de entregar ao Brasil um feito que transcende o esporte. Sua vitória no esqui alpino - território historicamente dominado por nações centenárias de inverno - é mais do que resultado técnico. É reposicionamento simbólico. Ao optar por competir sob a bandeira brasileira, Braathen não trouxe apenas talento. Trouxe narrativa, identidade e projeção internacional. Em um cenário onde países disputam relevância cultural tanto quanto medalhas, sua conquista insere o Brasil em um novo mapa: o das nações capazes de produzir excelência onde antes não havia tradição. Vitórias assim não apenas acontecem. Elas redefinem expectativa.

O poder silencioso dos objetos

Li recentemente um artigo de Jonathan Ford, sócio-fundador e diretor criativo da Pearlfisher, que me conectou de imediato a um comportamento cada vez mais presente - especialmente entre as gerações mais jovens: a satisfação de adquirir um objeto que vai além da função. Um objeto que nos faz pertencer, que transmite beleza e gera felicidade no uso cotidiano. Ford descreve a casa como um autorretrato silencioso. Cada escolha - da luminária ao copo, da mesa ao prato - constrói uma narrativa íntima. O utensílio deixa de ser neutro: torna-se mediador emocional, expressão de identidade, elo que aprofunda a relação com a marca ao longo do tempo. É nesse ponto que o design ultrapassa o campo do “gosto” e adentra o da lealdade afetiva. No texto de Ford, talvez o aspecto mais relevante para quem projeta, vende ou especifica esteja justamente no outro lado da equação: o momento da frustração, da irritação - às vezes até da tristeza - quando algo falha dentro de casa. Quando a cadeira quebra, a torneira vaza, a luminária não acende, e o ritual cotidiano se desfaz. Nessas horas, não é apenas o produto que falha - é uma promessa. E é aí que a relação com a marca, e com quem a indicou, é posta à prova. Esse olhar se torna ainda mais relevante ao considerarmos quem liderará o consumo nos próximos anos. Estimativas globais apontam que a Gens Z pode concentrar cerca de US$ 12 trilhões em poder de compra até 2030, enquanto os millennials seguem como uma das maiores forças econômicas ativas do planeta. São públicos que valorizam propósito, estética, experiência - e, sobretudo, o espaço doméstico como extensão da própria identidade.

Diante disso, eu mesma me vejo voltando à pergunta essencial: o que, de fato, estamos prometendo quando colocamos um objeto na casa de alguém? Funcionalidade não basta. Design, hoje, é compromisso com o cotidiano do outro - com seus rituais, suas expectativas e a forma como constrói pertencimento. E essa promessa, quando silenciosamente cumprida ao longo do tempo, é o que transforma um simples ato de compra em relação.

Karim Rashid: quando o design vira decisão

Ele é hoje um dos poucos designers com influência verdadeiramente global e uma visão clara sobre o papel do design no mundo atual. Tudo em Karim é intenso - do seu manifesto, que define o bom design a partir de uma constelação de critérios complexos e didáticos, à maneira como articula o papel cultural da disciplina. Seu discurso é direto e, como eu, parte da convicção de que o design precisa responder ao tempo em que vivemos, não repetir estilos históricos nem romantizar outras eras. Já publiquei aqui suas “12 verdades pelas quais eu vivo” - uma declaração de princípios para quem atua com seriedade no universo criativo, seja na indústria, no varejo ou na construção de marcas. As respostas desta entrevista exclusiva me tocaram porque falam de autoria, responsabilidade cultural e da urgência de agir com intenção sobre o mundo que estamos criando. Que sirvam como um mantra para quem, como ele, não acredita que o futuro seja algo a esperar - mas algo a desenhar.

1. Você construiu uma linguagem de design própria num mundo em que tudo é replicado em segundos. O que ainda garante autoria hoje - e o que se perdeu - no design contemporâneo?

Hoje, a autoria vive menos na forma e mais na consciência. As formas viajam instantaneamente, mas uma maneira de ver o mundo não pode ser baixada. Uma linguagem verdadeira de design não se inventa uma vez - ela é praticada ao longo de uma vida. O que perdemos foi tempo para que linguagens e movimentos amadurecessem. O design costumava ser uma conversa com o futuro. Agora, muitas vezes, é uma reação ao presente e, mais ainda, uma interpretação estilística do passado. Ainda assim, a autoria continua existindo sempre que o design é guiado por valores - e não pela velocidade.

2. Em um contexto de IA, replicação acelerada e cadeias globais de suprimento sob pressão, onde reside hoje o verdadeiro valor econômico do design - e quem ainda não percebeu isso?

O valor econômico do design hoje existe para além dos objetos - ele está no significado. Já não compramos apenas coisas: adotamos crenças, identidades e emoções. O design é o tradutor entre a indústria e a humanidade. Muitos ainda medem seu valor em custo, não em consequência. Mas as marcas que perduram são aquelas que compreendem que o design é a estrutura invisível que sustenta confiança, desejo e memória. Design é inseparável da originalidade.

3. O que marcas e indústrias ainda falham em entender sobre o custo - muitas vezes invisível - de não investir em design como ativo estratégico?

A ausência de design é sutil, mas seu impacto é profundo. Ela aparece como indiferença, como fadiga, como uma perda silenciosa de conexão. Quando o design não é considerado, o mundo se torna mais ruidoso - e menos significativo. Investir em design é investir em clareza, dignidade, originalidade e relevância de longo prazo. É assim que as marcas participam da cultura, em vez de simplesmente ocupar prateleiras.

4. O que o design precisa preservar para continuar humano em um mundo cada vez mais mediado pela tecnologia - e do que talvez precise abrir mão?

O design precisa proteger aquilo que a tecnologia não pode substituir: empatia, intuição, ideias novas e a poesia de moldar experiências melhores. Ele deve ser concebido como um ato humano, não apenas técnico. Ao mesmo tempo, o design precisa se desprender de sua fixação em objetos e avançar em direção a experiências, sistemas e bem-estar emocional. O futuro do design não é apenas sobre dar forma às coisas, mas sobre moldar como nos sentimos dentro do mundo que criamos. Podemos projetar um mundo melhor - mais belo, mais poético.

A evolução real de uma marca

Vocês já conhecem o que é marca - e a tríade que a sustenta. Agora vem a parte menos glamourosa: o choque de realidade. É justamente no processo de construção que fundadores ficam ansiosos, times pressionados por respostas rápidas acabam atropelando etapas - colocando a carroça na frente dos bois, como dizia minha avó. Entender a evolução de uma marca traz lucidez sobre qual ferramenta usar - e quando. Queimar fases pode até gerar resultado financeiro no curto prazo. Mas raramente constrói marcas feitas para durar. É aqui que a literatura estratégica converge. A Boston Consulting Group e pesquisas da Harvard Business School mostram que reputação, lembrança e poder de preço são acumulativos. Não surgem por decreto. O caminho costuma seguir quatro estágios.

Essência e identidade

Aqui se definem propósito, posicionamento e território simbólico. É a fase invisível ao mercado - mas decisiva. Exige clareza estratégica, produto coerente e linguagem consistente.

Identidade é: essência, DNA, atributos, impressão digital, o famoso “efeito Gabriela”.

Percepção: ainda incipiente.
Tempo típico: 1-2 anos.

Estilo e imagem

A identidade começa a ganhar forma nos pontos de contato: design, comunicação, experiência, arquitetura comercial. Consistência vira ativo central.

Estilo é: o jeitão da marca. Postura, modus operandi, atitude, o que passa - aquele “feito claquete” que se reconhece de longe.

Percepção: a marca começa a ser reconhecida.
Tempo típico: 2-5 anos.

Familiaridade estimada

O mercado já sabe quem a marca é. A imagem se consolida. Surgem consideração real, primeiras lealdades e recorrência. Aqui, erro custa caro: incoerências corroem confiança.

Imagem é: o que fica. Reputação, credibilidade, o que os outros pensam, repercussão - o “efeito plateia”.

Percepção: conhecida - ainda substituível.
Tempo típico: 5-8 anos.

Cristalização

A marca vira referência. O conceito está claro. Ganha poder de preço, prescrição espontânea e peso cultural. Não precisa mais se explicar: passa a ser lembrada automaticamente.

Percepção: líder simbólica.
Tempo típico: 8-15+ anos.

O consenso entre BCG, Harvard e os frameworks contemporâneos é direto: campanhas aceleram visibilidade; só o tempo aliado à consistência constrói valor estrutural. Para conquistar reputação no mercado, uma marca precisa construir - em sequência - identidade + estilo + imagem = conceito.

Karim Rashid nunca foi apenas um visitante ocasional do Brasil. Em 2008, teve exposição solo no Instituto Tomie Ohtake, mas muito antes disso já caminhava - literalmente - pelas ruas do país. Sua colaboração com a Melissa levou sua linguagem autoral a um ícone brasileiro, colocando assinatura global em escala cotidiana. Aranha e High, ambas de 2005 - esta última vencedora do Red Dot em 2010 - marcaram uma geração. Vieram depois os Dynamic: calçados que pareciam mais gesto do que produto. Mais do que nostalgia, é reconhecimento. Poucos designers globais conseguiram infiltrar pensamento autoral no cotidiano e fazer do consumo uma porta de entrada para o design. Uma homenagem a quem entendeu cedo que relevância também se constrói no asfalto.

O gargalo invisível da construção sustentável

Buscando ideias reais para construções limpas, me deparei com um laboratório de possibilidades concretas. O trabalho do coletivo Material Cultures vai além do discurso sobre biomateriais: menos centro experimental, mais campo de teste para novas lógicas produtivas - algo raro em um setor ainda resistente a rever suas bases. Fundado em 2019 por Paloma Gormley e Summer Islam, e hoje liderado por George Massoud, o grupo enfrenta a crise climática a partir das estruturas que sustentam a construção - cadeias de suprimento, materiais e políticas industriais. A tese é clara: projetar “mais verde” não basta se o sistema continua extrativo. A atuação se organiza em três frentes - edifícios comunitários e infraestrutura, pesquisa em materiais de base biológica e habitação regenerativa - com a ambição de provar, por meio de projetos concretos, que outro modo de construir é viável. Mas há limites: a falta de infraestrutura industrial e logística em escala - inclusive para materiais emergentes - mantém muitos projetos no campo dos protótipos: caros, lentos e dependentes de validações técnicas em um mercado que ainda favorece modelos consolidados. A discussão deixou de ser sobre o que usar - e passou a ser sobre como construir. Fica o ponto.

-A Terracor apresenta a linha Eco-sil: revestimentos texturizados à base de água, com silicato de sódio e PET reciclado. Granulometria fina, acabamento fosco e 16 cores suaves pensadas para 2026. Gosto da ideia de superfícies sensoriais e duráveis, com uma leitura cromática que conversa bem com inovação responsável na arquitetura.

- Carol Gay integra a mostra Talents - 25 anos, da Ambiente 2026, aberta ontem em Frankfurt. Entre os 15 designers convidados de edições passadas, ela apresenta a mesa Cobre (2014) e o vaso Raízes. Um recorte preciso que revela bem a evolução do seu trabalho ao longo do tempo.

- Notícia que merece atenção neste início de temporada criativa: o Bar FAR abriu em Roma como uma instalação-bar. Um espaço híbrido onde beber, circular e observar fazem parte da obra. Cenografia e arte contemporânea se misturam numa obra de arte total, quase alucinatória, com ecos da Roma antiga e barroca. Pena que acaba em 14 de março - seria um belo desvio antes da Milan Design Week.

- Fiquei realmente impressionada com a Silas, cadeira de escritório apresentada por Malte Lundberg durante o Stockholm Design Days. Tudo em madeira - inclusive o parafuso espiral que regula a altura. Criada com a Stolab e a Beckmans, propõe trocar metal e plástico por soluções estruturais mais domésticas, menos técnicas e muito mais arquitetônicas.

- Olha que ideia bonita: a Wake, do Heatherwick Studio com a Tala, propõe um novo ritual à beira da cama. Base cerâmica texturizada, globo fosco e luz suave para acordar - ou desacelerar. Um dial regula intensidade e sons; o app organiza os ciclos. Menos gadget, mais gesto cotidiano.

- Nos Jogos de Inverno Milano-Cortina 2026, o salto de esqui ganhou uma polêmica bizarra, já apelidada de “Penisgate”. Circulam relatos de que alguns atletas teriam injetado ácido hialurônico nos genitais para alterar a aerodinâmica dos macacões - o suficiente para colocar a Agência Mundial Antidoping em alerta. Moral rápida: num esporte onde o ar manda, cada milímetro conta. Dois centímetros podem render até seis metros a mais no salto.

- E o Brasil entra em cena nos jogos com uniformes da Moncler, em co-criação com Oskar Metsavaht. A clássica jaqueta Karakorum dos anos 1950 reaparece como capa em náilon reciclado, com a bandeira no verso. Um encontro elegante entre alta performance, identidade nacional e moda no palco global.

Salone del Mobile.Milano 2026 - resumo estratégico da conferência de imprensa

Participei online, no dia 29, da apresentação do Salone del Mobile.Milano 2026 - e a abertura já deixou claro o clima da edição. Um futurista de negócios foi o único a abrir a conferência de imprensa que apresentou oficialmente a 64ª edição da feira, marcada para 21 a 26 de abril.

O especialista em inovação tecnológica Alberto Mattiello começou olhando direto para um futuro que, segundo ele, já está em curso. “Quando o paradigma tecnológico muda, os comportamentos e as expectativas mudam”, disse, “e os mercados precisam reagir de acordo com novos produtos”. Em Miami, contou Mattiello, já é possível ter um robô humanoide para limpeza doméstica por US$ 500 por mês. “Isso significa que o luxo está deixando de ser um objeto para se tornar um retorno ao passado”, e que o design deixa de ser produto para virar uma espécie de estilo de vida compartilhado com a tecnologia. “A relação com a IA será muito mais íntima”, completou, “porque o tipo de interação será muito mais personalizado. Estamos apenas no começo dessa jornada: a necessidade de personalização será cada vez mais premente, inclusive no espaço físico.”

Esse tom atravessou toda a conversa. A próxima edição reúne mais de 1.900 expositores de 32 países, espalhados por 169 mil m². Mas, honestamente? Os números importam menos do que a direção. O discurso foi todo sobre como o design deixou de ser só objeto e passou a operar como sistema, cultura, experiência, estratégia. O Salone quer - e está - se reposicionando como uma plataforma cada vez mais internacional, mais aberta, mais conectada.

A campanha resume bem esse espírito: A Matter of Salone. Matéria como centro do design - forma, origem, valor. Um jeito elegante de dizer que o futuro passa tanto pelos materiais quanto pelas ideias por trás deles.

Uma das estreias mais interessantes - e que eu já tinha comentado aqui - é o Salone Raritas, nos pavilhões 9 a 11, dedicado ao design colecionável. São 25 expositores internacionais, sob curadoria de Annalisa Rosso e projeto do estúdio Formafantasma. Entre os nomes: Nilufar, COLLECTIONAL, Salviati em colaboração com Draga & Aurel, Mouromtsev Design Editions, Mercado Moderno, Bianco67 e Brun Fine Art.

Volta também o percurso a Luxury Way, nos pavilhões 13 a 15, com a instalação Aurea, an Architectural Fiction, da Maison Numéro 20 - uma espécie de hotel imaginário que mistura Art Déco, referências cinematográficas, simbolismo oriental e toques surrealistas. Bem aquela ideia de narrativa espacial que o Salone anda explorando cada vez mais.

Outro ponto que me chamou atenção foi o avanço do Salone Contract. O lançamento oficial vem só em 2027, mas já neste ano aparecem roteiros temáticos, palestras e programação B2B. O projeto é assinado por Rem Koolhaas e David Gianotten, do escritório OMA, com foco em soluções integradas para hotelaria, varejo, mercado imobiliário e náutica.

As bienais de EuroCucina e Salone Internazionale del Bagno seguem como polos fortes: cozinhas cada vez mais inteligentes, personalizáveis e sustentáveis; banheiros pensados para longevidade, acessibilidade e bem-estar - o famoso “spa em casa”, levado a outro patamar.

O SaloneSatellite continua firme como radar de novos talentos: 700 designers com menos de 35 anos, vindos de 43 países, sob o tema Artesanato + Inovação - essa costura entre mão, tecnologia e cultura que vem definindo muito do design contemporâneo.

Até a experiência de circular pela feira entrou na pauta: nova sinalização criada pela Leftloft, inspirada em mapas metropolitanos, prometendo fluxos mais intuitivos.

Seguem também as parcerias culturais com a Fondazione Teatro alla Scala e com a K-Way, além do quiosque de design na Piazza della Scala. Complementando essa frente urbana, haverá ainda um projeto especial com a K-Way: uma banca de jornais na Piazza del Duomo, com curadoria do Salone, ponto de partida para um roteiro pela cidade idealizado por Bianca Felicori, fundadora da Forgotten Architecture.

Saí dessa apresentação com a sensação de que o Salone quer ser lido - mais do que nunca - como um observatório do futuro: um lugar onde modos de viver são decodificados, novas linguagens são testadas e as conexões que vão moldar a próxima década do design começam, discretamente, a ser desenhadas.

Fepe Camargo vs. o barulho

Uma das raras contas no Instagram que eu não deixo o algoritmo me entregar - eu vou atrás. Porque quando o artista Fepe fala, eu aprendo. E rio. Num mercado onde a embalagem muitas vezes vale mais que o conteúdo e a pose vem antes da pesquisa, ele observa tudo com olhar sagaz - e nenhuma paciência para firulas. Com ironia precisa, desmonta discursos prontos, revela contradições e aponta - sem precisar desenhar - onde a atenção é sequestrada e onde, de fato, mora o valor. Uma conversa afiada, leve e sem panos quentes. Para quem cria, coleciona, especula - ou já cansou de aplaudir conceito embalado em legenda prolixa.

1. Você começou fazendo crítica e virou entretenimento - ou foi o contrário? Quando o humor virou sua linguagem principal? E isso já te custou algo?

Acho que aconteceram simultaneamente. Sempre fui crítico e debochado, mas no privado, entre amigos. Ver filme comigo é horrível - eu comento tudo, principalmente se for ruim ou blockbuster demais. É assim que lido com o mundo e com o mal-estar: tudo pode virar roteiro de comédia ou uma boa história. Quando comecei a fazer vídeos, era para mim, sem intenção de virar produtor de conteúdo ou crítico de arte. Minha vida era a pintura e a ilustração, com uma carreira tradicional e exposições internacionais. Dei um tempo por saúde mental, e o humor virou escape criativo. Fui me arriscando no vídeo e hoje é uma das minhas principais linguagens - enquanto retomo a pintura, mudando técnica e me reapaixonando pelo processo. Minha crítica nunca foi pessoal. É ao sistema da arte: como formamos artistas, quem tem acesso às oportunidades e que tipos de trabalho estamos estimulando. Não me interessa dizer quem é bom ou ruim, mas discutir os fatores sociais que fazem algo virar arte e projetam certos nomes. Talvez seja impopular, mas é isso: ninguém é totalmente imparcial. Tudo é opinião - algumas melhor informadas.

2. A Gen Z compra arte - ou compra “identidade pronta pra story”? O que ela valoriza de verdade quando escolhe um artista?

Não sei se posso falar por uma geração, mas posso falar do momento que vivemos. Hoje, a narrativa pesa mais do que nunca. Mais que ser, é parecer. O imperativo das redes sociais - a ostentação - não é novo: é uma versão democratizada da antiga coluna social. E arte sempre teve algo disso. Sempre foi também representação de dinheiro, bom gosto, cultura, distinção. Seria estranho imaginar que critérios como qualidade, autoridade ou relevância não passem hoje por engajamento e viralidade? Antes dessa pergunta, outra me parece central: essa relação com a arte não nasce também de uma educação que pouco fomenta contato profundo com ela? Quando se discute valor, fico sempre entre duas coisas: o que algo tem de valor e o quanto custa. Nem toda arte que vende é relevante, nem todo artista representado é um grande artista. O mercado da arte é um mercado - e boa parte das escolhas passa por esse sistema que estipula preços, legitima discursos e aponta quem são os nomes do momento. Digo isso para lembrar que a arte que chega às pessoas, que ganha estatuto de desejo e vira objeto de compra, é resultado de uma construção mais complexa do que “identidade pronta”. Assim como outros bens de luxo ou muito conteúdo de lifestyle, a arte também vira pano de fundo para redes sociais. Mas talvez a pergunta mais interessante não seja quem compra para ostentar - e sim qual arte passa a ocupar esse lugar. Se for possível valorizar, a alto custo, carreiras e trabalhos que têm alto valor real, não serei eu quem vai reclamar.

3. Museu virou cofre ou set? Está curando arte - ou curando tráfego?

Os dois! O museu, assim como vários centros culturais e aparatos de cultura, dependem de visitação, engajamento e opinião popular para receber investimento e fomento. Criar formas que conectem com as pessoas, estratégias que chamem a atenção e maneiras de incentivar a visitação - isso é menos sobre arte e mais sobre marketing. A culpa é do capitalismo tardio. Também acho que esperar que as pessoas não tirem selfie, não vejam as exposições por meio do celular e não frequentem esses espaços para produzir conteúdo pessoal para as próprias redes é uma expectativa meio improdutiva. Vai acontecer. Por enquanto, é assim que as coisas têm funcionado. Mas, sabendo disso, investir de verdade no setor educativo, produzir conteúdo de qualidade e buscar estratégias que hackeiem essa tendência para conectar as pessoas com arte de fato me parece um melhor investimento.

4. Arte no décor: o que é “viver com arte” - e o que é “decorar com arte”? E a onda nostalgia/kitsch: escolha com afeto ou estética do momento?

Pergunta difícil. Sendo pragmático: é melhor decorar com arte - isso fomenta carreiras, difunde trabalhos e permite que artistas sigam produzindo, além de levar para casa algo mais profundo e poético. A lógica do “compre de artistas vivos”. Mas nem todo mundo tem acesso: a reprodutibilidade do design ampliou esse imaginário, e tudo passa por bolso, oportunidade e por quanto, como sociedade, valorizamos a arte como profissão. Sobre afeto ou estética do momento, eu mesmo mudo bastante. Meus interesses acompanham isso. Afeto também é cultura: esse conjunto de referências que nos atravessa e molda, sem percebermos, como nos relacionamos com a produção humana. Num sistema de consumo, muita coisa nasce da lógica do acúmulo, da obsolescência e de discursos emocionais que associam objetos a sensações. Não sei se estamos indo para o kitsch entendido como mistura livre de referências pessoais. Se a última cor do ano da Pantone mostrou algo, foi a força de um minimalismo rígido, quase de consultório, impulsionado menos por dados e mais por narrativas audiovisuais carregadas de gatilhos emocionais. Talvez, no fim, as escolhas com afeto sejam justamente as mais facilmente capturadas pela estética do momento.

Como marcas se tornam escolhas - e não apenas logotipos

A tríade que define quem lidera ou fica para trás no mercado - branding, marketing e comunicação - não é jargão de consultores, mas um fato de negócio. Em 2024, 60% dos consumidores disseram considerar a causa social e o valor simbólico da marca antes de comprar (Edelman Trust Barometer). Isso mostra o risco quando uma marca falha em articular sua imagem ou confunde funções internas.

No meu trabalho com marcas, vejo com frequência como a sobreposição entre essas disciplinas dilui estratégia e dispersa investimento. Equipes tentam “fazer branding com tática de comunicação” ou “marketing sem identidade clara” - e colhem resultados inconsistentes.

Branding é o processo de definir e gerir a identidade da marca - valores, imagem e posicionamento - de forma a criar conexão genuína com o público certo. É onde a marca ocupa lugar na mente e no coração das pessoas. Marcas fortes, segundo a Harvard Business Review, podem valer até o dobro das empresas comoditizadas.

Marketing é o conjunto de estratégias e ações que posicionam a marca no mercado, conectam com os públicos certos e transformam sua proposta de valor em experiências concretas e resultados mensuráveis. Em 2023, empresas que integraram dados de consumidores às estratégias de marketing foram, em média, 30% mais eficientes, segundo o Gartner.

Comunicação é a ferramenta que leva mensagens ao mundo - informa, persuade e cria diálogo. É onde a marca se faz entender com clareza e consistência. Uma mensagem desalinhada pode reduzir em até 20% o recall de marca (Nielsen).

Quando esses pilares se confundem, surgem sintomas claros: campanhas sem propósito, iniciativas que não geram preferência real. Mas, quando cada função é bem articulada, a marca decide melhor onde investir, com quem falar - e por quê. Esse alinhamento transforma a marca em um atalho cognitivo e emocional. Vai além do nome: facilita escolhas, constrói preferência e sustenta relevância. Essa é a diferença entre existir e ser escolhida.

Janeiro terminou agitado em São Paulo, com a ABIMAD'41 concentrando lançamentos importantes da indústria moveleira nacional. Na minha passagem pela feira, bons encontros - e boas surpresas.

Bruno Faucz, fiel ao seu gosto por storytelling, estreia no mobiliário corporativo com a poltrona de escritório Axis, para a Adm Design. Ele fala da peça como se descrevem notas de perfume: de início, os gomos sugerem musculatura e performance; ao fundo, surge a biofilia, nas nervuras das folhas.

Para a Maisofa, o sofá Drapp nasce de uma memória doméstica: acordar cedo, puxar o edredom e se reacomodar no sofá para ver TV.

Na Mestre Artesão, a protagonista foi a coleção Nexo, de André Bastos - estrutura metálica contínua, vocabulário modernista, ecos do design europeu dos anos 1930–1950. A separação entre assento e encosto cria camadas e deixa ar, luz e olhar circularem.

A Uultis, que celebra dez anos, apresentou a poltrona Igriega, criada com Arthur de Menezes: acolhimento, ergonomia, conforto como gesto central.

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- Casa Italia é o espaço oficial de cultura e design dos Jogos de Inverno Milano-Cortina 2026, com sede na Triennale Milano. Sob o tema “Musa”, o local reúne ícones do design italiano como Edra e Glas Italia. Outras grifes também ativam ações e eventos no entorno do contexto olímpico, ampliando a presença do design durante os Jogos.

- Sem hospedagem em Milão durante a Semana de Design? Olhe para Turim. A cidade volta a integrar o projeto MiTo Design Connections, com hotéis a preços melhores e acesso rápido de trem. Base estratégica e cenário criativo em ascensão - design, cultura e gastronomia.

- O novo sistema de tripé modular da Manfrotto com a LAYER chega em 2026 para quem cria em foto e vídeo. Ajuste automático, troca rápida de acessórios e alinhamento preciso em um só equipamento. Design italiano, uso ágil, kit mais leve.

- Para quem projeta - ou leva clientes a Nova York para garimpar - vale anotar: Alfredo Paredes abre sua primeira loja no nº 521 da Warren Street, em Hudson. Mobiliário autoral, tecidos com a Kravet e peças garimpadas. Em dezembro, já testou o endereço com venda de vintage. Um novo hotspot com curadoria.

- Já Giorgio Pace, ex-cofundador da Nomad, estreia Der Pavilion, nova plataforma de design colecionável em St. Moritz, no antigo Hotel Eden. A mostra reúne Gio Ponti, Andrea Branzi, Vanessa Beecroft e Marina Karélla. Concebido como centro cultural em evolução, com planos de se tornar permanente, fora do circuito óbvio das feiras, o projeto lança a pergunta: até onde o colecionismo contemporâneo precisa de novos formatos para seguir relevante?

Habitar é o novo vestir

Na terça-feira, 20 de janeiro, a Louis Vuitton apresentou seu desfile masculino Fall-Winter 2026 em Paris com um gesto que ultrapassa moda: o cenário foi uma casa pré-fabricada, batizada Drophaus, concebida por Pharrell Williams em colaboração com o estúdio japonês Not a Hotel. Instalada como coração do desfile, a construção em vidro e madeira - com jardim zen ao redor e móveis da série Homework, criada por Pharrell - convidou o público a pensar no que significa viver um estilo, e não apenas vestir um. Inspirada na forma de uma gota, a Drophaus introduziu uma metáfora que se espalhou por toda a apresentação. A ideia apareceu nos volumes arredondados da arquitetura, ecoou nas roupas e ganhou escala em detalhes como cristais aplicados à mão e os solados ondulados do novo tênis LV Drop. Elementos que transformaram a passarela em ambiente habitado e compuseram o que a Louis Vuitton descreveu como um “mundo dentro de um mundo”. O recado: assim como a moda entende seu cliente, a casa precisa compreender quem habita e como vive. Arquitetura e interiores passam a responder a comportamentos, ritmos e personalidade tanto quanto as roupas. “O Drophaus é a minha visão de futuro - algo que faça sentido hoje ou daqui a 20 anos, construído com base na funcionalidade, no conhecimento técnico e numa necessidade humana real. Não sou arquiteto. Sou um construtor de soluções,” declarou Pharrell.

Paulo Sartori - forma, olhar e rigor

Designer gaúcho à frente da Essenza, Paulo construiu uma trajetória em que método e sensibilidade caminham lado a lado. Fora da indústria, cultiva o colecionismo como forma de ler o mundo - atento à arte contemporânea, à curadoria, às tensões do presente. Gentleman no trato, culto por vocação, não deixa passar nuances nem se rende a atalhos fáceis. Observa, escuta, lapida. Cuidadoso nos detalhes e sintonizado com o agora, vê no design e na arte dois modos complementares de pensar o tempo, o valor e a permanência. Nesta conversa, fala de marca, disciplina, gosto - e do humano por trás de cada escolha.

1. Quando você e seu sócio fundaram a Essenza… o que mudou de verdade na construção de uma marca - e o que continua essencial?

Estamos completando 25 anos de história, então é inevitável reconhecer que muita coisa mudou de forma profunda. Marcas que eram referência quando a Essenza nasceu encolheram, se transformaram ou simplesmente desapareceram. O ambiente hoje é outro: surgiram novos canais de venda e comunicação, tudo acontece em uma velocidade muito maior, com exposição constante e uma pressão enorme por resultados imediatos - algo que a pandemia intensificou bastante. Hoje, uma marca já nasce sendo comparada globalmente, julgada em tempo real e cobrada desde o primeiro movimento. Ao longo desses anos, ficou claro para mim que nomes entram e saem do mercado o tempo todo. O que permanece, de fato, são atributos como confiabilidade, consistência e segurança. Fora disso, muitas iniciativas acabam sendo apostas que podem ou não se sustentar. O que não mudou - e continua absolutamente essencial - é a clareza de intenção. Marca ainda se constrói a partir de escolhas muito conscientes: o que você faz, o que você escolhe não fazer, para quem você existe e por quê. No início da Essenza, mesmo com recursos limitados, havia uma decisão muito clara: não competir por volume nem por preço, mas por sentido e autoria. Esse eixo segue intacto, mesmo com o negócio tendo alcançado proporções que nem nós imaginávamos. Em 2026, iniciamos um movimento importante que reafirma esse compromisso com o design de expressão brasileira. Tecnologia, marketing e escala ajudam - e muito. Mas, sem uma visão clara, eles apenas ampliam o vazio.

2. Em um cenário de replicação rápida, cópia e uso crescente de IA no design, o que passa a ser o verdadeiro diferencial de uma marca de mobiliário?

O diferencial deixa de estar na forma isolada e passa a estar no sistema de significados que sustenta essa forma. É o conjunto que a marca entrega junto com o objeto. A IA consegue gerar peças esteticamente corretas e interessantes. O mercado consegue copiar linhas, proporções e acabamentos. O que não se replica com facilidade é história acumulada, coerência ao longo do tempo, repertório cultural, capacidade produtiva, decisões autorais e curadoria. Marcas fortes não competem por “ideias inéditas”, mas por visão própria. No fim, o verdadeiro diferencial está em quem escolhe, por que escolhe e o que sustenta essas escolhas - muito mais do que no desenho final em si. Nesse contexto, o design deixa de ser apenas criação de objetos e passa a ser construção de narrativas reconhecíveis e consistentes ao longo do tempo.

3. O mercado fala muito em “premium” e “luxo”, mas nem sempre em valor. Onde você acredita que o design brasileiro mais acerta - e mais erra - nessa equação?

O design brasileiro acerta quando trabalha emoção, materialidade e identidade cultural. Existe aqui uma relação muito natural com a madeira, com o gesto manual, com uma brasilidade que não precisa ser óbvia ou caricata - esse caminho nunca me interessou. Onde erramos com frequência é na confusão entre estética e valor. Valor não está apenas no discurso ou no acabamento, mas em processo, consistência, experiência, pós-venda e atemporalidade do produto. Acaba se conectando um pouco com a resposta anterior, mas essa confusão prejudica o mercado como um todo. Muitas marcas querem ser “luxo” antes de serem confiáveis. Pulam etapas estruturais e tentam compensar isso com uma narrativa superficial. O verdadeiro premium, hoje mais do que nunca, é silencioso, coerente e sustentado no tempo. Ele não precisa se afirmar o tempo todo.

4. Quando você olha para os próximos 10 anos do setor moveleiro no Brasil, o que mais te entusiasma - e o que mais te preocupa?

O que mais me entusiasma é a maturação criativa. Vejo um movimento real de marcas brasileiras deixando de reproduzir referências externas e começando a construir uma linguagem própria, com identidade local e ambição internacional. A presença cada vez mais forte do Brasil em feiras internacionais é um reflexo claro disso. Também me anima a integração entre design, tecnologia e sustentabilidade. Esse cruzamento ainda tem muito espaço para evoluir e gerar coisas interessantes. O que preocupa é a fragilidade estrutural de muitas empresas diante do crescimento. Gestão, processos, qualidade e, principalmente, pessoas - a falta de mão de obra qualificada é um gargalo sério. Economia, reforma tributária e questões geopolíticas também pesam bastante, porque impactam diretamente o setor e fogem do nosso controle. Criatividade sem estrutura vira desgaste. Escala sem cultura vira perda de identidade. Tenho a sensação de que os próximos 10 anos vão separar de forma muito clara quem construiu marca de quem apenas lançou produtos.

Saber do lançamento da Hayvenhurst, marca de mobiliário de Jackie Jackson, membro do Jackson 5, foi revelador - não apenas por vê-lo realizar o antigo desejo de trabalhar com móveis, mas pela ambição de reposicionar o luxo a partir de sustentabilidade e design. Ao lado de sua esposa, Emily Jackson, e do designer holandês Robert Milder, a coleção propõe um mobiliário de vocação atemporal e lógica responsável: plásticos recuperados de rios e oceanos, metais reciclados, sobras têxteis - menos impacto, mais inteligência material. Não é apenas forma; é pensamento circular. Um ícone cultural projetando o futuro com precisão e sensibilidade. Eis o design que desejo hoje: beleza, propósito e legado.

O que é marca - afinal?

Marca não é o que você diz que é. É o que o outro sente.

Marca não é logotipo. É uma percepção na mente das pessoas - formada por experiências, histórias, promessas cumpridas e expectativas futuras.
É uma narrativa construída ao longo do tempo - sobre um produto, um serviço, uma maneira de estar no mundo. Hoje, mais do que nunca, esse ativo intangível virou infraestrutura de negócio. O ranking BrandZ 2025 mostrou: o valor das 100 marcas mais valiosas do mundo chegou a US$ 10,7 trilhões. Estudos mostram que marcas fortes afetam tudo: margem, EBITDA, percepção de risco, valor de mercado. Em setores saturados, a marca organiza a decisão, simplifica escolhas, cria vínculo, dá lastro. Não se trata apenas de vender mais - trata-se de existir melhor. Marcas sólidas atravessam ciclos, sustentam preços, atraem talento, legitimam expansão e constroem reputação antes mesmo do primeiro contato comercial. O futuro será ainda mais seletivo. Tecnologias se replicam. Produtos evoluem rápido. O que permanece é o significado. Marcas ocupam territórios claros, articulam valores com disciplina, entregam o que prometem - educam seu público - e seguem relevantes.

Marca é linguagem.
É memória.
É estratégia de longo prazo.

E será, cada vez mais, o principal campo de disputa entre empresas.

Na próxima edição: marketing, branding e comunicação - onde tudo começa, onde tudo se cruza, e por que essa tríade hoje decide quem lidera… e quem fica pra trás.

Consuelo Jorge e a Alma do Lugar

Na Casa do Largo, no Outeiro das Brisas, sul da Bahia, os interiores começam com um gesto essencial: escuta. Consuelo Jorge ouviu a terra ocre das falésias, a luz quente que atravessa o dia, os silêncios da mata nativa. A partir daí, traduziu território em textura, ritmo em material. A casa, de 750 m², é refúgio para uma família de quatro, com arquitetura de Paulo Milan. Mas foi Consuelo quem integrou os espaços sociais para ampliar fluidez e ventilação cruzada - com peroba-rosa de reuso como espinha sensível da narrativa. Garimpou móveis em fazendas mineiras e trouxe à luz luminárias feitas por artesãos locais. Nas suítes, manteve a coerência: texturas naturais, ausência de excessos. No lavabo, celebrou o tempo com acabamentos rústicos. Tudo que Consuelo desenhou pertence ao lugar - antes mesmo de pertencer à casa.

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- O Estúdio Leonardo Zanatta Arquitetura venceu o concurso do masterplan da Bienal de Arquitetura Brasileira, que acontece no Pavilhão das Culturas Brasileiras, no Parque Ibirapuera, em São Paulo, de 25 de março a 30 de abril. A proposta foi escolhida entre dezenas de trabalhos enviados por arquitetos de todas as regiões do país. Como prêmio, Leonardo Zanatta receberá uma viagem cultural à Bienal de Arquitetura de Veneza 2026, acompanhado pelos sócios do escritório Superlimão.

- Parabéns à nova Diretoria Executiva da ABEDESIGN para a gestão 2026–2028. À frente da associação estão Gisela Schulzinger (Haus Design / SP), como presidente, e Titha Kraemer (Bendito Design / RS), como vice-presidente, liderando a entidade que representa e impulsiona empresas do design no Brasil.

- Na terça, dia 27, abre a 41ª edição da ABIMAD - a feira mais aguardada do calendário brasileiro de alta decoração. Com 135 expositores e parceiros no São Paulo Expo, o evento concentra as atenções do setor e promove o reencontro entre fabricantes, lojistas, arquitetos, designers e compradores do Brasil e do exterior, impulsionado pelo programa ABIMAD Export. O prêmio Best in Show, novamente sob curadoria da jornalista Thaís Lauton, destaca as peças que melhor traduzem inovação, qualidade e design autoral entre os expositores.

- Neste ano, vale se programar: a FEICON não coincide com a Milan Design Week - uma rara janela para acompanhar de perto o que move o canteiro brasileiro. Entre 7 e 10 de abril, no São Paulo Expo, na capital paulista, o maior evento de construção e arquitetura da América Latina reúne mais de mil marcas expositoras e espera receber mais de 100 mil visitantes entre varejistas, engenheiros, arquitetos, construtores e representantes da indústria.

O que a NRF 2026 apontou sobre marca, IA e relevância

Não estive em Nova York - mas passei a semana em escuta, atenta, quase obsessiva, ao que reverberou da NRF 2026. Dois sinais se impuseram. O primeiro eu já venho repetindo como mantra. Ver a ideia condensada na “frase da feira”, de Neil Patel, foi um soco de realidade: “Seu maior concorrente em 2026 não é outro varejista. É a IA que decide se vai te recomendar - ou te resumir até você deixar de existir.” A virada é essa: a disputa deixa de ser entre marcas e passa a acontecer dentro dos sistemas de IA que mediam descoberta e recomendação. Não são mais listas - são respostas. E isso muda tudo: sai o foco em SEO e mídia paga; entram autoridade, clareza e relevância semântica. Em 2026, não se disputa espaço - disputa-se o lugar de resposta escolhida. O segundo sinal é a força da marca. Num mundo em que tudo se replica, o que permanece único é o efeito: como as pessoas se sentem ao consumir. Posicionamento, diferenciação e coerência voltam ao centro. Mais do que atenção, marca forte cria pertencimento. Marca é o meu campo. A partir de agora: conteúdo semanal sobre construção e posicionamento de marca.

Sinais de 2026 - Olhar internacional

Na edição anterior, abri a escuta para o Brasil sobre quais sinais vão marcar o design em 2026. Agora, amplio para uma escuta mundial. A plataforma Dezeen, como eu, ouviu designers e líderes internacionais sobre o que já desponta no horizonte de 2026 - e os depoimentos apontam para uma virada menos polida e mais humana. Nick Foster pede o fim do “brilho homogêneo”: menos grades, renderizações perfeitas e produtos excessivamente polidos; mais aspereza, textura e imprevisibilidade. Para ele, a estética trazida pela IA generativa pode acelerar essa reação. Carole Baijings concorda: a beleza da imperfeição está prestes a ganhar centralidade. Natsai Audrey Chieza reforça a urgência de humanizar tecnologias como a IA, com pesquisa, desenvolvimento e instituições culturais ajudando a moldar esse futuro. Já Jo Barnard alerta: em um cenário de incerteza global, eficiência, gestão de risco e sistemas escaláveis tendem a prevalecer - sem que a alegria do criar desapareça. A instabilidade também deve reduzir lançamentos e desacelerar calendários, diz Baijings. Luca Nichetto vai além: prevê a crise do modelo atual de feiras e uma virada para encontros mais locais, abrindo espaço para designers de contextos antes pouco visíveis. Caroline Till fecha com otimismo: estudantes mais politizados e dispostos a usar a própria voz. Na arquitetura, é hora de repensar como e por que construímos. Para Max Fraser, diretor editorial da Dezeen, a conclusão é de que o design “poderá passar por uma mudança há muito esperada” este ano. Nos interiores, menos opulência superficial - mais calma cuidadosamente planejada.

Marcelo Salum não fala sobre casas - fala sobre quem mora nelas

Catarinense, ele criou uma linguagem própria para interiores: uma em que o lar deixa de ser cenário e vira personagem. Em seus projetos, memórias, afetos e silêncios ganham forma em cores, volumes e texturas que rejeitam a neutralidade. Como ele me conquistou? Pelo gesto. Pela atitude. Com uma trajetória conduzida com elegância - e sem alarde. Pra ele, há sempre uma narrativa, um método, um repertório. Objetos, arte e lembranças aparecem organizados com precisão, nunca em excesso. Longe do minimalismo neutro, seu ponto de partida é o morar como história pessoal. Nesta conversa, o olhar vai além dos projetos. Salum reflete sobre o que está mudando, o que precisamos desaprender - e o que começa a se revelar, aos poucos, dentro das casas de hoje.

1. O mundo fala de bem-estar, mas muita casa ainda adoece: luz errada, sofá bonito e desconfortável, ruído, excesso de tela. Quando você pensa em interiores hoje, o que é, de fato, uma casa que cuida do corpo e da cabeça de quem vive ali? Onde o design de interiores mais erra - e onde ele ainda tem chance de salvar o dia?

A premissa básica é entender para quem estamos projetando. Digo que deveríamos ter mais cadeiras de psicologia na faculdade de arquitetura, pois esse entendimento é um fator determinante para o sucesso do projeto. A casa que cuida do corpo e da cabeça vai ter elementos, cores e texturas que trazem bem-estar ao morador, ajudando-o a se conectar com a própria homeostase e vitalidade na medida certa. E isso é muito particular para cada um. Eu não sei se existe uma regra muito definida sobre isso. Claro que há requisitos básicos de salubridade e ergonomia que precisam ser seguidos. Para mim, bem-estar é uma casa alegre, que vibra na medida certa, que acolhe com um sofá aconchegante, com uma mesa convidativa a curtir uma boa comida e que tenha espaço para o silêncio e os momentos contemplativos. O design de interiores erra quando não coloca o cliente como centro principal do projeto, pois é ele quem vai dar os insights importantes para o sucesso da proposta. O design salva o dia quando há compreensão sobre isso.

2. Olhando da sua trajetória de Floripa a São Paulo, o que realmente faz a virada acontecer: portfólio, narrativa, relações? Que escolha sua você acha que muitos profissionais subestimam - e que conselho de manual de carreira você considera perigoso ou mentiroso?

Foi meu desejo de expandir e de aprender. São Paulo é uma escola em todos os sentidos: uma cidade intensa e produtiva, com muitas referências, muitas lojas, galerias, antiquários, pessoas de todos os lugares do Brasil e do mundo. Estar aqui, hoje em dia, é um grande presente. Ter conseguido um reconhecimento nessa cidade impulsiona minha vontade de ter mais objetivos na minha carreira. A cada escolha existem renúncias e, muitas vezes, nos colocamos à prova. No meio da jornada, surgem dúvidas se o caminho que escolhemos é o certo, se estamos na direção da nossa evolução como um todo. Mas só dá para saber vivendo e arriscando, com determinação e resiliência. Incrementar nossa paciência e gentileza com nós mesmos, buscando a compreensão de uma forma mais holística, acho um caminho assertivo. Hoje em dia, acho perigosa essa busca incessante de reconhecimento através das mídias sociais. Muitas vezes, seguimos o fluxo sem nos questionarmos sobre o que efetivamente estamos comunicando, o que queremos atingir e obter com determinado comportamento ou exposição. Com que preço e apreço?

3. Em interiores, o que ainda faz sentido chamar de luxo em 2026? Se você tivesse que explicar para um cliente - ou para um investidor - onde está o verdadeiro valor de um bom projeto, o que fica na conversa e o que sai da mesa de vez?

Luxo é, sem dúvida, ter uma relação sadia com a homeostase e a vitalidade. É conhecer a si mesmo, entender profundamente os próprios desejos dentro de um espaço e saber o que te relaxa e te expande. É compreender que um lar é onde repomos a nossa energia, nossa terceira camada (depois da pele e da roupa), nosso local de conforto. Nosso interior metafísico. Luxo é viver uma vida plena e consciente. O valor de um bom projeto está no nível de empatia que podemos ter com o cliente, com nossos colaboradores e com toda a nossa rede de apoio. Nesse meio, facilmente podemos encontrar um ambiente favorável à arrogância. A busca de entendimento sobre o que o outro deseja é fundamental para o sucesso do projeto. Isso tudo associado ao repertório que adquirimos ao longo da vida, ao conteúdo e ao atendimento que o escritório entrega e à busca constante de sempre encontrar uma solução para um problema. Sai da mesa essa necessidade de ter o que o outro tem para se sentir parte de um determinado grupo. A falta de autenticidade. Questionar o quanto preciso ter um projeto parecido, ou pior, igual ao de uma pessoa que eu admiro para que eu possa sentir o meu valor. Isso é triste.

4. Se você pudesse aposentar um mito sobre a casa perfeita - só um - qual iria embora primeiro? E que nova regra você escreveria no lugar para o futuro do morar?

Talvez o próprio mito da casa perfeita. O que é uma casa perfeita? Nesse sentido, mesmo sendo um maximalista assumido, acho que a filosofia japonesa do Wabi-sabi carrega uma inteligência ao encontrar beleza na imperfeição e na transitoriedade das coisas. A casa deve refletir nosso momento de vida. Metaforicamente, deveríamos aposentar o que não cabe mais para que possamos viver plenamente. Isso está muito mais no campo da psicologia do que no próprio ambiente em que vivemos.
Pensando assim, o que eu mais adoraria aposentar é a ansiedade. O que ficaria no lugar da ansiedade? A calma? Então, a regra que eu escreveria no lugar do “morar” é que possamos nos conhecer o suficiente para entender que cor me acalma em um espaço, que formato de móvel me deixa mais tranquilo, que texturas e elementos podem me ajudar a me reconectar com a minha própria essência.

Quando desligar vira luxo

Em 2024, após ler uma pesquisa, comecei a notar um movimento silencioso: casas sem telas, comandos ou automação ganhavam espaço nas principais mostras de design. Ambientes quase “burrinhos”, com interruptores, texturas e objetos que pedem presença. Agora a pesquisa da Nextatlas confirmou: a dumb home não é retrocesso, é reparo. Uma escolha por menos estímulo e mais conexão com o físico. Nas conversas que tenho com empresas de automação, o discurso ainda fala em tecnologia “invisível”: ela estaria lá, discreta, oferecendo conforto. Mas a dumb home vai além - é recusa. O conforto vem do ritmo humano, da imperfeição. Sempre volto a uma imagem que uso nas palestras: em Oblivion, Tom Cruise vive numa casa asséptica, mas é na casa do lago, simples e artesanal, que ele se encontra. A tecnologia organiza; o afeto ancora. Até marcas como a IKEA traduzem esse espírito, com rituais como “camas” para o celular dormir. Talvez o novo luxo seja esse: menos automático, mais presença. Como você quer que seja a sua casa?

BIC vira luz e desejo

Esse lançamento do 75º aniversário da BIC Cristal, em parceria com a Seletti, dominou minha mente - e virou meu único desejo da semana. Um de cada cor: preto, azul e vermelho. A BIC© Lamp, desenhada por Mario Paroli, amplia a caneta mais icônica do mundo em escala 12:1 e a transforma em luminária (de piso, pendente ou parede). LED, humor pop e memória afetiva ativada. Como resume Stefano Seletti, é design guiado pela lembrança: um ícone cotidiano que renasce para iluminar a casa - e as histórias que carregamos.

Tecendo o amanhã: Patricia Urquiola na Heimtextil

Nesta semana em Frankfurt, a Heimtextil 2026 reafirmou seu papel como epicentro do design têxtil, reunindo 3.000 expositores de 66 países - sendo 96% vindos de fora da Alemanha - e um foco renovado em inovação, sustentabilidade e inteligência artificial. No centro das conversas, a designer Patricia Urquiola apresentou among-all - uma instalação sensível onde tecidos regenerados, IA e materiais circulares se encontraram para repensar o têxtil como linguagem e experiência. “Design não é sobre controlar formas, é um diálogo com a matéria, um processo”, afirmou Urquiola. Os movimentos dos visitantes ativavam interações digitais no espaço. Tecidos com Econyl (nylon regenerado de resíduos), o assento escultural Giano Bifronte (com Moroso e CC-tapis) e estruturas em Ohoskin (feito de casca de laranja) ilustraram sua visão: “Não acredito na pureza; prefiro transformação”. Sua participação propôs um novo olhar: entre craft, tecnologia e consciência ecológica.

Craft no modo verbo: Alcova na Heimtextil

Na sequência, a feira ganhou um recorte afiado pela curadoria da Alcova: Craft is a Verb. De um lado, uma “fazenda” de amostras - têxteis em clusters. Do outro, uma casa quase sci-fi onde o feito à mão encontra a IA. Entre os objetos: as cerâmicas de Natalia Triantafylli (“AI enhanced, human-finished”), a poltrona distópica de Jean-Baptiste Durand, as tapeçarias de Sonia Góecka, as luminárias de Anna Resei e os tapetes digitalmente ativados de Jonas Hejduk. Em comum, a mesma mensagem: menos perfeição, mais método - e matéria com futuro.